Науково технічний прогрес 60-х років 20ст

Переконавшись в певній вузькості  міжнародного стилю - функціоналізму, сучасні архітектори намагаються розвинути ті сторони, які ними не враховувалися раніше: пластичні можливості архітектурних форм, індивідуальні запити, зв'язок з національною культурою. В останні роки особливо актуальною стає проблема співвідношення національного та інтернаціонального в національній архітектурі окремих країн. Безсумнівно, що істинний шлях тут лежить в подоланні як космополітичних нівелюють тенденцій, так і безперспективних спроб реставрації та стилізації багатьох, вже пішли в минуле місцевих архітектурних форм, у використанні справжніх традицій і живих сучасних потреб, на яких і повинні будуватися національні архітектурні школи. В умовах сучасного суспільства цей творчий процес пошуків і знахідок, зрозуміло, складний і нерівна і має масу каменів спотикання.

На початку 60-х років  виникає чисто японське, що не має  аналогів у світовій архітектурі течія - «метаболізм». Воно було викликане прагненням поєднати архітектуру і будівництво в хаотично забудованих японських містах. Пробуджений серед молодих архітекторів інтерес до містобудівних проблем і утворив грунт для поширення ідей метаболізму. Вплив метаболістов помітно посилилося після приєднання до них Кендзо Танге і його талановитого учня Арата Ісодзакі. Оскільки нові тенденції, що з'явилися в останнє десятиліття, пробивали собі дорогу в боротьбі з метаболізмом, то ми трохи докладніше зупинимося на характеристиці цієї архітектурної теорії.

У 1960 р. на міжнародній конференції  з дизайну в Токіо молоді архітектори Фуміхіко Макі, Масато Отака, Кіенорі Кікутаке, Кісі Курокава та архітектурний критик Нобору Кавадзое об'єдналися в особливу групу. Цією групою і були сформульовані, основні положення теорії метаболізму. В них знайшов відображення ряд принципів західної «нової архітектури» (перш за все раціоналістичний підхід до вирішення архітектурних завдань, акцент на використанні новітніх досягнень науки і техніки). Разом з тим ця теорія несла на собі відбиток специфічного японського світовідчуття. Її поява була підготовлено принципами, що склалися в японській культурі. Ідеї ​​метаболістов порівнянні з традиційним японським поглядом на природу, згідно з яким всі явища сприймаються і інтерпретуються відповідно до законів навколишнього людини природного світу. Часто кажуть, що «греки спостерігають природу через людину, японці ж, навпаки, спостерігають людини через природу».

На стилістиці авангардної архітектури США 60-х років позначався вплив «антіархітектури», що заперечує архітектурну естетику, що відкидає необхідність композиції, гармонії, порядку. Вона проголошує відмова не тільки від естетичного аспекту форми в архітектурі, але й взагалі від обліку зорового і, отже, психологічного сприйняття середовища. Прихильники «антіархітектури» грунтуються на переконанні, що в майбутньому архітектура і містобудування звільняться від «обмежень» і «умовностей», успадкованих від минулого, і будуть визначатися не культурними передумовами, а лише застосуванням тих чи інших технічних прийомів для виконання утилітарно-функціональних завдань. Прихильникам «антіархітектури» матеріальна середу людської життєдіяльності бачиться як суто функціональна і технізовані, утворена трансформуються оболонками і насичена автоматикою. Хоча представники «антіархітектури» відкидають архітектурну форму, їхні твори (існуючі поки, головним чином, в проектах), зрозуміло, мають форму і створюють певний образ. Вони характеризуються механічною диференційованою, відсутністю певних меж цілого, поєднанням автономних частин, що визначаються чисто утилітарно. Будівля, як якась технологічна установка, змонтовано з компонентів, форми і взаємне розташування яких визначаються тільки їх функцією і конструкцією.

У промисловості теж багато змін. Вперше масовий продукт повинен  поєднувати в собі привабливість  і доступну ціну, простоту нарощування  обсягів випуску. У цьому дуже допомагають з'явилися тоді полімери, ці нові синтетичні матеріали володіють  неймовірною пластичністю і піддатливість, з них можна створити все що завгодно! Синтетика ставати модною, з неї навіть шиють одяг, вона незвичайна, але дуже практична, за нею так легко доглядати і про чудо - вона не мнеться!

