Развитие японской живописи

Хокусай включает земное бытие и повседневность в единую систему мироздания. Они слиты воедино — Фудзи и японский народ.

В серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусика Хокусай остался верен старому принципу иерархии явлений, так называемому закону «тэнтидзин» — «неба, земли и человека». Согласно ему, в картине должен быть главный предмет, его достойный помощник и вспомогательные детали. И у К. Хокусая, как обычно бывает в японской картине, одной детали и главной цветовой гамме подчиняется весь строй произведения. Меняется лишь сама последовательность явлений, в которой человек подчас перестает быть последней ступенью «тэнтидзина». Он нередко соотносится, а иногда становится и равновеликим самой Фудзи.

Нельзя обойти стороной не менее знаменитую работу Куцусика Хокусая «Большая волна в Канагаве», больше известную как «Волна». 

Эта работа впервые была представлена публике в 1832 году, и является первой гравюрой из серии «Тридцать шесть видов Фудзи», а также самым известным произведением Кацусики Хокусая. Копии гравюры висят в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, Британском музее в Лондоне, и ещё одна в доме Клода Моне в Живерни, Франция.

В ней главным действующим персонажем является море, а не аристократия. Волны образуют как-бы рамку, через которую мы видим вдали гору Фудзи. Хокусай любил изображать воду в движении: здесь пена волн как когти захватывают рыбаков. Вершина волны здесь как форма Янь, соотносяшаяся с пустым пространством Инь под ней. Надвигающаяся катастрофа вносит напряженность в данную работу. На переднем плане мы можем заметить небольшой пик волны, представляющий собой как-бы Фудзи в миниатюре. Вместо сегунов и аристократов мы видим крошечные фигурки рыбаков в лодках, которые которые сползают вниз по волне и тут же ныряют прямо в следующую волну. Мощь природы уравновешивается уверенностью опытных рыбаков, поэтому все у них будет хорошо, поскольку, несмотря на сильный шторм, ярко светит солнце, как бы вселяя надежду.

Для людей Запада эта гравюра кажется квинтэссенцией японского искусства, но она не совсем японская. Традиционное японское искусство никогда не опускалось до изображения низших сословий, а в то время рыбаки были едва ли не самое низкое и презренное сословие японского общества). Потом, традиционная японская гравюра проигнорировала бы характер и не использовала бы перспективы, а также не уделило бы внимания тонким оттенкам неба. Элементы этой японской пейзажной живописи взяты из западной живописи: собственно, пейзаж, даль и перспектива, природа и обычные люди, все это было чуждым традиционному японскому искусству. "Большая волна" на самом деле западная живопись, как ее увидел японский глаз.

Кацусика Хокусай не просто использовал элементы западного искусства. В своих гравюрах он превратил голландский деревенский пейзаж в нечто совершенно новое, добавив в них чисто японский дух, прозрачность акварели и использование тонированных поверхностей как элемент картины. К 1880 годам японские гравюры были уже известны в Европе и по ним уже учились европейские художники, такие как Ван Гог и Уилстер. Таким вот образом западная живопись вернулась обратно на запад.

Хокусай, как и японское искусство в целом, оказал существенное влияние на европейское искусство XIX века: ар-нуво (югендстиль) и французский импрессионизм. В характерных для югендстиля напряженных и извилистых линиях, названных критиками «ударом бича» (нем. Peitschenhieb) заметно влияние мотивов Хокусая. Тематика гравюр Хокусая присутствует в работах Клода Моне и Пьера Огюста Ренуара.

Мы знаем, что художник, известный нам под именем Кацусика Хокусай оставил после себя более 30 тысяч гравюр, живописных произведений, рисунков, около 500 иллюстрированных книг. Это огромный вклад в становление японской живописи.

I. 3. Укиё-э. Образы изменчивого мира.

УКИЁ-Э (япон., букв. — картины бренного мира), направление японского живописного искусства, в основном в жанре ксилографии, но также и живописи. Возникло в ранний период Эдо (1600-1868) и пользовалось массовой популярностью среди горожан.

Демократичные темы

Главной темой этого жанра стала жизнь кварталов публичных домов и театров Кабуки, отражаемая как на отдельных гравюрных листах, так и в виде альбомов и книжных иллюстраций. Расцвет искусства укие-э пришелся на период между 1680 и 1850, получив свое самое яркое выражение в Эдо. Героями жанровой живописи (фудзокуга) времени Канэй (1624-44), предтечи живописи в стиле укие-э, были искатели удовольствий из разных слоев общества, проводящих свое время в увеселительном квартале Камогава в Киото. Именно подобные кварталы в Киото, Осаке и Эдо стали средоточием особой жизни, поиска удовольствий «бренного мира» (укие) и соответственно местом зарождения жанра укие-э, прославляющего подобный образ жизни.

Ранний период. Раскраска вручную

До второй половины 17 в. историю раннего периода укие-э можно проследить только в жанре живописи «никухицу укие-э». Хотя первые гравюры появились в начале 1660-х гг., только в начале следующего столетия гравюра превратилась в основной вид продукции этого жанра, заслонив живопись. Цветная ксилография отсчитывает свою историю примерно с 1765, а до 1745 черно-белые оттиски раскрашивались вручную кистью.

