Древнегреческое искусство. Древнеримское искусство. Сходство и различия

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Реферат

 

 

Древнегреческое искусство. Древнеримское искусство. Сходство и различия.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                                              

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Содержание.

 

1.   Древнегреческое искусство.

      А.  Архитектура древних греков.

        Б.   Скульптура древних греков.

        В.   Живопись древних греков.

        Г.    Греческие вазы.

2.     Древнеримское искусство.

        А.  Архитектура древних римлян.

        Б.   Скульптура древних римлян.

       В.   Живопись древних римлян.

3.     Сходство и различия искусства Древней Греции и Древнего Рима.

4.     Вывод.

5.     Используемая литература.

6.     Презентация.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Древнегреческое искусство.

Искусство греков было в древнем мире первым проявлением живого, свободного художественного творчества, проникнутого стремлением к прекрасному, выражающего идеалы и дух целого народа и способного развиваться до высшей степени совершенства. Достигнув  этой степени, древние греки оставили по себе бессмертные образцы во всех художественных отраслях, создали дивные памятники, которым подражали и продолжают подражать другие народы. 

Историю греческого искусства можно разделить на пять периодов:

1) период подготовительного, еще  робкого творчества, который принято называть архаическим и простирающийся с XII в. до времен Солона (590);

2) период постепенных успехов, от  Солона до конца персидских  войн (590—470);

3) период самого пышного расцвета  искусства, с конца этих войн  до попадания Греции македонскому владычеству (470—338);

4) период начинающегося упадка, с  Александра Македонского до покорения  Греции Римом (338—180),

5) период греческого искусства  под властью Рима.

Ознакомиться с основными началами этого искусства и проследить его исторический ход будет всего удобнее, рассматривая в отдельности архитектуру, скульптуру и живопись.

А. Важнейшей задачей архитектуры у греков, как и всякого вообще народа, было храмоздательство. Оно породило и выработало художественные формы, которые перешли потом к сооружениям всякого рода. Во все продолжение исторической жизни Греции ее храмы постоянно сохраняли один и тот же основной тип, впоследствии усвоенный и римлянами. Греческие храмы нисколько не походили на храмы Египта и Востока: это были не колоссальные, внушающие религиозный страх таинственные капища грозных, чудовищных божеств, а веселые, приветливые обиталища человекоподобных богов, устроенные наподобие жилищ простых смертных, но только более изящные и богатые. Если верить Павзанию, первоначально храмы строились из дерева. Потом их стали сооружать из камня, при чем, однако, удержались некоторые элементы и приемы деревянного зодчества. Греческий храм было здание по большей части умеренных размеров, стоявшее внутри священной ограды на фундаменте о нескольких ступенях и представлявшее в простейшем своем виде сходство с продолговатым домом, имеющим в плане два сложенные вместе квадрата и двускатную, довольно отлогую крышу; одна из коротких его сторон не выходила наружу стеною, которую здесь заменяли две пилястры по краям и стоящие в пролете между ними две (иногда 4, 6 и т. д., но всегда четные числом) колонны, несколько отступя в глубь здания (обыкновенно на ⅓ квадрата), оно было перегорожено поперечною стеною с дверью в середине, так что получались род крыльца или крытых сеней и внутреннее, замкнутое со всех сторон помещение — святилище где стояла статуя божества и куда никто не имел права входить, кроме жрецов. Подобное здание назыв. "храмом в пилястрах" В некоторых случаях совершенно такое же крыльцо, как и с переднего фаса, устраивалось и с противоположной стороны. Пилястры и колонны сеней подпирали потолок и крышу, причем последняя образовывала над ними трехугольный фронтон.

Существовали несколько стилей греческой архитектуры:

1. Дорический стиль;
2. Ионический стиль;
3. Коринфский стиль.