Найважливішим знаменням  часу стають автомобілі, тепер вони невід'ємна частина життя самих звичайних людей. Вони перестають бути розкішшю. Через технічні новацій машини стають комфортніше, безпечніше, легше, ... довше і нижче. Хоча ідея міні-машини для одного-двох пасажирів не чужа виробнику. Наприклад, в Англії випускається найменший автомобіль у світі Peel 50, в ньому вміщується лише одна людина і його багаж.

НОВИЙ ПОГЛЯД:Головні зміни в дизайні 60-х пов'язані зі зміною умонастроїв. Молодіжна субкультура породила протестний настрій, людина стала чекати появи нового погляду на звичні речі, дизайн втомився від традиції, він ставати більш сміливим і активно відмовляється від стереотипів.

Інтерер , меблі, побутова техніка

Нове покоління дизайнерів 60-х, зуміли знайти власний образотворчий, дуже екстравагантну мову. Особливо яскраво заявили про себе жителі північної Європи і італійці. Зразки творчості цих новаторів до цих пір виглядають настільки ефектно, що через багато років продовжують випускатися. Наприклад, крісло Sacco у вигляді мішка, набите кульками з пінопласту, побачене вперше, навіть зараз вражає уяву. Його придумали дизайнери П'єро Гатті, Чезаре Паоліні, Франко Теодоро, а в масовий виробництво запустила компанія Zanotta. До цих пір випускається та продається знамените крісло Гаетано Пеше (Gaetano Pesce) Up 5, що нагадує фігуру сидить по-турецьки жінки.

Дизайнери 60-х шукають  нові форми і звертають увагу  на пластичні властивості матеріалів, стає цікаво шукати і знаходити більш  вільні лінії, які до невпізнання  перетворюють звичайні речі. Вони втрачають  свою незграбність, їх площини стають об'ємними, складними, що стікають, плавними, хитромудрої форми. Самим вдячним  матеріалом для реалізації цих ідей ставати пластик. Так данський дизайнер Вернер Пантон (Verner Panton) придумав крісло складаються з одного єдиного, але  зате якого ефектного елементу! Ніяких подушок, ніжок і підлокітників - тільки відточена гнута лінія  плавно переходить від спинки через  седалище до широкої стійкої опори. Це крісло випускається і до цього  дня. Те ж саме можна сказати про  світильнику Artichoke компанії Louis Poulsen, придуманому  в 1958 році Полом Хеннінгсеном (Poul Henningsen).

Деякі дизайнери 60-х не приховували  свого ставлення до власних творінь  і зізнавалися, що розглядають їх як іграшки. Не дивно, що в цей час  робиться так багато надувних меблів, яка нагадує про дитячі забавах  на воді, наприклад, крісло Blow з 67 року випускається Zanotta, плід роботи креативної трійці Донато Д `Урбіно (Donato D` Urbino), Паоло Ломаццо (Paolo Lomazzi) і Джонатана де Пас (Jonathan de Pas). Самим звичайним ставати крісло або ліжко, яке в незібраному вигляді займає місця менше, ніж невеликий чемодан.У дизайні 60-х вперше виникає поняття ергономіки, перш воно було тільки елементом підвищення ефективності праці на виробництві. Тепер адаптація габаритів і форми виробів під людське тіло, мало мету зробити використання речі найбільш зручним і приємним.

Соковито і РАДІСНО. Фантазійність  нового дизайну 60-х надавала речей  цілісність, так що не виникало необхідності в особливому прикрашанні. Тільки колір  і малюнок.В цей час в моді прості і відкриті кольори. Але використовувалися  дуже незвичайні поєднання, не прийнятні  ще зовсім недавно, наприклад, блакитний, коричневий і жовтий, або рожевий  з помаранчевим.

Рисунок наївний, наприклад, квітковий, але найактуальніше геометричні  фігури: кола, смуги, трикутники.

 Аеростиль. 

Головна подія того часу відбувається в СРСР - Юрій Гагарін  здійснює свій політ за межі Землі. З тих пір людство захворює мрією про підкорення космосу, відкриття, міжпланетні подорожі, нових неземні  цивілізації. Небувалий інтерес  до всього, що пов'язане з авіацією і космосом, ідеї подчерпнуть з  літакобудування активно використовуються в дизайні 60-х. Згадаймо хоча б радянські  пилососи «Ракета» у формі сигари або круглий як м'яч «Сатурн». Саме в ту пору дизайн ставати іронічним, він не боїться використовувати  прийоми, розроблені для однієї групи  товарів, застосовувати в інший. Так автомобільні «штучки» приживаються в меблів і побутової техніки.

