Западная Европа 17 век

В то же время реалистические тенденции находят свое развитие в творчестве ряда итальянских мастеров, преимущественно работавших вне Рима.

С шестидесятых годов 17 века открывается последняя, наиболее длительная фаза развития барочного искусства Италии, так называемое «позднее барокко». Оно характеризуется меньшей строгостью построения композиций, большей легкостью фигур, особенно заметной в женских образах, нарастающими тонкостями колорита и, наконец, дальнейшим усилением декоративности.

Джованни Баттиста Гаули. Главнейшим выразителем новых тенденций живописи является Джованни Баттиста Гаули (1639—1709), известный и как станковист и как художник, создавший ряд фресок. Его искусство тесно примыкает к искусству позднего Бернини. К лучшим работам Гаули принадлежат его ранние, выдержанные в светлых тонах росписи парусов церкви Сант-Аньезе-ин-пьяцца-Навона в Риме (ок. 1665). Вместо евангелистов, наиболее распространенных в этих местах церковной архитектуры, Гаули изобразил отличающиеся легкостью форм аллегорические сцены христианских добродетелей. Особенно привлекательна та, в которой представлены две юные девушки, из которых одна возлагает венок цветов на другую. Произведениями зрелого стиля Гаули являются росписи плафона, купола и конхи абсиды главной церкви иезуитского ордена Иль-Джезу в Риме (1670-е—начало 1680-х гг.). Этот плафон, известный под названием «Поклонение имени Иисуса», очень показателен для стиля позднего барокко. Среди написанной архитектуры, продолжающей реальные формы церкви, представлено уходящее в глубину небесное пространство, заполненное неисчислимыми фигурами, как волны переливающимися от темных к все более светлым группам. Другим видом живописных работ мастера являются его лишенные всяких декоративных прикрас, психологически великолепно охарактеризованные портреты современников («Папа Климент IX», Рим, Галерея св. Луки; «Портрет Бернини», Рим, Галерея Корсини).

Андреа Поццо. Искание иллюзорности архитектонических построений достигает своего высшего развития в творчестве Андреа Поццо (1642—1709). Его капитальнейшее произведение — плафонная фреска церкви Сен-Иньацио в Риме, обозреваемая из центрального нефа, изображенными на ней ярусами террас, аркад, колоннад вздымающихся стен, над которыми среди множества фигур выделяется Игнатий Лойола, — создает иллюзию архитектурного пространства. Подобно другим аналогичным плафонам, стройность и правильность построения сразу же нарушаются, как только зритель отходит от точки, на которую она была рассчитана.

К наиболее известным мастерам декоративной живописи принадлежит также неаполитанец Лука Джордано (1632—1705). Талантливый и чрезвычайно плодовитый мастер, он был все же лишен внутренней силы и оригинальности и нередко подражал другим художникам. К лучшим его работам принадлежит прославляющий род Медичи плафон флорентийского Палаццо Рикарди.

В области станковой живописи из современников названных художников выделяется принадлежащий римской школе конца 17 века Карло Маратта (1625—1713). Он занял место крупнейшего представителя позднего барокко. Его алтарные картины отличаются плавностью линий и величавым спокойствием композиций. Столь же сильным художником он обнаружил себя и в области портрета. Среди его работ выделяется острый по характеристике и великолепный по живописи эрмитажный «Портрет папы Климента IX» (1669). Работавший в Неаполе Франческо Солимена (1657—1749) в своих библейских и аллегорических картинах резкими контрастами света и тени приводит на память приемы Караваджо, но использует их в чисто декоративных композициях. Поздний болонец Джузеппе Мария Креспи (1664—1747), являющийся одним из одареннейших художников рассматриваемого периода, оказал сильное влияние на живопись 18 века. Мастера характеризует сильно выраженная реалистическая направленность. Она проявляется как в религиозных композициях, так еще нагляднее в его бытовых картинах («Кончина святого Иосифа», ок. 1712 г., Эрмитаж; «Серия Таинств», 1710-е гг., Дрезденская галерея).

