Поп-арт в теории и художественной критике

Одним из самых ярких явлений в искусстве XX в. был поп-арт. Он возник в середине 1950-х гг. в США, а расцвет его  наступил на десять лет позднее. Считается, что поп-арт возник в противовес абстрактному  экспрессионизму, который порвал последние связи с видимой реальностью. Молодые художники стали обвинять его в том, что он сделал искусство утонченным развлечением высших классов, лишенным связи с действительностью. В 1951 г. была издана антология дадаизма, одного из авангардных направлений живописи начала XX в. Методы Дада - коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте - вдохновили молодых художников на новое «опредмечивание» живописи и уничтожение границ между искусством и реальностью.

Основоположниками нового течения стали Джаспер  Джонс и Роберт Раушенберг, хотя предпосылки для его возникновения  заложил еще до Первой мировой  войны известный провокатор от искусства  Марсель Дюшан. Современник Пикассо и Малевича, он в свое время продемонстрировал на выставке обычный белый унитаз, который был объявлен «готовым объектом». Именно он может по праву считаться первым объектом поп-арта.

Классики  поп-арта выражали типичные постмодернистские  идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Роберт Раушенберг сочетал покрытые масляной краской плоскости и куски фотографий, вырезки из газет и реклам и самые неожиданные предметы. Рой Лихтенштейн делал в огромном увеличении серии картинок наподобие комиксов. Иногда такая картинка была настолько огромна, что воспринималась как абстракция.

Не менее  знаменитым представителем поп-арта стал Клас Ольденбург, прославившийся созданием  предметов, существующих в реальности, но переиначенных им с большой  долей юмора. Еще когда он работал  ночным мойщиком посуды, ему пришла мысль сделать еду произведением  искусства. В 1961 г. он выставил целый ряд гипсовых пирожных, раскрашенных в яркие, сочные краски. В дальнейшем он стал делать огромные, размером с автомобиль, гамбургеры и куски торта, сшитые из плюша и парусины.

Из гипса  сделаны также произведения Джорджа  Сигела - это помещенные среди настоящей мебели белые человеческие фигуры в натуральную  величину - все без исключения дряблые, неуклюжие и некрасивые. Справедливости ради стоит отметить, что подобные произведения отпугивали публику и критиков своей неординарностью и безысходностью.

Творчество  всех этих художников критики единодушно отнесли к поп-арту, хотя сами художники, работавшие в стиле поп-арт, никогда  не объединялись в группу, не сочиняли творческих манифестов. Критики же заговорили о поп-арте благодаря Энди Уорхолу (1928-1987). Признанный король поп-арта, он сделал из себя не просто известного художника, но одну из икон западной массовой культуры XX в.

Энди  Уорхол (настоящее имя - Андрей Вархола) родился и вырос в Питтсбурге в семье бедных эмигрантов из Словакии. Мать Энди, Юлия Вархола, была художницей примитивистского толка. Энди учился в  Технологическом институте Карнеги в Питтсбурге, а в 1949 г. после окончания института переехал с матерью в Нью-Йорк. Здесь он пишет акварели и ищет заказы, создавая торговую рекламу и выполняя коммерческие заказы. Он сотрудничал со многими модными журналами, в том числе «Вог» и «Харпер'с Базар».

В начале 1960-х гг. Уорхол начинает использовать главный прием поп-арта: умножение  образа одного персонажа или предмета, причем заимствованного. В 1963 г. он создает программную черно-белую шелкографию «Тридцать лучше, чем одна» - 30 репродукций Джоконды на одном холсте. Из этого же приема мультипликации вырастает нескончаемая серия шелкографий 1962 г. с изображением долларов. Эти работы имели большой успех у публики, коллекционеры стали жадно раскупать их.

Уорхол  делает серию «портретов замечательных  людей», среди которых наиболее знаменито изображение Мэрилин Монро. Первый ее портрет работы Уорхола был основан на кадре из фильма «Ниагара» 1953 г. Отдельная работа 1962 г. называлась «Губы Мэрилин Монро».

