Шпаргалка по предмету "Театр, музыка, кино"

В начале ХХ века основатели китайской разговорной драмы призывали к свержении прогнившего цинского господства. После движения 1919 года ее содержанием стала пропаганда науки и демократии. В 30-ые годы, вследствие агрессии японского империализма, центральной темой стали патриотизм и война Сопротивления. После Второй мировой войны разговорная драма переключается на борьбу за народную демократию и создание нового народного Китая. С образованием КНР ее главной темой становятся патриотизм и социализм.

Так видно, что китайская разговорная драма всегда была социо-направленной формой театра. Однако стоит отметить, что всегда существовал и коммерческий драматический театр, преследовавший развлекательные цели, использовавший в качестве средства выражения и разговорную драму.

Современный Китай унаследовал одну из богатейших в мире театральных традиций – театр теней, и стал наиболее популярным.

 Китайский театр теней  является старинным народным  искусством этой страны. Он появился  при династии Тан (618 - 907 гг.), его становление происходило в эпоху Пяти династий (907 - 960 гг.), во времена династии Сун (960 - 1279 гг.) он достиг полного расцвета и распространился по всему Китаю. Фигурки в китайском театре теней вначале вырезались из бумаги, а позже из конской, коровьей и ослиной кожи. «Сценой» теневого театра служит экран - прямоугольная деревянная рама в виде окна, обтянутая белой материей, за которой актеры поют и управляют бамбуковыми палочками фигурками-персонажами. С помощью света, направленного на экран, на нем отражаются эти очень выразительные фигурки-персонажи, наделенные и романтикой, и комизмом. Исполняемые актерами арии тесно связаны с местными народными песнями, мелодиями, музыкальными драмами.

 

Билет  № 10.

1. Стиль барокко в музыке.

Основой выделения стиля барокко в музыке были определенные композиционные и выразительные особенности:

 • драматизм  тематики и динамичное развитие  мелодии

 • яркость  эмоций, драматизм, напряженный развитие  сюжета;

 • выразительные  контрасты, величество, великолепие;

 • попытки  воплотить внутренний эмоциональный  мир человека;

 • появление  новых жанров - партиты, сонаты, концерты, которые окончательно отделяют  музыку от слов;

 • стремление  к синтезу искусств, выразившееся  в создании таких жанров, как  опера, оратория, кантата.

 Проблема синтеза искусств  дополнялась тенденцией к самодостаточности  музыки, которая теперь не зависит  от слова, пения и развивается  на основе именно музыкальных  закономерностей. Основная цель  сочетание музыки с другими  искусствами - в усилении эмоционального  воздействия на слушателей. Музыка  впервые выходит на большую  театральную сцену.

 Но больше объединяет  музыку с другими видами искусства  барокко культ героя, образ которого  раскрывается не столько в  поступках, сколько в чувствах  и переживаниях. Каждая страна  имела свои особенности музыки  барокко: в Италии стиль барокко  в музыке развился раньше и  полнее, в Германии - позже, очень  ограниченно - в Англии и Франции.

 Начало нового стиля  в Италии определяется возникновением  оперы. Синтез музыки, поэзии, драматургии  создает яркий, звучный, возвышенно-взволнованный, несколько перенасыщен декоративный  стиль. Выдающееся значение для  итальянской музыки XVII в. творчество  Клаудио Монтеверди (1567-1643). В операх "Орфей", "Возвращение Улисса  на родину", "Коронация Поппеи" он свободно сочетал жизненно правдивое и фантастическое в многоплановой композиции, которая включала декламацию и виртуозный пение, противопоставлял трагическое и обыденное, условность и аллегорию.

 Выдающийся представитель  неаполитанской школы оперы Алессандро Скарлатти (1660-1725) сохранил от эстетических принципов барокко только один - музыка как язык эмоций. Он считал, что композитору безразлично мифологического или героико-легендарного сюжета. А.Скарлатти воплощал эмоции героев, которые единственные, по его мнению, должны господствовать в музыке (оперы "Пирр и Деметрий", "Митридат Евпатор").

