Карл Брюллов. Сочетание классицистического и романтического стилей в живописи

2.2 Итальянский жанр

Карлу Брюллову при содействии П.Ф. Соколова был предложен пенсион для поездки в Италию на три года.

Атмосфера официальности академических кругов тяготила художника. Поэтому свобода, которую обрел Брюллов в Италии, приводила его в восторг! Работал там Карл много и страстно.

«Брюллов живописец и виртуоз, обладающий богатейшей фантазией, артистически легко выполнял все замыслы…»2 Он и его современники стремились отобразить национальный характер изображаемого народа, уловить историческое своеобразие обстановки. Кроме того, немаловажным было для него раскрыть психологию людей.

В Италии Брюллов прошел новое для себя обучение. Карл подсматривал сюжеты в обыденной итальянской жизни. Его изобретение – так называемый итальянский жанр. К нему относятся произведения – «Итальянский полдень» (Приложение 1), «Итальянское утро», «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя». В несложных бытовых сюжетах автор пытался воплотить новаторские взгляды на задачи искусства.

В последней картине, о которой упоминалось выше, чувствуется влияние романтических идей типичных для эпохи. Кроме того, «итальянский жанр» - это реалистическое видение в академической художественной системе. Точность линий классицизма освежают вдохновенные порывы кисти. Этот дуэт гармонично сливается в одной картине, создает целостную композицию.

Для всех жанровых картин Брюллова характерна не только сюжетная, но и композиционная неповторимость каждой из них. Яркость образов свидетельствует о том, что художник всегда увлекался темой и не скупился насыщать композиции наблюдениями натуры. Получив несколько небольших картин, Общество поощрения художников выразило надежду, что, сделав копию с «Афинской школы» и жанровые картины, Брюллов создаст, наконец, и капитальное историческое полотно. Общество предлагало ряд тем, от которых он отказывался, выдвинув встречное предложение. Во время посещения Помпеи Брюллов увидел фреску, сохранившуюся на стене одного из домов. Там была изображена гибель Гиласа, увлекаемого нимфами в пучину вод, Так родился замысел картины «Гилас и нимфы». Древний миф о Гиласе содержит в себе мысль о коварстве сил природы, очаровывающих и в конце концов губящих человека. Очевидно, однако, Брюллов сам оставил эту работу, потому что его новая тема, «Последний день Помпеи», содержала в себе диаметрально противоположную «Гиласу» мысль о победе человека над силами природы. Эта новая грандиозная тема, очевидно, увлекла художника не только эффектностью, не только многолюдством, но и возможностью показать в момент буйства слепых сил природы торжество благородных душевных качеств человека.

Наивысшая по популярности зрителей и критиков картина Брюллова – «Последний день Помпеи» (ГРМ, 1830-1833гг.).  Гоголь о ней: «Картина Брюллова – одно из ярких явлений XIX века. Это светлое воскресенье живописи, пребывавшей долгое время в каком-то полулетаргическом сне».3 Композиция картины сложна и многозначна, в ней нет подобия ритмичному античному рельефу. Колорит ярок и светел, краски мечутся в глазах. А сюжет актуален и современен любой эпохе. Борьба с неизбежной высшей силой. Выбор каждого человека – страх или доблесть, алчность или самоотверженность… В картине отражена большая палитра красок человеческого поведения при встрече со стихией, чрезвычайной ситуацией. Человеческие эмоции и чувства, реакции не меняются столетиями. Каждый представитель эпохи может увидеть в произведении себя.

Герцен прямо говорил, что в «Последнем дне Помпеи» нашли свое, может быть бессознательное отражение и чувства художника, вызванные поражением восстания декабристов в России: «Нравственный уровень общества пал, развитие было прервано, всё передовое, энергическое вычеркнуто из жизни».

Это произведение представляет собой яркую попытку примирить две эстетики – классицизм и романтизм. Романтик  Брюллов не чурался исторической живописи, но при этом писал исторические полотна, ломая все правила казавшиеся незыблемыми предшествовавшему поколению живописцев. Строилась глубокая композиция, искусно использовалась светотень, не боялись показаться излишне «натуралистичными», прибегали к помощи естественного освещения, трактовали события через характеры и чувства героев.