Сальватор Роза (Salvator Rosa) — итальянский живописец, гравер, поэт и музыкант. Принадлежа по направлению дарования к натуралистам неаполитанской школы живописи, имея некоторое сродство со своими учителями, Риберой и Фальконе, Роза тем не менее выказал, при большом разнообразии в выборе сюжетов, много оригинальности в их трактовке. В картинах на исторические темы он умел соединять реалистичность изображения с благородством оживленной композиции и с сильным выражением идеи. Лучшей из таких картин считается «Заговор Катилины» (в галерее дворца Питти, во Флоренции). В числе прочих произведений Розы в этом роде достойны внимания особенно: «Ангел и Товия» и «Явление Саулу тени Самуила» (в Луврском музее, в Париже), «Иона в Ниневии» и «Кадм и Минерва» (в копенгагенской галерее), «Распятие» (в Брауншвейгском музее), «Прометей» (в Гаагской галерее), «Блудный сын», «Улисс и Навзикая» и «Демокрит и Протагор» (в Императорском Эрмитаже) и некоторые др.

ИСПАНИЯ

Испания, в XVII в. переживавшая упадок, пребывавшая под властью не столько короля, сколько церкви, дала особый настрой барочной литературе: здесь барокко приобрело не только религиозный, но и фанатический характер, активно проявлялось стремление к потустороннему, подчеркнутый аскетизм. Однако именно здесь ощущается влияние народной культуры. Особое значение в испанском барокко приобретает драматургия. Барочные мастера работали преимущественно в жанре трагедии или драмы.

Расцвет испанской национальной культуры и искусства несколько запаздывает по сравнению с периодом экономического и политического подъема в Испании.

На протяжении большей части 16 века в художественной жизни страны видную роль играли иноземные мастера, и воздействие зарубежных художественных школ нередко оказывалось определяющим. Лишь в последние десятилетия 16 века начинается подлинное возрождение испанской национальной культуры. Расцвет ее был столь ярким, что столетие с 80-х годов 16 века по 80-е годы 17 века принято называть «золотым веком испанской литературы и искусства».

Подъем национальной культуры начинается с литературы. Уже во второй половине 16 века Испания выдвигает такого крупнейшего писателя, как Сервантес. Несколько позже выступает плеяда блестящих драматургов — Лопе де Вега, затем Тирсо де Молина и Кальдерон.

На рубеже 16 и 17 веков складывается и отмеченная яркими национальными чертами испанская художественная школа. Несмотря на то, что испанское искусство развивалось в условиях феодально-абсолютистского режима в стране, которая явилась главным оплотом феодально-католической реакции, творчество лучших его представителей в период расцвета характеризуется реализмом, народностью, ярко выраженными демократическими чертами. Те же особенности присущи всей испанской культуре «золотого века» и находят выражение в творчестве лучших представителей испанской литературы (Сервантес, Лопе де Вега).

Эти черты испанской культуры, как и самый ее расцвет, были обусловлены всем предшествующим ходом исторического развития Испании. Своеобразие этого развития определяла прежде всего реконкиста. Многовековая национально-освободительная война испанцев имела общенародный характер. Ее главной движущей силой было крестьянство, очень рано освободившееся от крепостной зависимости. Испанский народ творил свою историю в условиях жестокой борьбы с иноземными захватчиками. В этой борьбе выковывалось и крепло национальное самосознание испанского народа. Крестьяне и городские ремесленники пользовались значительными вольностями в Испании и играли активную роль в общественной и политической жизни страны. В ходе реконкисты формировалась и утверждалась народная основа испанской культуры. И хотя в дальнейшем героический испанский народ был порабощен королем, дворянством и духовенством, а многочисленные народные восстания подавлялись, чувство национальной гордости, свободолюбие, традиции общественной активности продолжали жить в испанском народе и определили некоторые особенности испанской культуры, ее народность и демократические черты.

Конечно, испанское искусство этого времени не было однородным. Наряду с передовым реалистическим направлением в нем существовали и реакционные течения, в которых доминировали идеализирующие тенденции, элементы мистицизма, отвлеченности. Эти тенденции были очень сильны в испанской культуре еще в 16 веке. Однако они не играют заметной роли в испанском искусстве первой половины 17 века, укрепляясь и получая ведущее значение лишь к концу столетия.

В изобразительном искусстве Испании преобладающее значение принадлежит живописи. Архитектура, как и скульптура, играет в этот период развития испанского искусства менее видную роль, выдвигая, однако, в конце 16 и в 17 веке ряд значительных явлений.

Архитектура 17 века в Испании отмечена сильными барочными тенденциями. Характерным представителем этого стиля в первой половине столетия является видный испанский архитектор, скульптор и живописец — Алонсо Кано (1601—1667), который создал фасад собора в Гренаде.

