Фовизм. Матисс

Фовизм. Матисс

... точность не  есть правда 

                                                                                                                  А. Матисс

 

Матисс (Matisse) Анри Эмиль Бенуа (31.12.1869, Ле-Като, Пикардия, - 3.11.1954, Симьез, близ Ниццы), французский живописец, график и скульптор.

Цветовое воздействие картин Матисса  крайне сильно; реакция бывает, впрочем, и отрицательной, но всегда очень  интенсивной. Его картины — звучные, громогласные фанфары, порой оглушительные. Они вызывают уже не спокойное  любование, а зрительные пароксизмы, это не “праздник глаза”, а необузданная оргия.

К тому, что сегодня называется «стилем Матисса», он пришел, испытав  влияние импрессионизма, постимпрессионизма, восточной культуры и в чем-то даже кубизма. Художник не раз менял  манеру, экспериментировал, но всегда в его работе главным элементом  был цвет. Не важно, какой: он должен был быть ярким, кричащим, взрывающим картину изнутри. Цвет для Матисса  был средством выражения своих  чувств и переживаний. Его картины  никогда не отличались сложным сюжетом, неповторимого эффекта великий  живописец достигал за счет интенсивности  цвета, декоративной плоскостности. В  отличие от кубизма его творчество основывалось на детальном изучении натуры и законов живописи.

К любимым темам художника  исследователи его творчества относят  божественно красивых одалисок, цветы, изящные фигуры. Но у всех работ  есть главная черта — бьющая фонтаном жизнерадостность.

Какими средствами достигает Матисс столь сильного цветового воздействия? Прежде всего, крайне подчеркнутыми  цветовыми контрастами. Художник говорил: “В моей картине “Музыка” небо написано прекрасным синим цветом, самым синим из синих, плоскость окрашена цветом настолько насыщенным, что полностью проявляется синева, идея абсолютной синевы; для деревьев взята чистая зелень, для тел — звонкая киноварь. Особенный признак: форма видоизменялась соответственно воздействию соседних цветовых плоскостей, ибо экспрессия зависит от цветовой поверхности, охватываемой зрителем в ее целом”.

Рисовать Матисс начал  довольно поздно. Его родители хотели, чтобы Анри был юристом и он им стал.  Но будущий художник вскоре понял, что юриспруденция – не его дело, и уехал в Париж изучать искусство. Учился в академии Жюлиана (с 1891) у А. В. Бугро, в Школе декоративных искусств (с 1893) и в Школе изящных искусств (1895-99) у Г. Моро; копировал произведения старых французских и голландских мастеров. На этом этапе он пробовал писать «в духе», искал художественную близость с тем или иным направлением в искусстве. В 1896 г. Матисс пишет натюрморт «в духе голландцев». В этой работе Матисс заставил  стекло бутылки блестеть необыкновенным цветом. Эта ранняя работа весьма похожа  по манере исполнения на стиль Эдуарда Мане.

В натюрморте «Бутылка схидама» все пронизано строгостью старых традиций, которые Матисс в этот период успешно осваивал под руководством Моро. Выбор мотива, уравновешенное построение пирамидальной композиции, обращение к темной светотеневой трактовке, внимание к полутонам, рефлексам выдают близость традициям старых мастеров. И только, пожалуй, в богатстве черного цвета,     в   широте    мазков,     лепящих    форму

   Бутылка схидама, 1896         предметов,      можно       заметить       знакомство

                                           художника с работами Эдуарда Мане. И все же, при всей значимости для формирования художника традиций прошлых эпох, в дальнейшем Матисс скажет: «Мне казалось, что, вступив в Лувр, я потерял ощущение своей эпохи и что картины, которые я писал под прямым влиянием старых мастеров, не выражают того, что я чувствую».

Тон  в ранних картинах  Матисса  тёмный  и  неоднородный,  отдельные

цвета – серебристо перламутровые. В отличие от Сезанна, Матисс совсем иначе лепит форму и заботится  о ней. Он уделяет больше внимания цвету и строит полотно по классическим канонам. Картина была написана в 1896 году, когда художнику было 39 лет.

В самом конце XIX века художник заинтересовался  яркими красками, живыми цветовыми  комбинациями и смелыми композиционными  приёмами.

К концу 1900-х годов он выработал  новое понимание роли искусства  в современном мире. Мастер верил, что задача современной живописи – создавать усталому, духовно  истощённому зрителю гармоничное  окружение, отвлекать его от забот  и беспокойств современного мира и помогать расслабиться. Матисс ценил  идеалы единения человека и природы, его привлекали сплав инстинкта  и разума, присутствующего в архаичных  культурах.

Матисс добивался чистоты  чувств, характерных для детского рисунка или примитивного искусства.

