Западная Европа 17 век

Франсиско Сурбаран. Наряду с Риберой одним из крупнейших испанских художников 17 века может быть назван Франсиско Сурбаран (ок. 1598—1664 гг.). Сын эстремадурского крестьянина, он учился и жил в Севилье. Хотя Сурбаран имел звание придворного художника короля, его основными заказчиками были испанские монастыри, в силу чего религиозная тематика имеет преобладающее значение в его творчестве. Однако трактовка религиозных сюжетов отличается в лучших работах Сурбарана, относящихся к раннему и среднему периоду творчества, суровым реализмом и строгой простотой. Его искусству всегда присущи монументальность, величавое спокойствие композиций и сдержанная, но глубокая выразительность образов, трактованных, как правило, очень индивидуально. Элементы портретности, свойственные религиозным образам Сурбарана, являются одним из ярких проявлений его реализма.

Сурбаран был одним из своеобразнейших колористов испанской школы. Колорит его картин строится обычно на сочетании немногих тонов, даваемых большими планами. Живопись Сурбарана отличается большой предметностью, материальностью в трактовке человеческого тела, одежды, натюрморта. Его манера развивается от резкой контрастности светотеневых переходов в ранних работах к большей свободе, живописному единству и разнообразию красочных оттенков в произведениях, выполненных после середины 1630-х годов.

К числу наиболее значительных работ Сурбарана принадлежит цикл картин, иллюстрирующих легенду о жизни св. Бонавентуры (1629). Отдельные эпизоды этой легенды трактуются художником как сцены из жизни современного испанского монастыря. Так, в одной из лучших картин серии — «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским» (Берлин), Сурбаран со свойственной ему простотой и убедительностью передает монастырскую келью и спокойные, величественные фигуры монахов. Последние несомненно являются портретами каких-то конкретных лиц. Другая картина той же серии — «Молитва св. Бонавентуры во время избрания папы» (Дрезденская галерея) показательна для Сурбарана монументальностью композиции, одухотворенностью образа молящегося монаха, мастерством в передаче освещения и колоритом, построенным на сопоставлении больших пятен серого и красного.

Очень характерны для искусства мастера и отдельные изображения святых, отличающиеся конкретностью характеристик и большой, но внешне сдержанной эмоциональностью («Св. Лаврентий», 1636, Эрмитаж).

Величавая простота композиций, острое чувство инидивидуального характера, выразительность трактовки присущи и портретам Сурбарана, среди которых лучшими могут считаться портрет Иеронима Переса (ок. 1633 г., Мадрид, Академия Сан Фернандо) и портрет доктора Саламанкского университета (конец 1650-х гг., Бостон, Музей).

В картинах, изображающих женщин-святых, Сурбаран запечатлел образы современных ему севильянок в модных костюмах, переданных с блестящим живописным мастерством. В женских образах Сурбарана меньше сдержанности и строгости; им присущи скорее черты светскости и нарядности.

Сурбаран был одним из немногих испанских художников, уделявших внимание натюрморту. Его натюрморты отличают простота и цельность композиции, строгость рисунка, прекрасное чувство формы, мастерство в передаче материала.

В поздний период творчества мастера в его искусстве можно отметить появление идеализирующих тенденций и черты мистицизма. Последнее особенно характерно для ряда картин, изображающих Франсиска Ассизского (Лион, Барнард-Кастль и др.).

Диего де Сильва Веласкес. Центральной фигурой испанской художественной школы 17 века и вместе с тем одним из величайших художников Западной Европы был Диего де Сильва Веласкес (1599—1660). Он родился в Севилье в семье обедневшего дворянина. Еще мальчиком Веласкес поступил в мастерскую севильского художника Пачеко — характерного представителя «романизма», преклонявшегося перед итальянским искусством и особенно Рафаэлем. Пачеко был хорошим педагогом и одним из образованнейших людей своего времени. В течение нескольких лет пребывания в его мастерской Веласкес получил прекрасную профессиональную подготовку. Но влияние учителя не ощущается даже в ранних работах Веласкеса. Обладая очень яркой художественной индивидуальностью, он сразу пошел по самостоятельному пути. ворческое наследие выдающегося испанского живописца Диего Веласкеса (1599—1660) включает многочисленные портреты, произведения на бытовые темы, исторические, религиозные и мифологические сюжеты[1]. Представленный ниже список картин, созданных Веласкесом с 1617 по 1660 год, разделён на периоды, связанные с местами его жизни и деятельности — от вступления, по завершении обучения, в гильдию художников в Севилье до смерти в Мадриде в статусе придворного живописца короля Испании Филиппа IV.

Эль Гре́ко (исп. El Greco буквально «Грек», настоящее имя Доме́никос[1] Теотоко́пулос[2], греч. Δομήνικος Θεοτοκόπουλος; 1541—1614) — испанский художник. По происхождению — грек, уроженец острова Крит.

