Мюзикл как феномен в музыкально-сценическом искусстве

Из-за многочисленных протестов  на родине Эвиты, фильм снимали в  основном в Будапеште, но Касу Росаду и ее знаменитый балкон, с которого Эвита поет «Не плачь по мне, Аргентина», поехали снимать все же в Аргентину. Мадонне удалось уговорить аргентинского президента Менема позволить съемочной группе воспользоваться его дворцом. Всего съемки, начавшиеся 8 февраля 1996 года, продолжались восемьдесят четыре дня.

Несмотря на звезный  актерский состав, результат оказался ниже режиссерских возможностей Паркера. Знаменитый создатель «Стены» на этот раз сделал выбор в пользу реализма, и мюзикл потерял свою «театральность». Кроме того, многочисленные изменения в сюжете и тексте привели к тому, что первоначальный замысел Ллойд-Уэббера и Райса затерялся на фоне впечатляющих массовых сцен, любовно срежиссированных Паркером.

Как это уже не раз  случалось, в партитуру мюзикла  также были внесены изменения. Специально для фильма была написана новая песня — «Ты должен любить меня», принесшая ее авторам Оскар. В 1997 году фильм получил три Золотых глобуса — одна из этих наград досталась Мадонне («Лучшая актриса»).

И после выхода в свет альбома, и после премьеры спектакля, и после премьеры фильма, вызвавшего вторую волну интереса к мюзиклу «Эвита», Ллойд-Уэббера и Райса часто обвиняли в том, что в своем произведении они прославляют диктаторов и фашизм. Это суждение очень поверхностно. В своем мюзикле авторы стремились показать, насколько опасным является радикализм, к каким серьезным последствиям могут привести популистская политика и диктатура. Эндрю Ллойд-Уэббер и Тим Райс считают, что «Эвита» — их лучшая совместная работа. С их утверждением можно соглашаться или нет, но, так или иначе, «Эвита» занимает достойное место в истории музыкального театра.

 

 

2.2 «Notre-Dame De Paris»

Мюзиклы не всегда были популярны  во Франции. Еще несколько лет  назад даже знаменитые шоу Эндрю  Ллойд-Уэббера, идущие по всему миру, принимались местной публикой сдержанно. Возможно, это было еще одним проявлением «великофранцузского шовинизма» - французы гораздо охотнее помотрели бы музыкальный спектакль на родную, близкую им тему. Шонберг и Бублиль учли эту особенность французского зрителя, и их работы – «Французская революция» и «Отверженные» сразу же завоевали любовь соотечественников. Более того, эти мюзиклы были хорошо приняты и за рубежом. Правда, «Французскую революцию» поставили за пределами страны лишь однажды - в соседней Германии, а вот «Отверженные» стали настоящей мировой сенсацией и успешно конкурировали с уэбберовскими блокбастерами. В 1998 году все изменилось.

Собор Парижской Богоматери - самый знаменитый символ Франции  и ее столицы, не считая Эйфелевой  башни. А если вспомнить о крупнейшем французском писателе - Викторе Гюго, который прославил Собор в своем одноименном романе, то мюзикл «Notre-Dame de Paris» был обречен на успех, по крайней мере, на родине Гюго. В конце концов, в этой истории есть все, что нужно зрителю, то есть, говоря словами стоппардовского Актера, «кровь, любовь и риторика».

Идея дать новую жизнь  персонажам Гюго пришла в голову Люку Пламондону, уроженцу французской Канады, автору текстов к французской рок-опере «Starmania». Он рассказывает, что как-то раз, пытаясь найти тему для мюзикла, просматривал книгу о популярных литературных героях. Любопытно, что внимание Пламондона привлекла не Эсмеральда, а Квазимодо. Именно этот персонаж, чье имя стало нарицательным, навел либреттиста на мысль сделать из классического произведения Гюго рок-оперу. Пламондон не был первым, кого посетила идея использовать роман «Собор Парижской Богоматери» как основу для произведения совершенно другого жанра. Великая книга Гюго была экранизирована много раз; существует и старейший, еще немой фильм со знаменитым Лоном Чейни в роли Квазимодо, и более поздние картины, и телеверсии ; по мотивам романа были созданы даже балеты и мюзиклы.

