От классицизма до 20го века

Фовизм

Фовизм         

(франц. fauvisme, от fauve - дикий), течение во французской  живописи начала XX в. Ироническое  прозвище "les fauves" ("дикие") было  дано современной критикой группе живописцев, выступивших в 1905 в парижском "Салоне независимых" (А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др.). Исходящее из наблюдения натуры, но придающее самодовлеющую ценность живописным приёмам, искусство фовистов заключало в себе эстетический протест против художественных традиций XIX в. Разных по индивидуальному складу мастеров на короткий срок (1905-1907) сплотили тяготение к лапидарным образным формулам, колористическим контрастам и острым композиционным ритмам, поиски свежих импульсов в "примитивном" творчестве, средневековом и восточном искусстве. Лепка объёма, воссоздание пространства, воздушная линейная перспектива оттесняются у фовистов непосредственной эмоциональной выразительностью интенсивного красочного пятна, звучными декоративными цветовыми построениями, служащими прежде всего для выражения ярких, но не сложных эмоций художника. В отличие от сложившегося в этот же период немецкого экспрессионизма, фовизм не имел специфической нравственно-философской окраски.

Литература: Muller J.-E., Le fauvisme, Paris, (1967); Oppler E. С., Fauvisme reexamined, N. Y., 1976.

(Источник: «Популярная художественная  энциклопедия.» Под ред. Полевого  В.М.; М.: Издательство "Советская  энциклопедия", 1986.)

фови́зм

(от франц. fauve – дикий), авангардное направление  во французском искусстве нач. 20 в. (1905—07). Фовистами («дикими») называли группу художников, в которую входили А. Матисс, А. Марке, А. Дерен, М. Вламинк, за «кричащую» выразительность цвета в их картинах. Позднее к фовистам присоединились К. Ван Донген, Ж. Руо, Ж. Брак и др.  
Художники не имели чётко сформулированной программы, их объединяло стремление к использованию яркого открытого цвета. Смело брошенные на холст пятна чистых красок, мощные контрасты, разнообразие фактуры захватывали, ошеломляли зрителя невиданной ранее энергией звучания цвета. Так, в «Красную комнату» А. Матисса (см. илл. на с. 324) введено такое количество красного цвета, какого не было прежде ни в одной картине.  
 
 
А. Матисс. «Автопортрет в полосатой майке». 1906 г. Государственный музей искусства. Копенгаген 
 
   
 
 
А. Матисс. «Женщина в шляпе». 1905 г. Частное собрание 
 
   
 
 
А. Матисс. «Вид Коллиура». Ок. 1905 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург 
 
   
Живопись фовистов отличает плоскостность форм, насыщенность чистых цветов, отказ от светотеневой моделировки и линейной перспективы.  
Фовизм зародился в кон. 1890-х – нач. 1900-х гг. в результате живописных экспериментов, которыми занимался со своими учениками (в числе которых был Матисс) символист Г. Моро. Группа заявила о себе на Парижском салоне (1905), где художники выставили свои картины в отдельном зале, в центре которого стояла статуя работы ренессансного скульптора Донателло. Восклицание критика Луи Вокселя: «Донателло среди диких!» – дало название новому направлению в живописи. Однако за маской дикаря скрывался рафинированный, образованный художник, стремившийся своим искусством дать спокойствие и отдых усталому современному человеку (манифест 1908 г.). Фовисты экспонировали свои работы также на выставках 1906 и 1907 гг.  
После 1907 г. группа начала распадаться, каждый из художников пошёл своим путём. Впоследствии из фовизма вырос экспрессионизм.

(Источник: «Искусство. Современная  иллюстрированная энциклопедия.»  Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)

Сюрреализм

Сюрреализм (фр. surrealisme - сверхреализм) - направление  в литературе и искусстве 20 века, сложившееся в 1920-х годах. Возникнув  во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным  направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.). Сюрреализм в живописи развивался по двум направлениям. Одни художники вводили бессознательное начало в процесс создания живописных полотен, в которых преобладали свободно текущие образы, произвольные формы, переходящие в абстракцию (Макс Эрнст, А. Масон, Миро, Арп). Другое направление, которое возглавлял Сальвадор Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности. Общие особенности искусства сюрреализма фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира, продолжить бунтарство против выхолощенных духовных ценностей буржуазной цивилизации. Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, не отражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это порой выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику и китч. Отдельные интересные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда. В это же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. При всей своей программной заданности произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера - эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений сюрреализма они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение. Сюрреализм представлял собой противоречивое художественное явление, что в значительной мере объясняет широкую орбиту его распространения. Многие ищущие художники, впоследствии отказавшиеся от сюрреалистических взглядов, прошли через него (П. Пикассо, П. Клее и др.). К сюрреализму примыкали поэты Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший сюрреалистические фильмы. Изощренная техника соединения несоединимого и появившаяся в позднем сюрреализме самоирония и юмор позволили ему органично влиться в поэтику современного постмодернизма.