Героями других работ были Элвис Пресли, актер Уоррен Битти, Жаклин Кеннеди (четыре изображения, сделанные из фотографий Жаклин на похоронах мужа, назывались «Джеки»). В 1980-е гг. создается серия «Америка Первая», в которую входят портреты Джона Кеннеди, Ричарда Никсона, Джимми Картера, Мухаммеда Али, опять Жаклин Кеннеди, Элизабет Тэйлор и Элвиса Пресли. Все работы, едва они выходят из студии Уорхола, мгновенно получают статус классических и великих.

Еще большую  известность Уорхолу обеспечила серия «замечательных американских предметов». Среди них - «Три бутылки  кока-колы», своеобразная антиреклама «Тунец - ядовитые рыбные консервы» и другие изображения «символов» Америки. Самый же знаменитый предмет, который Уорхол нашел в море товаров и обессмертил, - банка супа «Кэмибелл». Она изображалась им и отдельно, и группами. Самое раннее концептуальное и крупное из всех изображений - полотно под названием «Campbell's Soup Сап», созданное в 1961-1962 гг. и составленное из 32 рисунков, каждый размером 50,8 х 40,7 см. На каждом рисунке изображена жестяная банка, однако названия не повторялись, а слегка варьировались, демонстрируя весь торговый ассортимент.

Именно  после «суповой» серии модный, но до тех пор еще не знаменитый Уорхол произвел в Нью-Йорке художественный фурор. И именно с этого момента он навсегда стал королем поп-арта - с 1961 г., когда он впервые догадался сделать из банок супа, которыми завалены универсамы, объект искусства.

К 1968 г. Уорхол был уже признанным мастером поп-арта. Его выставки с успехом проходили по всему миру, в Америке не было художника популярнее - за одну из его картин на аукционе заплатили $ 60 тысяч.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с  искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Громкие имена художников помогали продавать товар. Энди Уорхол стал кумиром промышленников, ведь именно он в своем творчестве поднял изображение товаров до уровня икон. Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Таким образом, поп-арт в Америке органично слился с рекламным бизнесом, который в Соединенных Штатах развился до высот настоящего коммерческого искусства.

В Европе поп-арт еще какое-то время пытался  существовать как чистое искусство. Француз Ив Клайн, совсем не умеющий  рисовать, обливал женщин синей краской и валял их по холсту, выставляя получившиеся картины на выставках. Христо прославился грандиозными проектами упаковки зданий в мешковину. Жан Тэнгли создавал механизмы, которые сами себя разрушали. Но все это тяготело к постмодернизму и концептуализму. Америка же благополучно переварила поп-арт, сделав его одной из составляющих массовой культуры.

Основные  идеи поп-арта сразу были взяты на вооружение разного рода дизайнерами  и изготовителями. Появилась мебель в виде женских тел, обои, состоящие  из долларовых купюр, и прочее. Идея лепить кадры комиксов на майки и  футболки посетила дизайнеров одежды почти сразу же после изобретения  Лихтенштайна. Майки с кадрами  из комиксов можно купить и по сей  день. Они по-прежнему остаются модной вещью.

Промышленные  дизайнеры и художники действовали  здесь в теснейшей взаимосвязи: первые создавали проекты товаров для промышленного производства, вторые делали из них фетиши, ставшие символами общества потребления.

Таким образом, идеи художников поп-арта получили свое воплощение в жизни, ведь все  они пытались работать в «прорыве»  между жизнью и искусством. Они предложили изображать окружающие человека повседневные предметы и технические изделия, примитивные образы национальных фетишей, объекты телевизионной рекламы, современную городскую среду - в надежде сделать искусство понятным широкому зрителю, сделать его популярным. Отсюда и сокращение «поп» в названии направления.

Ковешникова Н.А. Дизайн: история  и теория

Глава 2:Представители  поп-арта

2.1 Роберт Раушенберг

Американской художник, создавший  в 50-х отмеченные влиянием дадаизма коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых  абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря  своему стремлению увязать жизнь  с искусством Раушенберг стал одним  из провозвестников американского  поп-арта.

