Искусство Барокко в Италии

      Одним из  наиболее интересных реализованных  ансамблей является пьяцца дель  Пополо - площадь у основного северного  входа в Рим с тремя расходящимися  улицами - лучами, ведущими в разные  районы города. В точке пересечения  лучей поставлен обелиск, а  между улицами на площади построены  архитектором Райнальди две одинаковые  купольные церкви - своеобразные  пропилеи, акцентирующие начало  улиц. Здесь были впервые в  широком масштабе города реализованы  принципы регулярной планировки, ставшие основополагающими в  архитектуре и градостроительстве  классицизма.

   Микеланджело считают  одновременно и последним мастером  Возрождения и создателем стиля  Барокко, ибо именно он осознал  его основной стилеобразующий  элемент - пластику стены. Венец  его творчества - Собор 

9

Святого Петра в Риме причисляют уже к стилю Барокко.

  Последователи «последнего из титанов», двигаясь по пути усложнения, вообще отказываются от симметрии в композиции, открывая совершенно новые возможности стены. Она как бы лишается самой главной своей черты - надежности и монументальности, зато приобретает небывалую прежде пластику и динамику. Возникают здания с выпуклым, вогнутым или даже криволинейным фасадом.

   В архитектуре  городских дворцов и загородных  резиденций распространяются выпуклые  и вогнутые фасады. Ордер становится  менее функциональным, чем в эпоху  Возрождения, на первый план  выходит декоративность. Собранные  в пучки колонны, пилястры, появившиеся  витые колонны, плюс фронтоны  различных форм, вкомпонованные  друг в друга (например, лучковые  в треугольные), или разорванные  посередине фронтоны с картушем  придают зданиям чрезвычайную  пластическую объёмность и выразительность,  эффектно выделяют порталы. Вообще  пластика всегда преобладает  в фасадах над тектоникой. Итальянские  палаццо поражают колоссальным  ордером над нижним цокольным  этажом, тяжёлыми аттиками, обилием  скульптурного декора. Они имеют  парадный, праздничный вид. В Испании  особый декоративный колорит  сообщает дворцам сплошь покрывающее  стену, словно плывущее скульптурное  убранство, совершенно скрывающее  членения фасада (так называемый  стиль чурригереск - от имени  архитектора X. Чурригера).

   Во Франции преобладает  тип дворца п-образной формы,  состоящего из центральной постройки  и боковых ризалитов. Здание  неразрывно связано с парком, разбитым позади него, и почётным  двором (court d'honneur) перед фасадом.  Двор отгорожен от улицы железной  решёткой с позолотой. Часто  такие решётки сами по себе  являлись чудесными произведениями  искусства 

10

бронзолитейщиков барокко. Почётные дворы имели и отели-особняки более 

интимного характера, получившие распространение в XVII веке.

   Со временем загородные  замки приобретают всё более  дворцовый вид. Железные мосты  через рвы заменяются каменными,  связывающими постройки с парками.  Благодаря нововведению архитектора  Ж. А. Мансара, повысившего крышу  и придавшего чердачному помещению  функциональность, в загородных  дворцах, как и в городе, появляются  мансарды. Если добавить к этому  яркие крыши, выложенные либо  цветной черепицей "в шашечку", либо шифером и увитые краснеющим  по осени виноградом или плющом, получается весьма живописная  картина. 

   В строительстве  городских и загородных особняков  Фландрии преобладало подражание  итальянским палаццо. Порталы  украшались изогнутыми фронтонами, балконы - скульптурой и поддерживались  кариатидами или атлантами. Из  Германии заимствовались формы  трансформированного барочного  картуша, напоминающего очертания  волны, маски, хряща (кнорпельверк - от нем. knorpel- «хрящ» и were –«работа»)  или ушной раковины (ормушль). Они  сочетались с сочным растительным  скульптурным орнаментом и придавали  порталам пышные, выразительные  очертания. 

   В Австрии особняки  тоже были выдержаны в стиле  итальянских барочных дворцов,  но нижние этажи часто строились  из гранёных каменных блоков (так  называемый бриллиантовый руст), а верхние декорировались выразительными  ордерными деталями-пилястрами, колоннами,  арками со скульптурой. 