Эль Греко не имел последователей-современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти — мастер занял почётное место в ряду важнейших представителей европейского изобразительного искусства.Эль Греко учился в мастерской Тициана, но, однако, техника его живописи существенно отличается от техники его учителя. Для работ Эль Греко характерны быстрота и экспрессивность исполнения, которые приближают их к современной живописи.Большинство его произведений исполнены следующим образом: линии рисунка наносились на поверхность белого клеевого грунта, который затем покрывался имприматурой коричневого цвета — жжёной умброй. Краска наносилась так, чтобы белый грунт частично просвечивал через неё. Затем следовала моделировка форм в светах и полутонах белилами, и полутона при этом приобретали удивительный, характерный для Эль Греко серый перламутровый тон, которого невозможно добиться простым смешением красок на палитре. В тенях коричневая подготовка часто оставалась совершенно нетронутой.Поверх этого подмалёвка уже наносился красочный слой, как правило, очень тонкий. Местами он состоит практически из одних лессировок, которые лишь слегка прикрывают белый грунт и имприматуру. К примеру, на эрмитажном полотне «Апостолы Пётр и Павел» голова Петра написана одними лессировками без белил, благодаря чему её изображение даже не фиксируется на рентгенограмме.Важную роль в технике живописи Эль Греко играет крупнозернистый холст, который активно формирует фактуру живописной поверхности.Колорит картин Эль Греко чрезвычайно богат и насыщен — на красочной поверхности вспыхивают оранжевые, красные, розовые мазки различных оттенков; переливаются и мерцают оливковые, жёлтые, зелёные и фиолетовые одежды, выполненные лессировками. Благодаря таланту художника всё это соединяется в единой цветовой гармонии.Наряду с Веласкесом, Эль Греко является одним из основных представителей испанского барокко

Бартоломе́ Эсте́бан Мури́льо — ведущий испанский живописец «золотого века», глава севильской школы.к ак в этих картинах, так и в других религиозных произведениях своих, Мурильо поражает свободой, смелостью и силой, с какими его пламенное одушевление идеальными темами выливается в реалистические, национально-испанские формы. Пылкость фантазии иногда мешает ему быть стильным в композиции, но зато он всегда полон жизни и превосходен в колорите и светотени. В начале среднего периода его творчества, колорит его достигает до редкого богатства теплых, пропитанных светом локальных красок, которые потом, в эпоху полного развития его мастерства, приводятся к одному, легкому, воздушно-прозрачному общему тону, как нельзя более подходящему к его спиритуалистическим, сверхъестественным сюжетам. Мурильо писал также и сильно реалистические жанры из севильской простонародной жизни, известные под названием «Уличных ребятишек» — мальчиков и девочек, занятых едой, игрой в кости, счетом мелких монет, продажей фруктов и т. П. Мурильо занимался также пейзажной и ландшафтной живописью. При учреждении в Севилье, в 1660 г., Академии художеств, в которой впервые официально введено изучение нагого человеческого тела, он был сделан её директором, вследствие чего, а ещё более благодаря своему высокому таланту и славе, оказал сильное влияние на многих живописцев местной школы

Фландрия.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

Питер Пауль Ру́бенс[1] (нидерл. Pieter Paul Rubens, МФА: [ˈpitər 'pʌul 'rybə(n)s]; 28 июня 1577, Зиген — 30 мая 1640, Антверпен) — плодовитый южнонидерландский (фламандский) живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа. Рубенс никогда не стеснялся подражать тем из предшественников, которые восхищали его, и особенно Тициану с Брейгелем. Первое десятилетие его творчества представляет картину трудолюбивого и методичного освоения достижений художников XVI века. Благодаря такому подходу он освоил все жанры ренессансной живописи и стал самым универсальным художником своего времени.

Композиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские», которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью.

В 1610-е гг. Рубенс разрабатывает новые для фламандской живописи формы, в частности, жанр охотничьих сцен, которые проникнуты страстной динамикой зрелого барокко («Охота на крокодила и гиппопотама»). В этих работах вихрь композиционного движения сносит ограничения, традиционно налагаемые на художников линией и формойРубенсовские мазки поражают смелостью и свободой, хотя при всей широте их он никогда не впадает в пастозность. Его непревзойдённое искусство владения кистью очевидно и в многометровых композициях 1620-х годов, и в точных, лёгких, подвижных мазках небольших работ последнего периода.

Антонис Ван Дейк. Среди художников фламандской школы 17 века, особенно способствовавших ее славе, первое после Рубенса место принадлежит Антонису Ван Дейку (1599—1641). Он часто называется учеником Рубенса, но формально им не был, поступив к нему в мастерскую по окончании обучения у малозначительного живописца Хендрика ван Балена. Тем не менее развитием своего таланта он всецело обязан Рубенсу, у которого почти сразу стал главным помощником. Богато одаренный, Ван Дейк представляет тип очень рано сформировавшегося художника, и первые его картины, где по мастерству он почти равен Рубенсу, исполнены им еще юношей. На своих ранних автопортретах Ван Дейк производит впечатление баловня счастья, одаренного обаятельной, несколько женственной наружностью. Он очень заботится об этой наружности и манерах, явно позирует и старается, между прочим, обратить внимание на свои красивые руки (Автопортрет, 1620-е гг., Эрмитаж).