Поп Арт

Ведущие художники  в стиле поп арт были  Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Рой Гамильтон, Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Алекс Кац, Ричард Гамильтон, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Клаас Ольденбург. Каждый из художников взял для своих картин повседневные объекты, которые приобрели массовый характер в поп искусстве. Энди Уорхол - банка супа и портреты кинозвезд. Рой Лихтенштейн –     герои мультфильмов и комиксы. Джаспер Джонс - флаги, карты и пивные бутылки. Музыкант Роберт Раушенберг создатель известной монограммы,не пытался следовать традициям в искусстве и возвеличивать или увековечивать человека, вместо этого Раушенберг привнес такие запрещенные темы, как гомосексуализм, но только в юмористическом ключе. Ричард Гамильтон использовал изображение журналов и газет. Роберт Индиана - тема любви в Поп Арт.                              

 Энди Уорхол

Художник который действительно  утвердил Поп Арт как вид искусства  в глазах общественности. Ведь ни один другой художник не отождествляется с Поп артом так как он. СМИ называют его "принцем поп искусства". Уорхол родилсяв 1930 году в Питсбурге в семье словацким эмигрантов. Он окончил факультет коммерческого искусства в Питсбургском технологическом институте в 1949 году и отправился в Нью Йорк. Вскоре он стал одним из самых успешных коммерческих нью-йоркских художников иллюстраторов. Он работал иллюстратором для таких журналов как Vogue, Harper's Bazar, The New Yorker. В 1956 году его работы были впервые выставлены в Музее современного искусства. 1960 год был чрезвычайно творчески плодовит, Уорхол начал писать объекты массового производства, такие как банка супа Campbell's и портреты кинозвезд - Мерлин Монро, Жаклин Кенеди, Элвис Пресли. Сейчас эти картины являются частью иконографии 20 века. В начале 1970 года Уорхол опубликовал свою книгу - " Философия Энди Уорхола (от А до Б и обратно)". Энди Уорхол стал первым художником, признавшим творческий потенциал трафаретной печати, которая до этого использовалась только в промышленной упаковке. Это открытие позволило Уорхолу создать собственную студи в Нью Йорке по производству картин - " Фабрика", где и расцвело движение Поп Арт. Картины Энди Уорхола вдохновили многих художников, которые расширили границы Поп Арта и привнесли в него что-то новое. ]         

 Рой Лихтенштейн

Художник, который расширил представление  о Поп Арте и внес свой стиль, который  основан на мультипликации. Рой родился  в НьюЙорке в октябре 1923 года. Лихтенштейн  начал рисовать в качестве хобби, он был фанатом джаза и часто рисовал портреты музыкантов. После школы он он стал слушателем в школе изобразительных искусств в Университете штата Огайо. В 1949 году прошла первая персональная выставка Роя Лихтенштейна в галерее Кливленда. С 1957 по 1960 год его работы можно классифицировать как абстрактный экспрессионизм, кубизм и футуризм. Его ранняя работа в стиле Поп Арт - картина долларбыла написана в 1956 году. Как же родился стиль Роя Лихтенштейна? В 1961 году Рой Лихтенштейн написал свою первую картину Микки ( Mickey Mouse) используя изображение одноменного мультфильма и методы коммерческой печати. Именно в это время он первым сделал использование таких устройств как точки, буквы и слова в воздушных шарах своей подписью в работах. В 1966 году работы Роя Лихтенштйна были показаны на Веницианском                                 

биеннале. В 1969 году в Музее Гуггенхайма была открыта ретроспективная выставка Роя Лихтенштейна. В 1970 году он был избран членом Американской Академии искусств. Рой Лихтенштейн был мастером стереотипа и самым сложным из известных исполнителей поп дизайна с точки зрения его визуального анализа конвенции и его иронической эксплуатации стилей прошлого. Картины Роя Лихтенштейна за которые он сейчас известен стали результатом его долгих поисков и ученичества.         

 Алекс Кац 

Американский художник, известный  своими большими масштабами, упрощенными  образами семьи и друзей. Кац был сыном русских иммигрантов, родился в 1927 году и вырос в Нью-Йорке. Алекс Кац учился в школе искусств Союза Купера в Нью-Йорке и в  училище живописи и скульптуры Скоуниган в штате Мэн. Алекс Кац является весьма уважаемым современным художником поп арта и гравером. Он является самым известным за его большие, часто больше, чем в натуральную величину портреты. Алекса Каца отличает его способность отразить в искусстве своих близких - жену Аду и сына Винсента. Жена Алекса, Ада, сыграла важную роль в творческой жизни мужа. Картины с ее изображением получили культовый статус и стали беспрецендентыми по своей напрвленности, имея одну тему для творчества на протяжении столь многих десятилетий. На протяжении более 50 лет, художник КАЦ нарушил модные тенденции современного искусства и представил свой собственный стиль фигуры живописи.Характеристика подписи стиля Каца обманчива проста, его малый размер и откровенные элементы, которые отличают его картины остротой и элегантностью.  Кац работает на плоских гранях цвета и открытых пространствах для достижения реализма. Впервые работы Кацабыли выставлены в Нью-Йорке в 1954 году. Сейчас его работы находятся в коллекции Тэйт и Музее современного искусства. Увидев хоть один раз картины Алекса Каца - вы навсегда запомните его стиль поп арт.  

          Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон родился в  семье рабочего, вырос в районе Лондона, Помплико. После школы Ричард обнаружил у себя способности к рисунку и начал заниматься живописью на вечерних занятиях в школе искусств Сент-Мартин. Эти занятия привели Ричарда к вступлению в Королевскую академию. После двух лет обучения он начал выствляться в музее Современного искусства. В 60 годах Гамильтон подружился с Полом Маккартни, в результате чего он разработал дизайн обложки и плакат коллаж для белого альбома "Биттлз". В 70 годах Ричард Гамильтон пользуется международным признанием с рядом крупных выставок его работ. В 1992 году галерея Тейт в Лондоне организовала крупную ретроспективу с сопровождающим каталогом, которая обеспечила наиболее полный обзор его карьеры. В 1993 году Гамильтон представлял Великобританию на Венецианском биеннале и был удостоен Золотого льва. Его определение Поп Арт: " Поп Арт является популярным, переходным, длительным и недорогим массовым искусством. Это молодость, остроумие, сексуальность, гламур и большой бизнес, подчеркивающие свои повседневные и обычные значения. В его работах можно увидеть признаки политизации. На сегодняшний день он остается самым типичным художником поп арт искусства.

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс взял для своих  картин такие повседневные объекты  как флаги, карты и пивные бутылки. Он дал им несколько уровней смысла через текстуру, особого способа нанесения слов и чисел, а также другие визуальные манипуляции. Самая известная картина Джаспера Джонса - флаг. Свое детство Джаспер провел в Южной Каролине. Рассказывая об этом периоде своей жизни он говорит: " В том месте, где я был ребенком, не было художников и не было искусства, так что я действительно не знаю , что это значит." В 1949 году после учебы в Университете Южной Каролины он переехал в Нью Йорк и поступил в школу дизайна. В это время Джаспер Джонс встретил художника Роберта Раушенбурга, с которым и начал развивать свои идею об исксстве. В 1958 году галерист Лео Кастелли, посещая студию Раушенберга, обнаружил там работы Джаспера и организовал его первую сольную выставку. Именно здесь, Альфред Барр, основательи директор Музея Современного искусства, приобрел четыре произведенияиз его выставки. Джаспер Джонс часто рассматривается в качестве посредника между двумя движениями в искусстве: абстрактный импрессионизм и поп арт. Джон сформировал новй путь абстракции. Он легко читал объекты, цифры, карты и флаги. Возможно, самое главное, Джаспер Джонс изменил то, как мы воспринимаем эти символы и вскрыл основные сложности в повседневной иконографии. Тем не менее, сегодня, Джаспер Джонс по-прежнему заинтересован в логике, языке и изучении смысла через символы.  

           Роберт Индиана

Американский мастер художник, гравер и скульптор Роберт Индиана широко признан в качестве одного из видных представителей американского поп  искусства. Он известен своими смелыми простыми знаковыми изображениями цифр и букв. 
Родился Роберт с фамилией Кларк, но потом изменил фамилию на Индиана как дань уважения к его родному штату. Получив степень в Институте искусств в Чикаго в 1953 году он переехал в Нью-Йорк. Он стал частью сообщества художников которые начали экспериментировать в геометрическом стиле поп арт. 
В начале 1960-х годах он сделал первые конструкции из древесины, хлама и железа. Эти работы впервые объединили металл,дерево и гипс в геометрической форме. В начале 1960-х годах несколько его работ были приобретены музеями и коллекционерами, были включены во многие выставки, в том числе его первая персональная выставка состоялась в 1962 году в галерее в Нью-Йорке. В 1964 году он сотрудничал с Энди Уорхолом в фильме. 
Хотя он стал известен в 1960-х, проблемы, которые он отражал в поп арт всегда сильно отличались от всех его современников. В то время как общее движение поп арт достигло интереса в средствах массовой информации и приобрело атрибуты культуры потребления, поп арт Роберта Индиана был обращен к Американской национальной самобытности. 
В 1973 году Почтовая служба США использовала изображение "LOVE" на первой серии марок под названием Любовь. Изображение "LOVE" было напечатано тиражом около 300 миллионов и стало самым воспроизводимым изображением