Описания красавиц

Самые ранние образцы печатной продукции жанра укие-э — эротические сборники «сюнга» (дословно, «весенние картинки») и описания куртизанок (юдзе хебанки).

Выходившие в виде книжек и альбомов, «пособия по сексу» «сюнга» рисовали откровенные любовные сцены, правда, в них редко изображались полностью обнаженные фигуры. Всего несколько ранних таких сборников 1760-1770-х гг. сохранилось, их авторы в них не указывались. Первые художники, имена которых можно точно установить, Хисикава Моронобу и Сугимура Дзихэй, работали в этом жанре уже в конце 17 в. С этого времени все художники укие-э пробовали себя в «эротической гравюре».

Описания куртизанок – иллюстрированные брошюры с комментариями – содержали стилизованные портреты самых известных куртизанок, изображенных за своими обычными занятиями, чтением книжек или делающих прическу. Женские фигуры отличаются только позами и рисунками на кимоно. Другие близкие к ним по жанру картины т.н. «бидзин-э» («картины красавиц») изображали куртизанок высшего разряда «тайу». «Картины красавиц» были популярны на протяжении всей истории живописи укие-э, а художники школы Кайгэцудо (начало 18 в.) работали практически только в этом жанре. Большая часть самых примечательных гравюр Китагава Утамаро изображают именно этот тип стилизованных красавиц.

Портреты актеров — излюбленный жанр

В конце 17 в. в годы Гэнроку (1688-1704) центр производства единичных гравюр, которые оформлялись в виде настенных свитков (какэмоно-э), переместился из района Киото-Осака в Эдо. Они выпускались издателями, называемыми «дзихон тойя» популярных иллюстрированных книжек «сярэбон», описывающих похождения героев в кварталах любви Есивара, и «кибеси» и «кусадзоси», сатирических повестей более широкого содержания.

Поворотным моментом во всей истории укие-э стало изготовление отдельных гравюрных листов, совпавших по времени с важным этапом истории театра Кабуки. Широко популярный актер Итикава Дандзюро I развил яркий и характерный стиль игры, получивший название «арагото». Успех Итикавы в Эдо был оглушителен. К этому времени популярны стали изображения актеров «якуся-э», играющих конкретные роли в спектаклях Кабуки, а художники школы Тории первыми удачно выработали художественные приемы изображения амплуа «арагото». Тории Киенобу I (1664-1729) и Тории Киемасу I (1694-1716) нашли нужное графическое решение театральной гравюры, монополизировав в Эдо изготовление раскрашенных афиш «камбан» и иллюстрированных программ спектаклей «эбандзукэ». Лучшие образцы подобной театральной гравюры, выпущенные в мастерских Тории, на которых популярные актеры показаны в своих самых характерных позах, сделаны в большом «настенном» формате «какэмоно-э». Одновременно, независимый стиль театральной гравюры возник в Осаке (т.н. «школа Осака»).

Не только гравюра

Современниками первых мастеров из школы Тории были живописцы школы Кайгэцудо. Они рисовали красавиц (бидзин-э) в характерной «застывшей» манере. Эти изображения имели огромный успех на протяжении двух первых десятилетий 18 в., оказав определенное влияние на продукцию мастеров школы Тории, и еще большее влияние на живописцев жанра укие-э, например, Миягава Тесюн, которые не занимались рисунками для гравюр. Уже с 1720-х гг. основные новации в искусстве укие-э возникали только в гравюре на дереве.

Важные усовершенствования техники

Значительной фигурой и современником мастеров гравюры школы Тории был Окумура Масанобу (1686-1764), художник и издатель, с именем которого связаны некоторые технические нововведения. Добавляя к черной краске некоторое количество лака для придания рисунку блеска, им были созданы первые так называемые «лаковые гравюры» (уруси-э). А в гравюрах «уки-э» он использовал принципы композиции и перспективы, заимствованные из европейской живописи. Популярные в 1740-е гг., эти гравюры представляют в основном интерьерные изображения. Только позже появились пейзажи в стиле «уки-э», например, работы Утагава Тоехару.

Иллюстрации

Другой важный художник укие-э второй четверти 18 в., работавший в Киото Нисикава Сукэнобу (1674-1754) занимался иллюстрациями к книгам, которые сделали его имя известным по всей стране. Его стиль, более деликатный и сложный в сравнении со «стилем Эдо», имел серьезное влияние на дальнейшее развитие всего жанра.

Около 1745 появилась техника двух и трех цветной печати, когда для каждого цвета делалась отдельная доска, а окончательный рисунок получался последовательной печатью на одном листе. Эти оттиски получили название «бэнидзури-э» (картины, отпечатанные красным цветом), т.к. самым заметным был красный пигмент, который получали из лепестков растения с японским названием «бэнибана». Только в 1764, одновременно с внезапной популярностью работ Судзуки Харунобу, была разработана настоящая технология многоцветной печати. К 1766 практически все художники укие-э работали в стиле Харунобу. Новые гравюры, получившие название «нисики-э» или «эдо-э» (картинки из Эдо), представляют окончательный этап многоцветной техники печати. Многие работы Харунобу демонстрируют мягкую и ностальгическую манеру изображения, однако, другие, выполненные в стиле «митатэ-э», являются пародиями на сюжеты из классической литературы, в которых персонажи одеты художником в современные платья. В это время важным нововведением стал переход то узкого формата «хособан», который продолжал использоваться для театральной гравюры, к более широкому и квадратному формату «тюбан».