Якоб Иордане. Аристократизирующему искусству Ван Дейка особенно резко противостоит последовательно реалистический характер творчества третьего крупного художника Фландрии — Якоба Иорданса (1593—1678). И тот и другой по происхождению принадлежали к одному и тому же кругу, но своеобразие творческой индивидуальности определило иной характер его живописи. Подобно Рубенсу, он работал у ван Ноорта, причем влияние последнего на него было более длительным, так как и после приобретения прав вольного художника Иордане остался в тесной связи с учителем, женившись на его дочери. Став впоследствии одним из лучших помощников Рубенса, он обязан ему многими сторонами своего искусства, но в то же время не утратил собственной индивидуальности. Пережив и Рубенса и Ван Дейка, Иордане сделался в середине 17 века виднейшим фламандским живописцем, деятельность которого не ограничивалась кругом антверпенских заказчиков. В частности, он работал для Голландии и был привлечен к созданию декоративных росписей в резиденции голландского штатгальтера Хейс Тен-Босх в Гааге.Круг тем этого мастера разнообразен, но его искусство, пишет он религиозные или светские картины, остается строго реалистическим. Иордане не выходит из рамок миропонимания буржуазной среды, сохраняет ее трезвый взгляд на окружающий мир и отражает действительность в крепких, неприкрашенных и несколько тяжеловатых формах.Для характеристики этого мастера особенно показательны его жанровые вещи, и в первую очередь много раз варьировавшаяся им тема «Король пьет», или «Бобовый король». Эрмитаж обладает одним из лучших ее вариантов, исполненным около 1638 года. Сюжет — семейная пирушка за обильно уставленным столом. Старший член семьи, увенчанный шутовской короной, подымает заздравный бокал, вокруг три поколения обоего пола предаются шумному веселью. В типах тщетно было бы искать утонченности, подробности сцены отдают подчас грубостью, но на всем лежит печать подлинного веселья, здоровья и удовлетворенности окружающим. Как характерный образец реалистического и несколько грубоватого искусства Иорданса может служить также картина «Сатир в гостях у крестьянина» (Москва, ГМИИ).В не меньшей мере реализм Иорданса находит выражение в его портретах. Упитанные, самодовольные, не старающиеся казаться иными, чем они есть на самом деле, модели мастера являют типичные образы представителей восходящей буржуазии («Портрет старика», Эрмитаж, портрет четы ван Сурпель, Лондон, частное собрание).В композиционном отношении и в живописных приемах Иордане имеет много общего с Рубенсом. Его фактура уверенна и широка, колорит эффектен, но все же далек от тонкостей колорита Рубенса.

Франс Снейдерс. Для характеристики основных явлений фламандской живописи 17 века очень существенно отметить многочиеленность работ в таких специальных областях, как изображение животного мира и натюрморт. Наиболее выдающимся среди художников, специализировавшихся в этих видах живописи, является Франс Снейдерс (1579—1657). Друг и сотрудник Рубенса, он развился в крупного художника главным образом благодаря влиянию последнего и писал сцены охоты, а также натюрморты.Полные напряженной динамики, охотничьи сцены Снейдерса имели огромный успех. Уверенный рисунок, отличное знание характерных особенностей тех или иных животных шли у него рука об руку с красочной декоративностью и мастерством техники. Те же достоинства отличают и натюрморты Снейдерса (серия лавок, 1620-е гг., Эрмитаж). Тяжелые столы ломятся под грудами всякой снеди. Все, что дает плодородная почва Фландрии: плоды, овощи, фрукты, дичь, которой изобилуют ее леса, все, что захватывают сети отважных фламандских рыбаков, громоздится горами, свисает и падает за дубовые прилавки. Краски, формы, поверхности ласкают глаз, дразнят аппетит и славят довольство богатой дарами страны. Встречающиеся на таких картинах фигуры писались, как правило, другими художниками, в том числе Рубенсом и Ван Дейком.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембрандта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».Характерной особенностью голландской школы живописи 17 столетия является узкая специализация художников по отдельным видам тематики. Эта специализация приводит к дифференциации жанров... Проблема передачи света и воздуха является общим и основным живописным исканием голландской школы 17 века.

В 1640–1660-х гг. ведущим в голландской живописи был бытовой жанр. Картины, изображающие самые обычные моменты действительности, удивительно поэтичны и лиричны. Главный объект внимания живописцев — человек и окружающий его мир. Большинство жанровых композиций отличается спокойной повествовательностью и отсутствием драматизма. Они рассказывают о домашних заботах хозяйки дома (покупка провизии, забота о детях, занятия рукоделием), о развлечениях голландского бюргера (игра в карты, прием гостей, концерты). Художники изображают все то, что происходит в доме зажиточного горожанина, обходя вниманием общественную сторону жизни человека

В отношении тематики и изобразительных приемов в голландской живописи 17 века всецело господствует начало реализма. От художника требовалась прежде всего правдивая передача внешних форм окружающей жизни во всем многообразии ее явлений.