Первый архаический период греческого искусства прошел в отношении зодчества в выработке основных принципов и форм; однако не сохранилось никаких вещественных памятников этого периода. Дошедшие же до нас развалины сооружений второго периода удостоверяют, что главную его черту составляло постепенное освобождение греческой архитектуры от чужеземного влияния, претворение элементов, занесенных из Азии и Египта, в формы, соответствующие духу народа и условиям его религиозных воззрений и обрядов. Почти все постройки в этом периоде — дорического стиля, сначала тяжелого и малоизящного, но потом делающегося более легким, смелым и красивым. Из храмов этой эпохи, находившихся в самой Греции, можно указать на храм Геры в Олимпии, Зевса в Афинах, Аполлона в Дельфах (одно из самых знаменитых и роскошных святилищ древней Греции) и Афины Паллады на о-ве Эгине, получивший в новейшее время громкую известность по скульптурным группам, украшавшим его фронтоны и хранящимся ныне в мюнхенск. пинакотеке. Наконец, к этой эпохе должен быть причислен храм Артемиды в Эфесе, считавшийся одним из чудес света, сожженный Геростратом, возобновленный при Александре Македонском. В течение третьего периода, т. е. в самую блестящую пору греческого искусства, дорический стиль, продолжая быть господствующим, делается легче в своих формах и смелее в их сочетании, ионический же стиль входит все в большее и большее употребление, и, наконец, постепенно получает право гражданства и стиль коринфский. Немало зданий, поразительных по своей роскоши, явилось за эту пору в Малой Азии, между прочим, знаменитый надгробный памятник каринфскому царю Мавзолу (Мавзолей) в Галикарнассе, храм Афины в Приене, гигантский храм Феба Дидимского в Милете и величественный алтарь Зевса в Пергаме с превосходным скульптурным фризом, фрагменты которого перевезены недавно в берлинский музей. После того, как Греция подпала под власть Рима, архитектурная деятельность почти совершенно прекратилась в ней самой; но ее художники, хлынувшие в вечный город, перенесли в него традиции своего отечественного искусства и много способствовали облагорожению римского зодчества, хотя и должны были приноравливаться к напыщенному вкусу народа-победителя. Вообще в последний период своей истории греч. архитектура уже сливается с историей римского искусства.

Б, Религиозные и этические воззрения эллинов, принимавших видимый мир за непосредственное проявление божества и стремившихся выразить последнее через очистку или идеализацию первого, были причиною того, что ваяние (скульптура) сделалось самым возделываемым, самым плодотворным полем художественной производительности этого народа. Еще в мифические времена его истории проглядывает наклонность его к прямому подражанию природе, как это доказывает рельеф над Львиными воротами в Микенах. Затем, от первых столетий, следовавших за вторжением дорийцев в Пелопонесс, не сохранилось ни благонадежных известий, ни достоверных памятников, но с конца VII века до Р. Хр. являются доказательства широкой художественной деятельности греков, обращенной преимущественно на изготовление роскошных обетных приношений в храмы, сосудов и разной утвари. Производством их занимались в особенности самосские и хиосские мастера, двинувшие вперед технику работ из металла. Вскоре улучшается и воспроизведение форм человеческого тела, особенно в олицетворениях богов и героев; перед тем боги изображалась в виде грубых деревянных истуканов (т. наз. ксоаны), с окоченелыми, порою едва намечаемыми и неотделенными от корпуса членами; теперь начинают делать их более оживленными, причем удерживают для их туловища дерево, а для головы и рук пользуются мрамором (такие изваяния называются акролитами); являются также опыты хризэлефантинной пластики. Постепенно входят все в большее и большее употребление мрамор и бронза — последняя первоначально в ионических и малоазийских пунктах, первая в остальных греческих странах. Статуи, воздвигавшиеся в честь победителей на гимнастических состязаниях и представлявшие не портреты, а идеализированные фигуры, вели греческих ваятелей к внимательному изучению нагого человеческого тела и к искусству выражать его красоту очищенною от случайных недостатков. Повсюду, на Эгине, в Аргосе, Сикионе, Афинах и др. местах, возникают значительные скульптурные школы, и среди ваятелей славятся Дипойн и Скиллид, Каллон, Онат, Агелад и нек. др. VI-ой век и начало V-го — эпоха развития самостоятельного греческого ваяния, сбрасывающего с себя последние путы восточного влияния, которые связывали его перед тем. К важнейшим памятникам этой эпохи относятся метопы древнейшего из селинутских храмов в Сицилии. Еще лучшее понятие о ней дают фронтонные группы эгинского храма Афины, хранящиеся в Мюнхенской глиптотеке и изображающие сцены борьбы греков с троянцами. Век Перикла — период полного расцвета греческой пластики. Переход к этому периоду составляют Каламис, в разнообразных произведениях которого грациозность являлась рука об руку с редким пониманием натуры, и Мирон, заслуга которого заключается, главным образом, во внесении в круглые фигуры нового элемента — смелого, одушевленного движения. Над всеми мастерами эпохи Перикла выдается афинянин Фидий (около 500—432 г. до Р. Хр.). Его творчество выразилось преимущественно в статуях богов, наделенных дивным благородством и неземным величием. Вникнув глубоко в характер главных олимпийцев, он создал прекрасные и типические их образы, которых держалось потом античное ваяние во все последующее время (хризэлефантинная статуя Афины-Девы для Парфенона, бронзовая статуя той же богини, как градохранительницы, стоявшая в афинском Акрополе, хризэлефантинный Зевс Олимпийского храма и др.).