В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления  «поп-арт», используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих  произведений «комбинированной живописи»  он объединял предметы, хорошо известные  американскому обществу из рекламы  и средств массовой информации. Это  техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в  абстрактные живописные панно. Одной  из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов  Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 «Кровать»: на полотне  большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными  принадлежностями, забрызганную краской  и поставленную вертикально, как  картина.

В течение 1950-х годов в  работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов  – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел  животных – до тех пор, пока не достигалось  ощущение, что холст или вся  композиция вот-вот прорвется в  какой-то другой мир, странно искаженную реальность. 

В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные  печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования  современного индустриального общества. В 1980-е были опубликованы несколько  альбомов фотографий Раушенберга, которые  явились логическим завершением  частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением  представления автора о мире как  о нелепом нагромождении образов.

Впервые Раушенберг заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта. В конце 50-х появились  первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении.

В замысел Раушенберга  входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными  элементами картин. Первый большой  трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался  оформлением представлений совместно  с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел  в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю  поп-арта окончательно утвердило официальное  признание этого направления. Это  признание выгодно сказалось  и на доходах Раушенберга —  цены на его работы подскочили в  несколько раз.

Раушенберг был очень  увлечен иконографией американской массовой культуры. Он отказался от эмоционального стиля абстрактных  экспрессионистов, но не потерял при  этом их экспрессивности, выработав  метод, который использовал -приемы коллажа в сочетании с нетрадиционными  материалами (малярная краска) и необычными техниками, например, рисование автомобильной  шиной после окунания ее в чернила. Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения  трехмерных объектов и стал называть их «комбинированными произведениями». Эта революционная техника способствовала развитию современного искусства и  способов творческого выражения. Увлеченность Раушенберга образами массовой культуры и реализованная им эстетика по принципу «все сойдет» оказали огромное влияние  на идеологию поп-арта, состоящую  в имитации массовой культуры в противоположность  более субъективному творчеству Раушенберга.

Для коллажа 1964 г. «Ретроактивность 1» Раушенберг использовал фотографии современных событий, опубликованные в многочисленных газетах и журналах. Большая газетная фотография Джона  Ф. Кеннеди, выступающего на телевизионной  пресс-конференции, была положена в  основу трафаретного оттиска на холсте. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося  на парашюте. Перекрывающиеся и в  то же время внешне несопоставимые портреты создают цветной визуальный комментарий к пропитанной массовой информацией культуре, пытающейся совладать  с эрой телевидения.

«Раушенберг - это настоящее, это чемпион соревнования сегодняшнего дня. Создатели поп-арта играют роль скорее в социальном плане, чем в  эстетическом. Они не чураются давать публичные выступления на людях. Так, один из них в день вернисажа прогуливался с разрисованным зонтиком, другие одеваются кричаще. Решительно, Дали явился крестным отцом всего этого поколения»[2].

В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением  частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением  представления автора о мире как  о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х его работы уже  не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Сегодня 10 картин этого  общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим  художником

1. Введение

2. История зарождения

3. Признаки стиля

4. Творчество Р. Раушенберга

Введение.

ПОП-АРТ (англ pop art, от popular art общедоступное искусство) — направление, сложившееся сначала в модернистском  изобразительном искусстве, а затем  в различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в 50-х годах XX в  в США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над абстракционизмом. Главную премию получил тогда  американский художник Р Раушенберг за «предметную компиляцию» составленную из сочетаний пестрых открыток и  обрывка плаката, вырезок из иллюстрированных журналов и фотографии убитого президента Дж Кеннеди. Представители поп-арта в лице Р. Раушенберга предложили зрителю искусство, оперирующее  привычными предметами, которые, будучи вырваны из обычных связей с окружающими  объектами, предстали в случайных, парадоксальных сочетаниях. «Новая предметность», которую в начале XX в. утверждал  кубизм, возвратилась в предметных компиляциях поп-арта. Обратившись  к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-арт  быстро вошел в сферу современной  массовой культуры и соединился с  рекламой, дизайном, оформительским искусством. Англ. pop art, сокращение от popular art - популярное, общедоступное искусство, термин объясняется  также значением звукоподражательного английского "pop" - отрывистый удар, хлопок, шлепок, то есть как искусство, производящее шокирующий эффект).