Динамічність елементів  асоціативно викликає відсилання до певної теми, скажімо, форма крісла може нагадувати летить по трасі гоночний болід.

Справжньою окрасою вироби тепер є блискучі хромовані деталі, елементи, пофарбовані у сріблястий. Ставати ясно, що і нержавейка, і  алюміній, і скло теж можуть бути гарними.

ЗАПИТ АБО ПРОПОЗИЦІЯ

Дизайн 60-х створив свій неповторний, дивно красивий і яскравий стиль. І зараз, коли в дизайні, як здається все знайдено, відкрито, винайдено, цей стиль ставати новим джерелом натхнення для креативних фахівців компаній всього світу. Пустощі і  шик, надзвичайне звернення з  формами, специфічні кольори - це ласий  шматок в руках будь-якого хорошого дизайнера. Однак, якщо б дітища народжені  в головах геніїв не знаходили  своїх прихильників серед покупців, то й робити їх не мало б сенсу.

ПОБУТОВий  ретромобіль

Використовувати ретромотиви  при створенні меблів стало вже  досить звичним явищем. Цей стиль  дуже «йде» і кухням, хоча всю  повноту і ефектність гарнітурів в цьому стилі можна реалізувати  тільки в великих просторах. Це пов'язано  з особливою декоративністю. Меблі  хороша тільки в певній компонуванні і розміщення, скажімо тумби з  круглими боковинами просто немає сенсу ставити до стіни. Крім того, цю красиву меблі краще споглядати на відстані.Але додати нотку дизайну 60-х своїй кухні можна і за допомогою техніки. Треба сказати, що прилади в ретро стилі найефектніші і яскраві серед усього сімейства. Часом достатньо тільки однієї-двох штучок, щоб змінити настрій всього інтер'єру. Але виробники часто пропонують цілі колекції, що складаються з декількох виконаних в одній манері і кольорі виробів.

Побутова техніка під  ретро відрізняється об'ємними формами, наявністю старомодним перемикачів  і таймерів, фантазійними елементами. Основний колір матовий металік, або глянцеві: червоний, жовтий, рожевий, блакитний. Можливий квітковий або  геометричних декор.У 1962 році Енді створює  картини «Зелені пляшки кока-коли»  і «Банки супу" Кемпбелл "», які  можна в якійсь мірі віднести до графічного дизайну.

Поп-дизайн - культура для  молодих

Незважаючи на те, що в  поп-культурі майстра відштовхувалися  від т.зв. «Незмінного мистецтва», це зовсім не означало, що «поп» був  стилем товарів повсякденного вжитку. На відміну від прихильників «хорошого  дизайну» дизайнери стилю «поп»  шукали менш серйозний сенс у своїх  творах. Стиль «поп» був стилем для молодих. До 60-х років ідея виробництва якісних добротних  товарів відходить на другий план, поступаючись місцем гаслу «сьогодні  купив - завтра викинув». Це був справжній  прорив у філософії промисловості  та дизайну.

Наприклад, плямистий дитячий  стілець з гофрокартону Петера Мурдока, який він придумав його ще тоді коли навчався в Королівському коледжі  мистецтв. Низька вартість і порівняно  не довговічність визначило об'єкт, як ідеально виріб масового виробництва 60-х рр.. У 1967 році Мурдок спроектував  аналогічну групу Thoese Things состоящію  з стола, стільця і ​​табуретки. За цей комплект він був відзначений  Британським консульством промислового дизайну.

Ензо Марі - один з майстрів італійського меблевого та промислового дизайну, художник, теоретик, один з  найбільш мислячих і інтелектуальних  дизайнерів 20 століття - міг би пред'явити  права більше, ніж на 1700 проектів, створених ним спільно з італійськими та іноземними виробниками протягом своєї плідної творчої життя.