Итак, Люк Пламондон  составил примерный план мюзикла (около 30 песен) и обратился к композитору  Риккардо Коччианте (французу по матери, итальянцу по отцу, выросшему в Италии), с которым они до этого уже работали вместе, написав, в числе прочего, песню «L'Amour Existe Encore» для Селин Дион. Коччианте тут же предложил ему несколько мелодий, впоследствии ставших хитами — «Belle», «Danse Mon Esmeralda», «Le Temps des Cathedrales».

 

Работа над мюзиклом «Собор Парижской Богоматери» началась в 1993 году, а французская премьера состоялась в сентябре 1998 года, в Париже. За восемь месяцев до этого был выпущен концепт-альбом. В записи, как и в последовавшей за ней постановке, приняли участие звезды канадской эстрады - Даниэль Лавуа (Фролло), Брюно Пельтье (Гренгуар), Люк Мервиль (Клопен). Партию Эсмеральды в студийном варианте исполнила Noa , а в спектакле - француженка Элен Сегара. Марселец Патрик Фьори исполнил роль Феба. Восемнадцатилетняя Жюли Зенатти сыграла Флер-де-Лис. На роль Квазимодо был приглашен до этого никому не известный, но подающий большие надежды певец Пьер Гаран, выбравший себе сценический псевдоним Гару (выходец из Квебека).

Постановкой занимался знаменитый авангардный французский режиссер Жиль Майо. Оформление спектакля, выполненное в минималистском, концертном ключе, осуществил оперный художник-оформитель Кристиан Рэтц, костюмы создал модельер Фред Сатал, освещением занимался Алан Лорти (до это ставивший освещение рок-концертов), а танцами - Мартино Мюллер, специализировавшийся на современной балетной хореографии. Несмотря на внешнюю простоту сценографии и непривычный формат (шоу не укладывалось в стандарты, установленные мюзиклами Уэббера и Шонберга) представление сразу полюбилось публике. Первый год жизни мюзикла «Notre-Dame de Paris» прошел так успешно, что этот факт был отмечен в Книге Рекордов Гиннесса. Сингл «Belle» держался на первой строчке французских чартов на протяжении 33 недель и был признан лучшей песней пятидесятилетия.

 

2.3 «Юнона и Авось»

 

 «Я тебя никогда не забуду, я тебя никогда не увижу...» 1806 год. Ему — 45, ей — 15. Он из России, она из Америки. Он православный, она католичка. Они любят друг друга... Но судьба уготовила им тяжелое испытание... Печальная история любви русского путешественника графа Резанова к дочери испанского колониста Кончите легла в основу сюжета «Юноны и Авось» — знаменитой культовой рок-оперы, ставшей хитом на следующий же день после премьеры и продолжающей собирать аншлаги спустя 20 лет!

Впервые история под названием «Юнона и Авось» была рассказана со сцены Московского театра имени Ленинского комсомола 9 июля 1981 года. Её создатель — Марк Анатольевич Захаров вспоминает, что за три года до этого в 1978-м году уже тогда легендарный композитор Алексей Рыбников ознакомил его со своими музыкальными импровизациями, в которых он использовал православные песнопения. Именно тогда у режиссёра возник замысел создать оригинальный музыкальный спектакль, в основу которого и легли бы эти мелодии.

Сюжетная линия спектакля возникла чуть позже, после встречи Марка Анатольевича с поэтом Андреем Вознесенским, который предложил создать либретто на основе его собственной поэмы «Авось!». Сама поэма Захарову понравилась, и он согласился с предложением поэта. А ведь первоначально Захаров с Рыбниковым собирались делать спектакль по мотивам поэмы «Слово о полку Игореве». К счастью, как показало время, Андрей Вознесенский сумел отговорить их от этой идеи и с одобрения режиссёра и композитора взялся за работу над либретто.