   Несколько выделялись  из общего ряда постройки голландского  барокко. Богатый бюргерский дом  здесь выглядел значительно скромнее, чем дворцы Франции, Австрии  и тем более Италии. Из-за дороговизны  земли в Голландии были распространены  лишь крохотные садики позади  здания.

11

Традиционно высокий фронтон  усиливал вертикальную вытянутость  трёх –

четырёхэтажного дома. Красный  кирпич, из которого возводились постройки, дополняли ордерные детали из белого камня, использовавшегося в отделке.

Скульптура барокко.

   Архитектуру барокко невозможно представить себе без скульптурного оформления. По своему предназначению барочная скульптура разделяется на культовую и светскую. Культовая скульптура — это отдельные статуи, скульптурные группы, рельефные композиции, скульптурные надгробия. Их основная тема — изображение персонажей Священного Писания, сцен чудес и мученичества. Культовая скульптура барокко — это подобие земных страстей и аффектов, окрашенных духовным порывом. В качестве самого яркого образца можно привести пример скульптурной композиции Джованни Бернини “Экстаз святой Терезы”.

Светская скульптура барокко  представлена монументами разного  типа и назначения: парадные статуи монархов, портреты знати, скульптуры для городских фонтанов и садово-парковая пластика. Типичный признак барочной скульптуры — потребность в среде, активное взаимодействие с ней, со стихией  воды, воздуха, света. Произведения скульптуры барокко нуждаются в архитектурном  или пейзажном обрамлении, поэтому  впечатление от них теряется в  музейной среде. Скульпторы барокко  любят мрамор и бронзу, сочетание  драгоценных декоративно выразительных  материалов. Но в странах с крепкими традициями крестьянского ремесла 

 

12

 (Бавария, Австрии, Польша, Прибалтика) дерево переживает блестящее возрождение в декоративных ансамблях церковного убранства.

   В барочных скульптурах  мы видим подчинение материала  художественной идее. Экспрессия  движения в пластике барокко  особенно ярко проявляется в  скульптурных группах, созданных  для фонтанов. Среди них — знаменитые  работы Бернини — фонтан “Тритон”  на площади Барберини в Риме, фонтан “Четырех рек” на площади  Навона и др. Стержень их композиционного  замысла — движение воды. Скульптура  и вода образуют одно целое.  Фигуры и необработанные глыбы  камня своими несимметричными  формами вторят движению воды, ее потокам и струям, бьющим  в разных направлениях. Все соединено  в сложном, как бы случайном  ансамбле — порождении природной  стихии. Все вместе дает ощущение  неукротимой жизни природы.

В эпоху Ренессанса живопись тяготела к скульптурным принципам, в эпоху  барокко скульптура стремится к  живописности. Мастера гордятся своим  умением уподобить скульптуру живописи. Этому эффекту помогают световые блики, играющие на поверхности скульптур. Замыслы скульпторов рассчитаны на восприятие нежнейших переходов  света и тени на человеческом теле, поэтому воздушное пространство, окружающее фигуры, играет очень важную роль в искусстве барокко. Именно барокко открыло пейзажную, парковую эру светской скульптуры.

  В эпоху позднего  барокко декоративная скульптура  достигает полной свободы: статуи  заполняют все пространство церквей  и фасадов, 

садятся на выступы карнизов, взлетают до купола. В эпоху Возрождения 

скульптура служила украшением стен, в эпоху барокко она делается

13

украшением пространства.

  Ярчайшим мастером культовой скульптуры барокко был Бальтазар Пермозер (“Отчаяние проклятого”, “Святой Амвросий”). Его работы отличает экспрессия, переходящая в большую внутреннюю силу, уникальность работ мелкой пластики, глобальные философские проблемы.

     Скульптор  Антонио Канова известен своими  работами в стиле барокко. Для  его произведений характерен  выбор сюжетов, связанных с  библейской, мифологической тематикой  героического или драматического  плана. Его работы отличаются  монументальностью, необычностью, вычурностью,  динамикой ракурсов, общедраматическим  звучанием (“Орфей”, “Геркулес  и Лихас”). Постепенно Канова  отходит от стиля барокко и  лучшие его работы принадлежат  к классицизму.

     В эпоху  барокко создаются также многочисленные  парадные портреты и памятники.