Народившись в Новара (Novara) в Італії, Ензо Марі з 1952 по 1956 рік  вивчав класичне мистецтво і літературу в Академії образотворчих мистецтв (Academia di Brera) в Мілані. Під час навчання зацікавився дизайном. Однак інтерес  Марі до дизайну був насамперед теоретичним. Одним з перших його проектів була освітня іграшка - дитячі пазли, що складалися з групи дерев'яних тваринок (1957, компанія Danese). Ця іграшка ознаменувала початок плідної співпраці Ензо Марі і компанії Данезі. У 1959 році Марі почав експериментувати з пластмасами. Ці експерименти привели до численних високоякісним виробам, які також були виконані для компанії Данезі. Серед них: циліндрична підставка для парасольок (1962) з ПВХ, і пластикова ваза Паго-Паго, модульна система частка виставкового обладнання (1965) і вази Tortiglione (1969). Марі прагнув створювати продукти для масового виробництва, при цьому, не йдучи на компроміс зі своїм переконанням у тому, що продукт повинен бути привабливим на вигляд не на шкоду покладених на нього функцій. До кінця 60-х дизайнер досяг такої майстерності в роботі з пластмасою, що в його руках вона отримувала майже скульптурну плавність. В1963 році вступив в радикально суспільство Nouve Tendenze

Радикальна дизайнерська група "Strum" (бринькання) заснована  в 1963 році в Турині Жоржі Жіретті (Giorgio Geretti), Петро Дероссі (Pietro Derossi), Карла Жіамарко (Carla Giammarco), Ріккардо Россі (Riccardo Rosso), Мауріціо Вогліацо (Maurizio Vogliazzo). які використовували свої твори для висловлювання політичних і соціальних протестів початку 1970-х. Одна з найвідоміших робіт групи - екзотична "меблі" для сидіння та лежання з поліуретану "об'єкт Pratone сидіння (" Газон ") в 1968 р., Pratone був їх емблемою руху хіпі проти" суспільства споживання ". «Штрум» поєднували в своєму дизайні оригінальну форму, властиву поп-арту, і комфорт.

Інго Маурера, натхненний плинами поп-арт культури, емігрував  до США і в 1966 р. і створив легендарний  світильник «Bulb». За ним послідували  численні інноваційні світлові дизайнерські рішення, які принесли Інго Мауреру  всесвітню популярність. Інго відчував неймовірне почуття захоплення від  «магічних і містичних» властивостей світла, як він їх називає сам. Він  створює світлові атмосфери, які  грають зі звичними уявленнями про  колір, яскравості і тіні. Починаючи  з 1966 р. на рахунку Інго Маурера більш  ніж 150 різноманітних освітлювальних приладів і світлових систем і  безліч міжнародних проектів по світловому оформленню громадських місць, показів  модних колекцій, фасадів громадських  будівель і пам'ятників, не кажучи вже  про приватні замовлення.

Роберт Індіана народився  в Нью Касл, Індіана, пізніше переїхав до Індіанаполіс, де закінчив Arsenal Technical High School. У 1954 він переїхав до Нью-Йорк, де приєднався до поп-арт руху. Роберт Індіана звернувся до образів  комерційної графіки, змішуючи їх з  екзистенціалізмом, що призвело до того, що сам художник назвав «скульптурні вірші». У 1958 він змінив своє прізвище (Кларк) на Індіана. У 1961 почав серію  картин, образотворчий ряд яких близький до графічного дизайну та американської  реклами. Часом зачіпаючи споживчі тенденції чи політичні ексцеси  в американській культурі, образи Індіани поєднують текст, числа  і колірні поля з чіткими контурами. Перша персональна виставка Роберта  Індіани в Нью-Йорку пройшла  в 1962 в галереї Stable Gallery. Його найпопулярніший  знак «Love» був вперше реалізований як живопис в 1966, а пізніше повторений в різних медіа, включаючи скульптуру та поштові марки, ставши справжньою поп-іконою 1960-х. З 1978 Індіана живе і  працює в Vinalhaven.

Аарне вчився в інституті  промислового мистецтва в Гельсінкі, потім заснував своє власне бюро в 1962 році. У наступному році він представив свій «Bubble Chair», велику кулю з прозорого  оргскла на підставці, з отвором  з одного боку, яке дозволяло людині сидіти всередині. Пізніше з'явився аналогічний «Bubble Chair??» З пристосуванням, для того щоб було можна повісити його за ланцюг, створювалося враження ніби ця куля ширяє в повітрі. Інші його інноваційні проекти включали в себе, не менш відомий, плаваючий  «Pastil Chair» і «Tomato Chair» (більш стійкий  з сидінням з трьох сфер). «Screw Table», його форма цілком відповідає назві, а з боку складалося враження, ніби величезний пластиковий гвинт  вкрутили в землю. Він був удостоєний нагороди «American Industrial Design» в 1968 році.