Пафос этой художественной революции определялся безоглядным стремлением к «правде», которую классицизм подменял «возвышенной красотой». И то и другое понятие написано в кавычках, потому как автор осознает, что правды как и красоты не может быть одной незыблемой для всех. В то же время этот факт – доказательство того, что развитие новых стилей должно поощряться. Именно тогда человек получает возможность сделать выбор в пользу того или иного. Эта возможность выбора расширяет границы сознания и фантазии как творца, так и зрителя.

Один особенный момент подмечен автором книги Итальянские находки Бочаровым И.Н.: «Русские художники даже спустя десятилетия после отъезда из своей родины, сохранили взгляд на мир глазами своей страны».

В эскизе «Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием» смысловые акценты воплощены ярче и резче. Колористический строй основан на сочетании оттенков охры – от лимонно-желтого и коричневого до ярко-красного: алые пятна стягов и хоругвей в верхней части композиции эскиза придают особый драматизм и напряженность действу, романтически сопрягают усилия отдельных его участников в единый патриотический и динамический порыв.

    Буквально с самого начала своего пребывания в Италии мастер увлекся жанровой живописью, запечатлевая сюжеты из жизни простых итальянцев. Первой попыткой постигнуть окружающую действительность стала картина «Итальянское утро» (1823, Кунстхалле, Киль), в которой изображен момент утреннего туалета, совершаемого совсем еще юной итальянкой.Ее спина освещена солнечным светом, а лицо - отраженными от фонтана рефлексами. Естественность момента, жестов и пластики, скрупулезное изучение натуры — все говорит о реалистических поисках мастера.

Когда картина «Итальянское утро» была закончена, Брюллов отправил ее в Россию. В Петербурге она была очень тепло встречена современниками и поразила их свежестью письма и оригинальной трактовкой сюжета.

Подобные произведения нередко называли «итальянским жанром». Это обозначение объясняется их функциональным направлением: такие работы заказывались аристократией в качестве сувенира из Италии, который должен был напоминать владельцу о теплых краях и счастливых мгновениях, пережитых в далекой стране.

Самым примечательным полотном на религиозные и исторические сюжеты является неоконченная работа «Эрминия у пастухов» (1824, Государственная Третьяковская галерея, Москва). Естественность и живость поз пастухов, удобно расположившихся на опушке леса, прекрасно переданное неподдельное удивление от появившейся перед ними царевны говорит о пристальном изучении художником натуры. Ясность, простота, особая выразительность в построении композиции, насыщенный колорит — вот его последние достижения.4

Брюллов считался лучшим живописцем в Риме. Его слава быстро разнеслась по всей стране, он был самым популярным иностранцем на всем Апеннинском полуострове. В этот период большое значение играли его работы, выполненные в технике акварели, к которой он обратился в 1827—1828. Акварель — прекрасная возможность передачи жизненных наблюдений в камерной форме. Небольшие по размеру произведения, наполненные движением, точно отображали выразительную пластику человеческого тела. Как правило, художник работал большими лаконичными цветовыми пятнами, достигая выразительности их контрастными сочетаниями Акварельные композиции Брюллова сюжетно развернуты и идилличны. Несмотря на то, что мастер очень жизненно и занимательно рассказывает о своих героях, он практически лишает их образы психологической трактовки.

Художник с небольшим желанием возвращался на родину. И тем не менее, с большим интересом взялся за крупный заказ, который позволил ему проявить себя в монументальной живописи. Это была роспись купола Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге.

2.3 Портреты

Лишь в портретном жанре, куда не проникла леденящая атмосфера николаевской рутины, искусство Брюллова проявлялось с прежним блеском.

Брюллов желал воссоздать в портрете и конкретность живых связей человека с окружающей средой, что казалось в его время задачей только жанриста.

Слова, сказанные тем же Гоголем: «У Брюллова является человек для того, чтобы показать все верховное изящество своей природы», - эти слова в полной мере могут быть отнесены к его парадным портретам. «Удержать лучшее лица и передать его на полотне» - таков, по собственным словам Брюллова, его портретный метод.

Поначалу портреты художника можно было разделить на виды: интимно-камерный, жанрово-бытовой, парадно-реперезентативный. К их единству при сохранении специфичности форм, Брюллов пришел в России, когда усилились в его творчестве реалистические черты. Уже не тихая сосредоточенность, задумчивость, покой определяет образ человека, а его воля, страстность, сознание своего права на жизнь. Эти идеи несла художественная идеология романтиков.

