История развития танца

Средневековый танец оставался еще во многом импровизированным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца не существовало. Танец был принятой формой ухаживания; их исполнители сопровождали танец пением; движения были самыми простыми. В XII в. культ романтической любви и рыцарства в значительной мере преобразил танец, приглушив его откровенно эротические черты. Танец входил в число обычных для рыцаря занятий и выступал как своего рода домашняя параллель к турнирам на открытом воздухе. Обычно танец возглавляла одна пара, к ней присоединялись другие, медленно двигаясь по кругу; тип этого танца во многом напоминал полонез.

В эпоху позднего Средневековья проявляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. В социальном плане жесткого водораздела тогда еще не существовало. Селяне могли подражать придворному танцу, а рыцари любили иной раз присоединиться к сельскому хороводу. Крестьяне отдавались танцу с ничем не сдерживаемой непосредственностью, рыцари танцевали более строго, следуя придворному этикету. Народный танец по-прежнему был импровизацией, в то время как придворный танец становился все более манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения.

Большое значение в развитии придворного танца сыграло появление профессиональных учителей танца, которые не только обучали знать, но и являлись арбитрами в области этикета и манер и оказывали обычно большое влияние на атмосферу при дворе.

С самых ранних дней цивилизации танец был формой общественного выражения во всем мире, служа различным культурным назначениям. Среди этих назначений были поклонение, празднование особых событий, церемонии, торжественные приемы, физическая подготовленность и военные учения. Танец был регулярной частью религиозных практик в большинстве главных религий, и был общепринят в Христианстве до XIII века. Он считался дополнением к музыкальному прославлению, вокальному или инструментальному. Общественные события и светские праздники, которые часто были связаны с религиозными торжествами, также разнообразились танцами, как и официальные церемонии, такие как королевские визиты и коронации. Но это физическое проявление радости и восхваления не было ограничено особыми поводами. Танец был также частью повседневной жизни. Существует множество сообщений о послеобеденных танцах и использовании танцев для создания здорового тела. Это связывало танцы с военными упражнениями, большинство из которых делалось на ногах и требовало не только физической выносливости, но также резвости и быстрой работы ног.

1.3 Танец в эпоху Возрождения

В эпоху Возрождения большое значение приобретает бытовой танец. Без него не обходятся не только балы, вечера, но и пышные уличные празднества, достигавшие порой необычайной яркости и великолепия. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные интермедии с песнями и танцами. Танцы составляют основу этих роскошных зрелищ.

Развитие театрального танца в эпоху Ренессанса связано главным образом с Северной Италией, хотя несколько позже, когда танец распространился по Европе, источником его изысканной стилизации и барочной красоты стали французские дворы. Правители итальянских городов-государств, такие, как Медичи, Сфорца, Эсте и Гонзага, все больше внимания уделяли пышным зрелищам. Постепенно сложился набор танцевальных приемов с рядом обязательных правил. Оживленный сельский танец не подходил придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы или сады, в которых они танцевали, сам строй их мыслей абсолютно не допускал неорганизованного движения. Чтобы навести порядок и усилить дисциплину, имелись специальные танцмейстеры, для которых танец был воплощением сдержанности и утонченности. В нем теперь не оставалось ничего "народного"; танец становился все более театральным. Профессиональные танцмейстеры заранее репетировали с дворянами отдельные па и фигуры и режиссировали движения групп танцующих, а зрителями были другие придворные.

Развитие музыкального искусства в эпоху Ренессанса было тесно связано с развитием танца, поскольку почти все крупные композиторы в своих сочинениях ориентировались на танец. Традиция контрастного сопоставления медленного танца-шествия и живого прыжкового танца породила такую музыкальную форму, как сюита, которая, в свою очередь, оказала влияние на становление сонатной формы.

Маскарады, момерии и карнавальные шествия, излюбленные развлечения в Средние века, особенно распространились в эпоху Возрождения. В XV-XVI веках такие представления устраивались в дворянских домах и по мере их усложнения превратились в дорогостоящие празднества. Больше всего в эпоху Ренессанса увлекались маскарадами, т. е. танцами в масках, причем маски имели в эту эпоху особое значение. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств скрывали свои лица под масками — как это представлено, например, в шекспировской трагедии «Ромео и Джульетта», где юный любовник в маске проникает на бал к Капулетти.