С 1902 по 1904 гг. он переживает своеобразный «период подготовки». «Булонский лес» и «Люксембургский сад» (1902) – некое звено между живописью Матисса-импрессиониста и Матисса-фовиста. Художник начинает поиск обнаженных цветовых сочетаний, игру цветовыми пятнами, грубыми и размытыми, но одновременно насыщенными и яркими, совершенно иными, нежели у импрессионистов. Именно эта грубость и насыщенность вызовут позже у критика Л.Вокселя сравнение с «дикостью». Кроме того, в 1904 г. Матисс сближается с известным пуантилистом Синьяком, отчасти перенимая его манеру письма. Однако в отличие от «точечных» множественных ударов кистью Синьяка, Анри Матисс работает, используя ясно различимые, мощные, как бы неумелые, но искрящиеся жизнью мазки (возникает еще один термин, связанный с именем Матисса,  – «дивизионизм» (от лат. «division» -«разделение»)). Свои творческие находки, сделанные в течение 1902-04 гг., художник и называл «подготовкой». – Он и

несколько  его  товарищей  готовились удивить  публику  новым  явлением  в

живописи – «фовизмом».

После знакомства с творчеством импрессионистов, постимпрессионистов А. Матисс начинает использовать более насыщенные краски, отдавая предпочтение светлым цветам («Булонский лес», ок. 1902; «Люксембургский сад», ок. 1902). Большое влияние на него оказало искусство П. Сезанна («Посуда на столе», 1900).

 

      Булонский лес, ок. 1902                       Люксембургский сад, ок. 1902

Анри Матисс был лидером  фовизма и одной из ключевых фигур  искусства ХХ века. Художник прожил очень долгую жизнь. Он умер в 1954 году. Пикассо, узнав о кончине Матисса, воскликнул: «А как же я теперь буду работать?». Мастер имел ввиду, что его творческий путь был постоянным соперничеством с Матиссом, а со смертью Матисса он как бы терял стержень соперничества.

Фовизм (Fauvism), стиль живописи, распространенный во Франции в период с 1898 по 1908 год; в нем используются чистые, яркие цвета, которые наносятся на полотно прямо из тюбиков в агрессивной, бескомпромиссной манере с тем, чтобы создать на полотне иллюзию взрыва красок. Фовисты писали прямо с натуры, как это делали до них и импрессионисты, но их работы были насыщены сильной выразительной реакцией на тот предмет, который они изображали.

Впервые официально выставленные в Париже в 1905 году, фовисты и их полотна шокировали посетителей ежегодного Осеннего салона; одним из посетителей этого салона был критик Луи Вокселю, который из-за агрессивности работ дал художникам прозвище «Les Fauves» («дикие»). Возглавил группу Анри Матисс (1869-1954), который пришел в фовизм после внимательного, критического изучения произведений таких мастеров постимпрессионизма, как Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сера.

Методические исследования Матисса привели его к отрицанию традиционного изображения трехмерного пространства и поискам вместо него новых изобразительных пространств, определенных движением цвета. Матисс выставил свою знаменитую «Женщину в шляпе» на выставке 1905 года; резкие мазки краски - зеленой, синей и Женщина в шляпе. 1905      красной  –  создали   энергичный,    выразительный

                               портрет женщины.

В 1906 г. Матисс завершает работу над композицией «Радость жизни», которую он назвал «моя Аркадия». Она олицетворяла решительную победу в пожизненном сражении, которое было борьбой с самим собой – попыткой успокоить свой смятенный дух – а также с устаревшим изобразительным языком. В этой новой картине он окончательно прорвался к господству чувственности и покоя, которых ему недоставало в «Роскоши, покое и наслаждении». Ничего не могло быть более простого, ясного и более умиротворенного, чем «Радость жизни» с её аркадийскими (идиллическими) фигурами нимф и влюбленных – обнимающихся, танцующих, наигрывающих на свирели и отдыхающих на берегу моря – изображенных как декоративные элементы в ритмическом узоре цветных плоскостей.

В «Радости жизни», более чем в  какой-либо другой картине, Матисс справился  с задачей, поставленной им перед  собой: «Как заставить мои краски петь». Название картины было взято  из каталонского девиза города, а её оформление (декорации) с вида пляжа  в Уиле. Круг танцующих в середине восходит к старинному танцу коллиурских рыбаков, а в 1909 году он перерастёт в грубый модернизм «Танца» Матисса. Палитра настолько восторженная, насколько он мог сделать это, и настолько земная, как фрукты и овощи на рынке в Коллиуре, описанные его другом Полем Сулье («вы едва ли найдете другую такую картину изобилия, легкости жизни и благополучия в пределах досягаемости каждого»). 

  Радость жизни, 1906                             В 1908   Матисс   создает  картину

                                                     «Статуэтка и вазы на восточном ковре». В это время в Париже проходила выставка Восточного и мусульманского искусства, которое запрещает изображать лица людей, а также и животных. В исламском искусстве допустимы только орнаменты и каллиграфические надписи. Матисс внимательно изучал восточные искусства и многое из них почерпнул для своего творчества.