 Скрипичный-ансамблевая музыка Италии в XVIII в. получает новую ясность и уравновешенность, преодолевая усложненность барокко и сохраняя динамизм, контрастность, великолепие и величие музыки барокко. Творчество Арканджело Корелли (1653-1713) и Антонио Вивальди (ок. 1678-1741) стала основой формирования классической оркестровой музыки.

 В Германии протестантские  центры сохранили немецкий церковную традицию, связанную с хоралом и игрой на органе. Именно через органную музыку немецкие композиторы унаследовали традиции итальянского барокко. Выдающимся образцом зрелого барокко является органное искусство Дитриха Букстехуде (1637-1707), для которого характерны широкие формы, богатое воображение, контрасты "света и тени" в почти театральных образах. В гамбургском оперном театре в операх Репнхгардта Кайзера (Кейзера) (1674-1739) наряду с традиционными возвышенными персонажами действуют комические, причем партии серьезных героев выполняются итальянской, комических - на немецком языке ("Адонис", "Помона", "Гамбургский ярмарка").

 Творчество выдающихся  немецких композиторов - Й.Баха и Г.Генделя, хотя и опирается на музыку барокко, все же далеко выходит за рамки одного стиля.

 Оперы Георга Фридриха  Генделя (1685-1759) полностью созданы  в стиле барокко ("Юлий Цезарь", "Орландо", "Ксеркс" - всего  более 40 опер). Он переходит границы  барокко в своих ораториях ("Самсон", "Иуда Маккавей" и др.. - Более 30), сочетая героико-эпическое и драматическое начало. Эпическая величие и спокойствие, уравновешенность форм и оптимизм даже при трагическом финале - это уже находится вне барочной стилистике. Но от барокко в Г.Генделя остается многоплановость контрастов: возвышенного и жалкого, патетического и пошлого, героического и обычного.

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) предельно обостряет выразительные средства барокко и объединяет их с демократическими традициями протестантского пения. Церковные кантаты (около 300) выделяются драматизмом, глубоким философским содержанием. Любимой музыкальной формой Й.Баха была фуга - инструментальное произведение, в котором на клавишный инструмент переносится вокальный принцип полифонии. Развитие полифонии, достижения им большей гибкости и полноты в творчестве Й.Баха оказали огромное влияние на развитие всей европейской музыки.

2. Индивидуальность героя в советском кинематографе 70-80 годов. Кино не для всех: А. Тарковский, А. Сокуров, К. Муратова.

Создавались в 70-е годы фильмы, авторы которых стремились исследовать нравственное состояние современного общества, с болью и тревогой отмечая получавшие все большее распространение бездуховность и конформизм. В фильме С.Герасимова «У озера» (1970) герои фильма впервые взволнованно спорят о проблемах экологии, утверждая необходимость бережного отношения к природе. В фильме Ю.Райзмана «Странная женщина» (1978) главная героиня уходит от мужа, поняв что в их союзе давно нет любви. Этот фильм утверждал высокие нравственные критерии в любви и семейных отношениях, отрицая подмену чувств сухим рациональным расчетом. В фильме В.Шукшина «Калина красная» (1974) страстно звучит мысль об ответственности за свою судьбу, о необратимых для личности душевных деформациях, к которым может привести человека забвение своих нравственных корней.

Фильмы Тарковского, Шукшина, Муратовой, Иоселиани, Абуладзе и других киномастеров той поры обгоняли свое время, реализуя богатейший гуманистический и творческий потенциал искусства, свободного от догматических предписаний.

Многие фильмы 70-80-х годов несут в себе ощущение нравственного, духовного заболевания общества. Чутко фиксируя признаки человеческой разобщенности, дефицита доброты и милосердия, кинематографисты нередко противопоставляют этим общественным недугам некий нравственный идеал. Таким идеалом в эти годы становится героическое и трагическое время прошедшей войны, когда тесно сплотившая людей цель спасения Родины способствовала проявлению человеческой солидарности, взаимопомощи и самопожертвования.

 

Билет № 11

1. Классицизм в музыке.