Большой вклад в танец как общественное развлечение вносили и карнавалы. Самыми пышными из них были так называемые триумфы - представления на мифологические сюжеты с искусно выполненными декорациями. Несколько более скромными были карри — маскарады ремесленников и купцов в итальянских городах: здесь толпы людей в масках шествовали за декоративными символами своих профессий. Триумфы во владениях Медичи являли собой роскошные спектакли вне стен дворца. Медичи приглашали для их оформления лучших художников, в том числе архитектора Филиппо Брунеллески. В ту же эпоху во время придворных пиров и праздничных собраний в Италии и Франции выступали небольшие группы танцоров; во Франции такие выступления называлиcь entremets, в Италии — intrоmessi (буквально «междушествия»). Первоначально их можно было видеть на балах, а позже в театрах, под названием «интермеццо» или «интерлюдия».

В XVII веке законодательницей танцевальной моды для всего цивилизованного мира являлась Франция. Придворные европейских дворов подражали танцам, принятым в Версале. Из числа различных маскарадов с танцами выделился классический жанр ballets à entrées, в котором различные разделы («выходы») были тесно связаны единством сюжета и сочетались с музыкой и поэзией. Эта форма достигла вершины своего развития к середине XVII века.

В царствование Людовика XIV из танца уходят его романтический дух, фольклорная природа. Так обстоит дело с большинством новых танцев, принятых в дворянском обществе, например с сарабандой, которую французский двор освоил, существенно изменив еще в царствование Людовика XIII и которая первоначально отличалась необузданностью и откровенностью движений. Главным же танцем полутора столетий начиная с середины XVIII века стал менуэт, в наибольшей мере воплотивший дух времени. Когда-то это был веселый быстрый танец, но, попав в придворную среду, он, как и бранль, куранта, гавот (типичная для Версаля танцевальная сюита), утерял свои сельские корни и быстро впитал в себя придворную церемонность. Ту же трансформацию претерпели бурре, паспье и ригодон.

В придворном обществе появляется учитель танцев: преподаватель изящных манер. С особым вниманием относились к исполнению реверансов и поклонов. Они были не только приветствием, но и танцевальными фигурами, которые придавали бальной хореографии черты торжественного величия.

Изысканный рисунок рук венчал основные позы танца. Он приобрел особое значение в самом популярном танце того времени - менуэте, где изящные движения рук, утонченные поклоны и реверансы придавали всему танцу необычайную галантность.

Танцы стали играть беспрецендентно важную роль - как социальную, так и политическую - на протяжении всей второй половины семнадцатого века. Будучи искусством социальным, танцы лучшим образом иллюстрировали повсеместное распространение принятых правил поведения. Танец был призван показать человеческое тело, полностью контролируемое танцором. Но кроме этого, танцор теперь представлялся не только как отдельная личность, а как часть группы, присоединяясь к общепринятому, «кодифицированному» языку жестов. Позы и поклоны являлись знаками уважения и одновременно - хорошего происхождения. На балах той эпохи стремились прежде всего блеснуть манерами, хорошим вкусом и связями. Кавалеры не выбирали дам самостоятельно; пары подбирались церемонимейстером. В 1663 году в моду вошел менуэт (minuet), получивший имя «короля танцев». Менуэт требовал трехмесячной подготовки из-за достаточно сложной схемы шагов. «Кто хорошо танцует менуэт, тот все делает хорошо» — так резюмирует буржуазное общество свое отношение к менуэту на рубеже XVIII века.

В эпоху Возрождения светские развлечения капля по капле становятся все, кому не лень больше изысканными и усложненными. Элементы театра и танца проникали во и стар и млад сферы жизни феодалов - иногда пиры в замках напоминали театральное представление: в перерывах посередке подачей отдельных блюд перед гостями приглашенные артисты и музыканты разыгрывали небольшие танцевальные и пантомимические сценки, пели арии и играли на музыкальных инструментах. К XV веку танцы немножко изменились - они усложнились, стали сильнее быстрыми и подвижными, сегодня исполнялись прыжки и даже легкие поддержки - рано или поздно дама с помощью кавалера поднималась в воздух. Появилось много новых танцев, всякий имел определенные движения (па). Причем знать их - и танцы, и движения - необходимо было действительно тем же образом, как и правила этикета.

1.4 Танцы XVIII века

Уже к началу XVIII века балет мигрировал из Французского Двора в Парижскую Оперу к разностороннему театральному деятелю Жану-Батисту Люлли, который «сохранил основной концепт балета – сложносоставность формы, в которой танец является неотъемлемым и значимым элементом». В течение этого столетия балет распространился по Европе и из утонченного способа передвижения образов во время крупного представления превратился в самодостаточное искусство исполнения, ballet d’action («действенный балет», балет с сюжетом ). Эта новая форма почти полностью уничтожила искусственность, присущую придворному танцу, и установила новый закон: «искусство должно стремиться к подражанию природе, естеству». В результате костюмы и хореография стали более вольными и способствующими большему раскрытию выразительных талантов тела. Открылась дверь в мир натуралистических костюмов и бескаблучной обуви - пуантов, которые предоставляли танцору большие возможности при подъеме на полупальцы.