В. До нас не дошло почти никаких остатков эллинской живописи, которые относились бы прямо к ней. Единственные источники для нашего суждения в этом случае суть рассказы древних писателей о живописцах и их произведениях, рисунки на расписных вазах, во множестве собранных в наших музеях, да слабые копии и подражания знаменитым композициям гр. мастеров, сохранившиеся в стенной живописи Помпеи и др. мест. Поэтому составить себе точное понятие о греч. живописи весьма трудно. Не подлежит, однако, сомнению, что она развилась позже скульптуры, равно как и то, что в сравнении с этой последней имела в гр. искусстве второстепенное значение, хотя и пользовалась большим уважением. Техника ее была различна смотря по роду и назначению произведения: стенные изображения писались по известковому грунту аль-фреско; станковые картины — на деревянных досках, способом ин-темпера; с IV в. для тех и других вошла, кроме того, в употребление энкаустика. Свое содержание живопись почерпала из мифологии и героических сказаний и в их выборе, равно как и в композиции, придерживалась барельефов, располагая фигуры в ряд, одна подле другой, и редко отодвигая их на второй и задний планы. Замечательно, что греки, живя под приветливым небом, среди роскошной природы, озаряемой роскошным сиянием солнца, были равнодушны к пейзажу и не только не пытались воспроизводить его в первую пору своего

Древние писатели сохранили нам имена нескольких мастеров, способствовавших первым заметным успехам, сделанным живописью в Аттике. Из этих художников наиболее заслуживает внимания Кимон Клеонский (из маленького городка в Арголиде), который стал впервые изображать фигуры в различных сокращениях и явился в исторической живописи предшественником знаменитого Полигнота, украсившего своими произведениями многие публичные здания Афин и в особенности замечательными фресками портик Лесхе в Дельфах. Здесь на одной стене он представил в многофигурной композиции уже взятую греками Трою и их отплытие из-под ее стен, а на другой — посещение Одиссеем подземного мира. Это были еще только раскрашенные очерки на цветном фоне, без теней и перспективы, исполненные лишь четырьмя красками, но производившие сильное впечатление ясностью и одушевленностью своей композиции. Одновременно с Полигнотом или вскоре после него трудились по части живописи другие художники, в том числе Опат, Микон, Дионисий и брат Фидия, Панэн, более известные в качестве скульпторов, и два даровитых афинянина, Агафарх и Аполлодор, занимавшиеся преимущественно декоративными работами для театра и частных жилищ. Последний из названных мастеров ввел в живопись более сильное округление фигур посредством обозначения света и теней. После Пелопоннеской войны процветание живописи переходит на некоторое время в малоазиатские колонии, особенно в Ефес. Заслуга возникшей здесь весьма сильной ионической живописной школы состоит в выработке более обильного тонами и мягкого колорита, в живой и нежной моделировке и в достижении вполне реалистического эффекта. Главными представителями этой школы были Зевксис и Парразий. Но самым знаменитым представителем этой школы, а вместе с тем и всей греч. живописи был Апеллес, живший во второй половине IV в. и сумевший соединить в своем творчестве лучшие качества ионического и сикионского направлений, вследствие чего его можно назвать Рафаэлем античного мира. Свобода рисунка и приятность красок составляли его силу; но главными достоинствами его произведений были дивная грация и задушевность выражения. Самым обворожительным, бесценным между его произведениями была написанная для о-ва Коса картина, изображавшая Афродиту Анадиомену, т. е. выходящую из морских волн и выжимающую из косы своей воду.

После смерти Александра Македонского живопись стала все более и более пристращаться к непросветленному идеей натурализму, к сценам домашнего быта и к предметам неодушевленной природы; тем не менее еще находились художники, создававшие немало прекрасного в возвышенном роде, как, напр., Тимомах, последний из значительных живописцев Греции, снискавший себе славу картиною: "Аякс и Медея". В наступивший затем период господства роскоши могущественной соперницей живописи явилась мозаика как более дорогой и эффектный род украшения жилищ. Лучшим мастером по этой части был Соз, исполнивший, между прочим, мозаичный пол, в квадратах которого были весьма натурально изображены невыметенные остатки пиршества и голуби, пьющие воду и оправляющие свои перья, сидя на краях сосуда.

В заключение можно сказать, что в течение всего процветания греч. искусства живописьнаходила широкое применение себе как средство для оживления архитектурных и скульптурных произведений. Здания, даже построенные из превосходного мрамора, раскрашивались в разные цвета, расписывались орнаментами. Следы этой полихромии сохранились на многих памятниках зодчества даже до нашего времени.

Естественным последствием высокого развития искусства у греков было удивительное изящество многих продуктов их промышленности, каковы, напр., различные предметы утвари, расписные вазы, терракотовые фигуры, геммы, ювелирные изделия и т. п. И в этой области древн. Эллада оставила в наследство другим странам и позднейшим векам немало образцов, вечно прекрасных и достойных подражания.