     Крупнейшие  представители скульптуры барокко  — Л. Бернини в Италии, А.  Шлютер в Германии, П. Пюже во  Франции, где в тесной связи  с барокко развивается классицизм (черты обоих стилей переплелись  в творчестве Ф. Жирардона,  А. Куазевокса и др.).

  В России в стиле  барочной скульптуры работал  Б. К. Растрелли.

 

 

 

 

15

Живопись барокко. Караваджо  и караваджизм

  Образ Ренессанса не может быть представлен вне художественных достижений эпохи. Наиболее знамениты живописные полотна таких мастеров, как Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан, Караваджо и др.

   Художники Возрождения  придают особое значение достижению  максимальной точности и четкости  изображения. Первоначально психологический  момент живописных персонажей  выражен не очень ярко. Главное  внимание уделяется таким изобразительным  средствам, которые позволяют  достичь жизненности и живости  всего, что запечатлевается, —  будь то человеческое лицо  или складки одежды. Живописцы  идут по пути формальных приемов  достижения этих целей. Однако  постепенно в произведениях Возрождения  начинает все более явственно  обнаруживаться психологическая  сторона изображаемых персонажей. По портрету уже можно определить  характер человека, его особенности,  волнения его души и страстей. При этом особенно ценятся  художественный вкус и чувство  меры.

   Достижением художественной  культуры Ренессанса является  также правильная геометрическая  конструкция картины: изображение  в буквальном смысле строится (а не рисуется) при помощи тщательно  разработанных точных приемов.  В основе применения геометрико-математических  методов лежит убеждение в  том, что природа в основе  своей гармонична в смысле  геометрико-математических пропорций:  все в ней подчинено пропорциональности  математических отношений. Точно  так же выявляется пропорциональная  закономерность человеческого лица  и тела. Одновременно предполагается, что художник имеет право исправить  несоразмерности природы там,  где они нарушены в силу  случайных причин. В известном  смысле творческий гений художника  ставится выше чисто 

16

природной красоты. Роль геометрических построений приводит к новому

подходу к пространству изображения. Непреложным становится правило: пространство предшествует изображенным в нем  телам и поэтому его надлежит размечать на рисунке в первую очередь. Организация пространства картины призвана особым образом  воздействовать на зрителя. Наглядным  примером в этом отношении может  служить полотно Рафаэля «Афинская  школа». На фоне величественной архитектуры  и уходящей вглубь перспективы арочных  сводов изображены античные мыслители. В центре группы — Платон и Аристотель. Композиция картины призвана иллюстрировать обнаруживающееся в бесконечной  перспективе единство разнообразных  философских идей древнего мира.

   Большинство сюжетов  художественных произведений Ренессанса  взято из Библии, и даже преимущественно  из Нового Завета. Особенно популярно  изображение Богородицы с младенцем  (Христом). Возрожденческие мадонны,  конечно, не имеют ничего общего  с прежними иконами, на которые  молились и от которых ждали  чудесной помощи. Перед нами самые  обыкновенные портреты, часто с  самыми реалистическими и даже  натуралистическими подробностями.  Тем не менее, художники предпочитают  писать образы Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя, апостолов или  изображать эпизоды евангельской  истории (например, «Тайная вечеря»  Леонардо да Винчи). Естественней  было бы перейти к написанию  портретов своих современников,  а не скрывать портрет в  библейском образе. В чем здесь  дело? Едва ли живописцы Ренессанса  стремятся только к тому, чтобы  доказать, что под библейскими  персонажами скрываются обыкновенные  люди, с земными мелкими страстями.  С точки зрения Возрождения  в этом не было бы ничего  привлекательного. Ренессанс стремится  не принизить божественное, а  наоборот, возвысить земное до  божественного. Евангельские сюжеты  придают возвышенный тон земным 

17

проявлениям человека, чего нельзя или гораздо труднее достичь, если на картине изображен сюжет  из чисто земной жизни. «Небесный  мир» и «земной мир», «рай» и  «ад», «грехопадение», «искушение», «воскресение духа и тела» — эти и иные категории зримо и незримо  присутствуют в картинах Возрождения. Они призваны показать, что глубины  библейского сюжета вполне доступны всякому человеку. И одновременно, что земная человеческая личность достойна, быть причастной к божественному. Так, например, в образе Мадонны возвышается  образ женщины, матери, а вместе с  этим и земная человеческая любовь.