Стихи и иллюстрации

Стилевые изменения, связанные с развитием многоцветной печати, быстро сказались на традиционном жанре изображения актеров Кабуки (якуся-э). В работах Кацукава Сюнсе (1726-1792) и Иппицусая Бунте, начиная с 1770, изображения актеров впервые получили индивидуальные черты. На прежних гравюрах актеров можно было отличить только по их гербам (мон) на кимоно. Сюнсе занимает особое место в истории укие-э, так как под его руководством начинали свою карьеру Кацукава Сюнэй (1762-1819) и Кацусика Хокусай. Работы Сюнсе также заоложили необходимый фундамент для непродолжительного творчества Тосюсая Сяраку (ум. 1801).

1770-е гг. отмечены плодотворным сотрудничеством поэтов кека (тип сатирических стихотворений) и художников укие-э. Успех изданий, в частности, работы Утамаро «Эхон муси эрами» (1788, «Книга насекомых»), в которых стихи сопровождались иллюстрациями, положил начало выпуску «суримоно». Открытки «суримоно», популярные в 1790-е гг., выпускались ограниченными тиражами по заказу. Стихи кека, или хокку и иллюстрации, выполненные в очень элегантном стиле с применением текстурной печати и блестящих пигментов, использовались как частные объявления, пригласительные карточки либо подарочные открытки. Некоторые из поэтов кека издавали также книжки «кибеси» и «сярэбон» с иллюстрациями художников укие-э.

Усложнение композиций

В последние десятилетия 18 в. в гравюре господствует новый формат «обан» и более сложные композиции из диптихов и триптихов. 1780-е гг. ассоциируются с творчеством Тории Киенага (1752-1815), который представил идеал женской красоты своей эпохи – высокие статные фигуры, наделенные необычайной серьезностью и торжественностью. Композиции его работ тщательно продуманы и четко сбалансированы. Однако работы его современников – Кацукава Сюнте (работал в период 1772-1800), Кубо Сюммана и Китао Масанобу (также известен как автор повестей «сярэбон» под именем Санто Кедэн), менее уверенные по рисунку, все же выглядят иногда даже более притягательно.

После 1790 в искусстве укие-э темы и стили начинают стремительно меняться. Утамаро и Сяраку максимально приближают изображаемые персонажи в погрудных портретных гравюрах (окуби-э). Женщины Утамаро предельно чувственны, а актеры Сяраку, играющие женские роли «оннагата», подчеркнуто мужественны. Утамаро одним из первых отказывается от изображений интерьеров и пейзажей, целиком заполняя лист фигурами на нейтральном фоне. Он делает это мастерски, и только некоторые из художников того времени,такие как Хосода Эйси и Утагава Тоекуни (1769-1825), в своих малочисленных работах в состоянии немного приблизиться к его мастерству.

Упадок стиля

После 1800 резко меняются вкусы и само качество гравюр. Невысокие фигуры с вздернутыми плечами и резкими чертами лица приходят на смену элегантным персонажам 1770-х и 1780-х гг. Рисунки на кимоно становятся более формальными и однотипными, а изображения актеров преувеличены и гротескны. Одной из причин изменения вкусов стала покупающая гравюры публика, которая численно выросла в несколько раз и не отличалась взыскаетльным вкусом. В результате большими тиражами выходили наспех изготовленные гравюры с многочисленными неточностями и ошибками в цвете.

Пейзаж укие-э

Пейзаж как отдельный жанр в гравюре укие-э довольно позднее явление. Он был открыт Хокусаем в его знаменитой серии «36 видов горы Фудзи» (1823). Другие художники последовали за ним, и пейзажный жанр обрел популярность, конкурируя с давно устоявшимися «портретно-фигурными» жанрами. Активно работая почти 60 лет, Хокусай разработал индивидуальный стиль, совместив китайские и европейские приемы изображения с элементами традиционных техник школ Кано и декоративных традиций школ Тоса и Римпа. Андо Хиросигэ составил единственную реальную конкуренцию Хокусаю в пейзажной гравюре. Его серия «53 станции по дороге в Токайдо» (1833-34) принесла ему славу и значительное число имитаторов. В эти и других работах Хиросигэ большой внимание уделяет атмосфере, освещению и погоде. Заимствуя приемы изображения из китайской пейзажной живописи династии Южная Сун (1127-1279), он находится под влиянием современных ему художников из школ Мурояма-Сидзе и реализма европейской живописи. Богатое воображение художника демонстрируют работы современника Хиросигэ, Утагавы Куниеси (1797-1861). В некоторых гравюрах он также применяет европейскую перспективу и принципы пространственного моделирования.