Г. Греческие вазы не были похожи на горшки, в которые ставят цветы. Это глиняные сосуды изящных форм. Их использовали, чтобы хранить масло, в них смешивали вино с водой, их клали в могилы с усопшими. 
 
В греческой вазописи IX-VIII вв. до н.э. складывается геометрический стиль. Лучшие образцы – афинские амфоры VIII вв. до н.э. Рисунки исполнены блестящей черно-коричневой краской, условно называемой лаком. Они расположены горизонтальными фризами, четко отделенными один от другого. В каждой полосе – орнаменты – треугольники, покрытые сеткой, ромбы с точкой посередине, меандры – стилизованное изображение волны, которые потом широко использовались и в архитектуре и в декоративном искусстве античного мира.  
 
На рисунке сверху орнамент – меандры, снизу орнамент волна 
 
Часто художник изображал фигурки зверей и птиц, розетки  стилизованные листья, а так же кресты с загнутыми под прямым углом концами – солярный знак (солнечный).

 

С конца VII века геометрический стиль вазописи уступает место чернофигурному, который достигает расцвета в Аттике к VI веку до н.э. Мастера использовали густой темный лак и подкрашивали естественный цвет глины охрой, чтобы после обжига она приобрела ровный оранжево-красный тон. На фоне, свободном от орнаментов, четко выделялись силуэты людей и животных, нарисованных черным лаком. Но сам рисунок был условный и плоскостный.

Для того, чтобы не быть ограниченными в передаче движения и чтобы появилось больше возможностей для изображения человека и животных, греки изобретают краснофигурную вазопись с конца VI века до н.э. Тут все наоборот. Лаком заполняют весь фон, кроме изображения,  а потом на этом изображении тонким пером прорабатывают детали одежды, тел и лиц. Фоном становится черный лак, а изображение – имеет цвет глиняного материала самой вазы.

 

 

 

 

2. Древнеримское искусство.

 

Древнеримское искусство фактически ведёт отчёт с II в. до н. э. Республиканский Рим стремился не к созерцательному познанию мира, а к практическому им обладанию. В своём развитии Рим «не только не представляет места эстетическому опыту в системе ценностей своей культуры, но намеренно и упорно не хочет его признавать. Только архитектура имеет право на признание — и то, главным образом, как средство, пригодное для использования в целях управления общественными делами, и как военная инженерия, необходимая для ведения войн».

Рим не имел эстетической традиции или образа, связанного с идеей о природе или о сакральном. Поэтому всё, что относилось к изобразительности (будь то этрусское или греческое искусство) считалось чуждым и посему опасным для сохранения жёсткой суровой традиции образа жизни. Искусство было недостойным низким ремеслом для римского гражданина (так говорил Катон). Однако искусство других народов, трофейное, считалось достойной наградой победителю. Выставленное на форуме, оно свидетельствовало о римской доблести и становилось достоянием отечественной истории (так говорил Цицерон). Возникла новая эстетика: искусство рассматривалось как история в образах, доступная и простакам.

Также искусство имело воспитательную роль и становилось орудием управления. Этрусское искусство очень подходило для подкрепления этого тезиса. Эллинистическое, хоть и построенное на созерцании и познании, философии прекрасного — использовалось римлянами в утилитарных целях.

Первые непосредственные контакты Рима с изобразительной культурой эллинизма восходят к III веку до н. э. — через Великую Грецию. В II в. до н. э., после покорения Греции, они становятся интенсивными. В следующем столетии, при императоре Августе, классическое искусство стало официально-государственным (августовский классицизм). Параллельно с ним, в Италии существовало более разнообразное эллинистическое течение, которое в период упадка империи смешалось с провинциальными направлениями. Так в Риме, месте встречи цивилизаций, установился художественный плюрализм.

А. Римское строительство было новаторским. Хотя оно пользовалось достижениями эллинистического зодчества (с его разработанной пространственностью), все равно оно проводит в жизнь свою концепцию, с новым подходом к пространству и архитектурной форме. Архитектуру питали практические и идеологические интересы республики, поэтому прогресс строительной техники шел так быстро, в особенности касательно конкретных задач (водопровод, очистные сооружения, опорные стены, военные машины, лагеря). В позднюю республику уже ощущается потребность украшать город. При Сулле возникают крупные общественные постройки (например, табуларий), город благоустраивают. Цезарь разрабатывает генплан, узаконивая его постановлением («О процветании города»), который решает проблему роста населения и ухудшения санитарных условий. Проект этот осуществляется полностью уже Агриппой и Августом. Запечатлевать в облике города след своего правления для императоров стало традицией. Они улучшали бедняцкие кварталы, строили монументальные здания, разбивали сады и площади. Рим был торжественным символом государственной власти, как и позже, при папах.