Большое влияние на танец этой эпохи повлиял и стиль Барокко. Оно как направление началось приблизительно с начала XVII века. Основой для барочного стиля явился ренессанс, в котором можно видеть многие шаги, из которых позже выросли барочные движения. Барочный танец по своему характеру - сценический, точнее, барочный стиль танца тяготеет к сцене.

Первыми барочными танцами были показательные танцы одной пары перед королём. Для этих танцев характерны, во-первых, сложность (в течение одного танца фигуры практически не повторялись), во-вторых - симметрия, то есть зеркальность (в отличие от ренессанса, в котором зеркальной могла быть схема танца, но не движения, т.к. танцоры идут с одной ноги). В- третьих, появляется различия в исполнении мужской и женской партий (в определённом месте танца мужчина может сделать купе, чтобы поменять ногу).

Кроме балета существовалпридворный театр. В нем основное место занимала опера, в которой обязательно присутствовали танцевальные отрывки. В опере массовые танцевальные сцены использовались также, как в античности - хор (хору назначалась определенная роль, например, облака, а в барочной опере танцовщицы представляли собой, например, тени умерших).

Опера в барокко тоже представляла собой нечто особое. Её сюжет был античный, но характер исполнения - барочный. Т.е. в центре внимания стояло не действие, а чувства героев (любовь, страдания).

Чтобы понять технику исполнения барочного танца, нужно обратить внимание на архитектуру, скульптуру, гравюру. Для скульптуры (Бернини) и живописи (П. П. Рубенс, А. Ван Дейк во Фландрии) характерны эффективные декоративные композиции, парадные портреты. Гравюра в эпоху барокко представляла собой офорт (от франц. eau-forte - азотная кислота). Рисунок процарапывался гравировальной иглой в слое кислото-упорного лака, покрывающего металлич. Пластину, затем порцарапанные места протравливались кислотой, а полученное углубленное изображение заполнялось краской и оттискивалось на бумагу). Таким образом, результат было сложно предсказать, т.к. химическую реакцию контролировала природа, а не человек. В то время вообще шло быстрое развитие науки, и человек часто вступал в отношения с природой, с природными стихиями, неконтролируемыми явлениями (ставил эксперименты, проводил опыты). Это чувствуется и в музыке, где стиль барокко отличает, с одной стороны, стремление к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой - к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров).

Архитектуру барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, В. В. Растрелли в России) отличают пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. В построении зданий используются эллипсы, спирали, сферы. Организация пространства рассчитана на зрителя, чтобы создать у него иллюзию: зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а живопись создает иллюзию разверзшихся сводов.

Постановка руки в танце барокко как раз пример случая, когда эллипс кажется окружностью. Стихийность, так характерная для эпохи барокко, заключена в жесткую школу барочного танца. Существует джентельменский набор движений (сравнительно небольшой), с помощью которого и выражаются все чувства и тонкости сюжета.

В разных странах барочный танец имеет там различную манеру исполнения. Когда барочный танец попадает в страну, то он или доминирует там, как таковой, или включает в себя характерные танцевальные движения народа, живущего в этой стране. Примером может являться Англия. В отличие от Франции, где манера исполнения танца достаточно мягкая, в Англии движения рук более упругие, динамичные и открытые, что, возможно, связано с более строгим воспитанием. Другой пример - аллеманда. Изначально германский танец, довольно простой по строению. А во что он превратился в барокко. Еще одним примером может послужить жига - старинный танец кетьтского происхождения. Барочная жига имеет очень мало общего с более древним исполнением танца. Интересно также посмотреть как меняются танцы других стран, попадая во время барокко во Францию. Как пример возьмем контрдансы. Это композиционные танцы. Изначально появились в Англии. К концу XVII века в них стали попадать барочные движения. Во Франции буквально случился «бум» на контрдансы, т. к. они были достаточно не сложные по композиции, по сравнению с показательными барочными танцами, то они стали очень распространены, их с удовольствием танцевали и сотнями сочиняли с использованием различных игровых приемов галантного характера. Композиционные приемы контрданса попали в другие барочные танцы (менуэт, гавот и др.) Барочный танец просуществовал во Франции вплоть до Великой французской революции (1789 - 1794 гг). С этого момента самым распространенным танцем во Франции стала фарандола, а затем появилась французская кадриль.