Музыка в период 1750 - 1820 гг.

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения  серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт.

Классицизм начался в эпоху Просвещения - время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Вновь появились понятия прав человека, защита этих прав и свободы вероисповедания и слова, произошел поворот к простоте и естественности, который отразился в чистом архитектурном стиле, напоминающем стиль Древней Греции и Рима - отсюда и термин "классический".

Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и др. напротив заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.

Новый состав оркестра привел к появлению симфонии - важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов - быстрого начала, медленной середины и  быстрого окончания. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, был сын И.С.Баха -  Карл Филипп Эммануил Бах.

Вместе с новым составом оркестра появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и  виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.

В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.

Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепиано. Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.

Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.

Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".

В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.

Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро, трогательные чувства и безграничный драйв.

Великие произведения Классической эпохи:

Моцарт "Реквием", "Дон Жуан", "Волшебная флейта ", Концерт для фортепиано с оркестром № 21, Концерт для кларнета

 Гайдн "Сотворение мира", Симфония № 101 "Часы", Струнный  квартет oп.76 № 3 "Император"

 Глюк "Орфей и Эвредика"

 Бетховен Симфония  № 3 "Eroica"

2.Театр Индии: музыкально-танцевальная драма Лила, мистерии, возникновение и развитие классического индийского театра.

Театральное искусство Индии зародилось несколько тысячелетий назад. Бронзовая статуэтка танцующей девушки, найденная при раскопках в городе Мохенджо Даро, датируется III тысячелетием до н. э. Именно ритуальный танец стал тем стержнем, вокруг которого сформировался индийский классический театр. В Древней Индии театральные представления были обязательной частью праздников, посвящённых богам. Например, центральным со бытием праздника в честь Индры (бога громовержца) являлось водружение "знамени" Индры. Знамя символизировалось деревом, которое приносили из леса и украшали. После церемонии дерево торжественно топили в реке, чтобы придать силу воде и земле. В действе принимали участие борцы, фокусники, канатоходцы, музыканты и забавники, которых называли "ната" (в дальнейшем так стали именовать профессионального актёра). Упоминание о ната встречается в памятниках индийской литературы уже со второй половины I тысячелетия до н. э. Задолго до новой эры в Индии сложился народный театр, представления которого и сейчас пользуются в стране большой популярностью.

Одна из самых распространённых форм такого театра в Северной Индии - музыкально-танцевальная драма, которая называется лила. Представления длятся иногда более месяца. Обязательные персонажи лилы - злые и добрые демоны, животные. Так, в сражениях со злы ми демонами герою Раме всегда помогала отважная и хитрая обезьяна Ханума. Исполнители спектаклей выступают в красочных костюмах и масках. Действие происходит без декораций. Между эпизодами иногда играются весёлые интермедии - шомы. Актёры, готовясь к выступлению в следующих эпизодах, пере одеваются или отдыхают на виду у зрителей. На юге страны развивалась другая форма - мистериальный театр. Он отчасти похож на северные лилы, однако есть и различия. Театральные представления юга связаны с искусством храмовых сказителей - чакиаров, которые читали стихи на санскрите (классическом языке древности), а затем объясняли текст на языке местных жителей. При этом чакиар использовал мимику и жесты. Со временем вместе с чтецом в храме стали выступать актёры. Они читали санскритские тексты и сопровождали декламацию танцами. Представление получило название кутияттам (санскр. "коллективный танец"). В кутияттаме одинаково значимы были и слово, и танец. В середине I тысячелетия до н. э. возник классический индийский театр. Многие спектакли представляют собой инсценировки мифов и легенд. Однако в Индии была создана и классическая драма на санскрите. Её расцвет пришёлся на I-IX вв. Самые известные драматурги - Бхаса, Калидаса и Шудрака. Даты их жизни весьма приблизительны, сведения исследователей иногда расходятся на века. Из тринадцати произведений Бхасы (II или III в.) лучшим считается "Явившаяся во сне Васавадатта" - пьеса о любви царя к своей жене Васавадатте.