В нем есть все составляющие успеха. Оригинальный сюжет, который  стал одним из мифов, объединивших Россию и Америку: российский мореплаватель  Резанов по зову пречистой девы отправился в Америку, влюбился в пятнадцатилетнюю Кончиту, уехал, чтобы получить разрешение на брак, и погиб, не добравшись до Санкт-Петербурга. Музыка удивительной красоты, наполненная то страстью, то мистическим вдохновением. Потрясающая актерская команда: все исполнители блестяще играют, поют, как профессиональные певцы, и танцуют не хуже балетных танцоров. И необычные декорации: прозрачные подвижные плоскости, которые могут приподняться или наклониться вниз. Можно долго дополнять этот список. Но перечисление компонентов не поможет разгадать чуда, сотворенного Марком Захаровым в начале 80-х.

«Юнона и Авось» уже  двадцать пять лет идет на сцене  Ленкома, по-прежнему захватывая зрителей. Только на сцене самого «Ленкома»  было дано несколько сотен представлений, а сколько их было во всех остальных  театрах, не возьмётся сосчитать  даже самый дотошный театрал. Дважды «Юнона и Авось» была воплощена в телевизионной версии — в 1983-м и 2002-м годах.

И хотя актёрский состав спектакля на протяжении четверти века несколько раз менялся, неповторимый Караченцов бессменно играл Розанова, вплоть до несчастного случая. За это время поменялись исполнители нескольких ролей. Но Захаров и Николай Караченцов, который стал режиссером спектакля и долгие годы играл Резанова, сделали все, чтобы спектакль жил. «Юнону и Авось» не стали снимать во время болезни Караченцова. Чтобы спектакль сохранил свою внутреннюю энергетику, его нужно играть. Роль Резанова играет теперь Дмитрий Певцов. С его появлением спектакль немного изменился, но сохранил свой внутренний магнетизм. Даже Пьер Карден до сих пор утверждает, что «Юнона и Авось» – лучший спектакль, который он видел в своей жизни!

 

Заключение

 

Вплоть до 1980-х годов  мюзикл имел лишь две столицы –  Лондон и Нью-Йорк, откуда он постепенно распространялся благодаря гастролям  трупп. С появлением звукового кино началась новая эра в его истории: экранизированные версии лучших спектаклей буквально заполонили мир. При этом не обошлось без потерь: исчезла неповторимость каждого театрального спектакля, ушел живой звук, началось тиражирование готовой продукции. То, что началось в кино (механическое изготовление копий), сегодня пришло в театр: «Нотр-Дам де Пари», «Кошки», «Призрак оперы», другие мюзиклы на многочисленных сценах Западной и Восточной Европы – это не различные интерпретации, а клонирование оригинальной постановки.

Образцовые киномюзиклы повсюду вызвали волну подражаний. Долгое время местная продукция имела сугубо локальное значение, но сегодня англо-американской монополии больше не существует, французские мюзиклы на равных вышли на мировые сцены.

История отечественного мюзикла официально отсчитывается от премьеры рок-оперы Юрия Димитрина и Александра Журбина «Орфей и Эвридика» (1975), хотя многие советские оперетты, начиная как минимум с творчества Дунаевского, по стилю ближе не к оперетте, а именно к мюзиклу.

В мюзикле можно обращаться к року или создавать средневековый колорит, но нельзя использовать додекафонию или фри-джаз.

Подавляющее число мюзиклов – комедии и мелодрамы, но уже  более полувека этот жанр обращается к высокой литературе и поднимается  до трагических и духовных сюжетов («Кандид» Леонарда Бернстайна по философской повести Вольтера, его же «Вестсайдская история» по «Ромео и Джульетте» Шекспира, «Иисус Христос – суперзвезда» Уэббера).

На протяжение ХХ века мюзикл освоил все родившиеся за это  время стили популярной музыки и впитал некоторые элементы классики. Сегодня он, как никогда, сблизился с серьезной оперой (без разговорных диалогов). Но в отличие от большинства современных опер мюзикл всегда имеет номерную, а не сквозную структуру, и избегает авангардной стилистики, вносящей элемент хаоса.

 

Список литературы

 

 

1. Великие мюзиклы мира (Справочное издание). М., 2002

2. История мюзикла [Электронный ресурс] //

    http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/muzyka/MYUZIKL.html

3. Кампус Э.Ю. О мюзикле. Л, 1983

4. Кудинова Т.Н. От водевиля до мюзикла. М., 1982

5. Межибовская Р.Я. Играем мюзикл. М., 1988

6. [Электронный ресурс] // http://www.musicals.ru