В этом натюрморте Матисс отрицает все  каноны живописи, использует очень  яркие цвета.

Необходимо иметь ввиду, что чувство цвета дается человеку от природы, также, как голос или музыкальный слух. Оно либо есть, либо его нет, воспитать чувство цвета, также как и наработать голос – невозможно. Матисс обладал совершенным чувством цвета. Ему не надо было что-то изобретать, он       Статуэтка и вазы на восточном ковре, 1908

всё точно знал. И в этом Матиссу

можно доверять.

Ковёр на этой картине –  реальный. Такой, какой был у Матисса  в его доме. Он набросил этот ковёр  на камин, комод или другую мебель. Но мастер не дает здесь глубину  пространства в соответствии с математическими  законами, а выписывает глубину лишь треугольниками незаполненного ковром пространства. Сосуд, японская ваза, кружка, скульптура, поле ковра, коньяк. Цвета – красный, зелёный, синий, чёрный. Углы комнаты даёт другим цветом. С того момента, когда Матисс стал рисовать такие композиции и начинается его развитие, как художника. На холсте хорошо заметна свобода в выборе цвета и красок – интенсивных, почти пламенеющих.

Кажется, что предметы на ковре включены в орнамент покрытия, в арабеск, как элемент восточного узора. В эту композицию мастер также  включил гипсовую модель своей скульптуры.

Начиная со 2-й половины 1900-х годов  Матисс утверждает новый тип художественной выразительности, используя лаконичный, резкий и в то же время гибкий рисунок, остро ритмизованную композицию, контрастное сочетание немногих цветовых зон, то интенсивно ярких и локальных (панно "Танец" и "Музыка", оба - 1910), то богатых оттенками одного основного тона, полупрозрачных и не скрывающих фактуры холста ("Мастерская художника", 1911).

Панно «Танец» (вместе с «Музыкой») Анри Матиссу (1869-1954) заказал С. И. Щукин  для украшения лестницы особняка в Москве.

Истоки "Танца" Матисса лежат  в народных плясках, сохраняющих, может  быть, уже не всегда читаемый код  ритуального действа языческих  времен.

До щукинского полотна тема танца прошла несколько стадий своего воплощения. Только в композиции 1910 г. она обрела всю страстность и выразительность звучания. Неистовство языческих вакханалий воплощено в мощном, ошеломляющем аккорде красного, синего, зеленого, объединяющем Человека, Небо и Землю.

Пять фигур очерчены четко и  выразительно, их деформация - выражение  страстного возбуждения и власти всепоглощающего ритма. Стремительное  совместное движение наполняет тела неукротимой жизненной силой. И  красный цвет, "слегка варьированный в плотности", становится символом внутреннего жара. Фигуры танцуют в глубокой синеве Космоса. Зеленый холм заряжается энергией пляшущих, опадая под их ногами и упруго поднимаясь.

Но при всей экспрессивности "Танца" Матисс самой организацией полотна  снимает излишнюю эмоциональность  сюжета. Логика и чувство меры соединяют  инстинкт и сознание в гармоническое  целое. Оно - и в равновесии действующих  в картине центробежных и центростремительных  сил, и в очертаниях левой, сильной, классической в пропорциях, мужской  фигуры.

Художник кладет краски крупными пятнами, обводя их четкими контурами, отказываясь  от светотеневой моделировки объемов  и передачи глубины пространства. Напор и мощь, заключенные в  чистых красках, передают вырвавшиеся  на поверхность чувства и страсти. Мотив хоровода многократно повторялся в

             Танец. 1910                              европейском искусстве, у Матисса же

                                                     он становится воплощением ритма и экспрессии XX века.

Эта работу (как и парную к ней  – «Танец») в 1909 году заказал Матиссу  русский промышленник и коллекционер Сергей Иванович Щукин, попросив изобразить в аллегорической форме музыку и  танец. Матисс поставил себе целью свести эти образы к элементарным формам. Но - в динамике - парные картины разнятся. Если герои «Танца» стремятся  вырваться за пределы полотна, то персонажи «Музыки», напротив, выглядят удивительно статичными. Композиция наполнена покоем и прекрасно  сбалансирована. Вместо мужчин тут  действуют «эмблемы» мужчин, превращающие героев в «близнецов-братьев».  Это  работает на создание цельности произведения,  не

разваливающегося на, условно говоря, уникальные формы. Три персонажа   справа сидят, подогнув колени, что делает их чем-то похожими на нотные знаки. Если это так, то фигура скрипача исполняет роль нотного ключа. Впрочем, это всего лишь версия – сам Матисс эту свою работу                      Музыка, 1910