Важная часть эстетики романтизма – требование прав «свободной личности». Героем романтиков был борец, носитель высоких дум, благородных побуждений.

Полон тревоги образ «Неизвестного в темном жилете» (ГРМ). Резко повернут его корпус, небрежно со лба откинуты волосы, сдвинуты брови… контрастное сопоставление света и тени нарушает спокойствие нейтральных оливково-зеленых тонов.

Порывистый нрав героев типичен для романтизма. Так же как и вольное отношения к деталям. Свобода и непосредственность – выражаются в мимике портретируемых, манере письма. Таким образом, при желании отображать в своем творчестве волевых личностей, возникает желание встречать в жизни именно таких людей.

Художник писал портреты итальянской знати и своих соотечественников с присущим ему темпераментом и живым интересом к индивидуальности моделей. Эти работы покоряют и притягивают: одни – красотой, другие – напряжением внутренней жизни, и почти все – полнотой энергии. Брюллов выполнял их с особой виртуозностью, соединяя черты классицизма и реализма с интонациями и элементами Барокко. При этом он не был «Описателем», а стремился передать внутреннюю жизнь своих героев, показать то, что скрыто под внешним лоском. Что бы добиться максимальной убедительности образа, живописец наполнял полотна бытовыми подробностями, раскрывающими мир, в котором живут и «властвуют» герои.

Подробной проработкой отличается полотно «Гулянье в Альбано» (1830-1833, Государственная Третьяковская галерея, Москва), изображающее сценку у колодца. Тщательно выписаны детали, композиция целостна и гармонична, что свидетельствует об эволюции творчества художника и совершенствовании его мастерства.

Замысел картины «Вирсавия» (1832, Государственная Третьяковская галерея, Москва) относится к 1828. Это произведение стало своеобразным творческим итогом, в котором отразились все искания мастера — тончайшие нюансы светотени, осязательная чувственность обнаженного женского тела, четкая трактовка формы, высокая степень контрастности. Однако полотно так и осталось незаконченным.

В 1830 Брюллов создал «Портрет великой княгини лены Павловны с дочерью Марией» (Государственный Русский музей, Санкт-Петербург). Внешне героиня очень спокойна, и только мотив шествия оживляет застылость классицистического построения композиции. Развевающаяся красная драпировка придает всему произведению приподнято - мажорное звучание.

Не менее прекрасен портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амаиилией Пачини (ГРМ, Приложение2). Здесь в силу выговоренности программы произведения особенно очевидно новаторство Брюллова по отношению к традиционному типу парадного портрета. Идя вослед Кипренскому, Брюллов, хотя его модели принадлежат высшему аристократическому и чиновному кругу, никогда не мотивирует парадного пафоса своих портретов сословной принадлежностью. Его герой - частный человек, его достоинства - красота, обаяние, изящество в нем самом, а не в степени его возвышения на иерархической лестнице чинов и службы. Не случайно подавляющее большинство парадных изображений у Брюллова - это женские портреты. Настоящий праздник - это сам человек в своей самобытной естественной красоте, свободный от стеснительных условностей «маскарада жизни», буквально «снявший маску» - как Самойлова на упомянутом портрете.

Одно из прекраснейших полотен – «Портрет писателя Н.В. Кукольника» (1836, Государственная Третьяковская галерея, Москва). Кукольник не обладал яркой запоминающейся внешностью, но Брюллов увидел в нем «сердце, объятое внутренним пламенем», что и отразил в своей работе. Художник намеренно придает его облику оттенок внутреннего драматизма, тем самым подчеркивая значимость личности писателя.

Весьма важное принципиальное значение для эволюции портретного творчества Брюллова имеет портрет детей графа Л. П. Витгенштейна с няней-итальянкой, купающихся в лесном водоеме (1832, местонахождение неизвестно). Удачно схвачены непринужденные движения детей. Они как бы отражают состояние природы, теплой воды, воздуха, прохладной тени леса. Не менее интересно и то, что центральное положение в композиции занимает няня-итальянка. В этом сказалось не только восхищение красотой женщины, но и смелость художника, поставившего девушку из народа в центре портрета титулованных младенцев. Следует отметить, что портрет этот входит в большую группу брюлловских работ, в которых весьма существенную роль играет пейзаж.