Во второй половине 17 века в испанской архитектуре все более усиливаются искания декоративности, пышности и живописных эффектов. Высшие достижения испанского барокко связаны с творчеством архитектора Хосе Чурригера (1665—1725) и его многочисленных последователей. К числу наиболее значительных работ Чурригеры относятся башня и ризница собора в Саламанке, а также парадный двор иезуитской капеллы и перестроенная в 17 веке ратуша в том же городе. Чурригера выполнил и много работ декоративного порядка; в частности, ему принадлежит ряд больших, резных из дерева, позолоченных алтарей. Чурригера оказал очень большое влияние на развитие испанской архитектуры. Произведения его последователей, работавших в первой половине 18 века в так называемом стиле «чуррнгереск», по богатству и сложности форм превосходят создания самого Чурригеры. Стиль «чурригереск» характеризуется своеобразным смешением барочных и готических мотивов, живописностью и динамизмом архитектурных композиций, обилием, сложностью и причудливостью декоративных форм.

Главными заказчиками искусства в Испании были господствовавшие в стране дворянство и католическая церковь. Это определило и ограничило тематику испанской живописи. Религиозные сюжеты играют в ней преобладающую роль. Среди светских жанров особенное значение принадлежит портрету. Жанроные сюжеты (почти исключительно из народной жизни) получают значительно меньшее распространение. Натюрморт занимает в испанской живописи довольно скромное место. Еще реже встречается пейзаж. Мало развита и мифологическая живопись.

Монументально-декоративная живопись не получает в Испании почти никакого развития. Испанская живопись развивается исключительно как станковая, однако характеризуется монументальностью композиций, что соответствует обычно большому размеру картин. Сурова я простота, серьезность и жизненность, присущие испанскому искусству, сочетаются с глубоким драматизмом и выразительностью образов. Последние, как правило, имеют народный, демократический характер и нередко отличаются ярко выраженными индивидуальными чертами. Стремление к идеализации так же чуждо лучшим представителям испанской живописи первой половины века, кик и искания декоративности и эффектности. Последние усиливаются лишь во второй половине столетия. Испанские художники уделяют большое внимание живописным проблемам, многие из них заслуженно считаются крупнейшими колористами в западноевропейском искусстве.

Ведущими художественными центрами Испании с конца 16 века являются Валенсия и особенно Севилья — города, дольше других сохраняющие и свое экономическое значение. Несколько позже видную роль в художественной жизни Испании начинает играть ее столица — Мадрид.

Начало развития национальной реалистической испанской живописи положено творчеством ряда мастеров, работавших в конце 16 — начале 17 века. Среди них особенно крупными были Франсиско Рибальта (первая половина 1550-х гг. — 1628 г.) в Валенсии и Франсиско Эррера Старший (ок. 1576—1656 гг.) в Севилье. Эррера сыграл очень важную роль в развитии испанской реалистической жанровой живописи.

Хоге. Рибера. Одним из самых характерных и значительных мастеров испанской живописи первой половины 17 века был Хосе Рибера (ок. 1591—1652гг.). Он родился в городке Хативе в Южной Валенсии. Учился в Валенсии у Франсиско Рибальты и уже в его мастерской соприкоснулся с новыми реалистическими тенденциями в искусстве. В 1610-х годах Рибера едет в Италию, где изучает искусство итальянских мастеров — венецианцев и Корреджо. Но особенно сильное впечатление производят на него работы Караваджо. Около 1620 года Рибера поселяется в Неаполе, где становится придворным художником неаполитанского вице-короля, и в дальнейшем его творческая деятельность неразрывно связана с этим городом. Однако искусство Риберы в полной мере сохраняет ярко выраженный национальный характер.

В творчестве Риберы, как и в творчестве многих других испанских художников того времени, видную роль играет религиозная тематика. Особенно показательны для мастера картины, изображающие различные сцены мучений или отдельные фигуры святых. Суровый драматизм и глубокая эмоциональность сочетаются в его работах с жизненностью и строгим реализмом трактовки. Демократический характер образов, передаваемых без всякой идеализации, роднит искусство Риберы с Караваджо, так же как и пристрастие к сильным контрастам светотени и темному колориту. Уже в ранних работах художника проявляется его мастерство в передаче человеческого тела, энергично моделированного светотенью.В поздний период творчества (примерно с середины 1630-х г.) живописная манера Риберы делается более свободной, резкость переходов светотени смягчается, колорит светлеет, в нем преобладают золотистые или серебристые тона, освещение становится более естественным. Прекрасными образцами позднего творчества Риберы могут служить «Св. Онуфрий» (1637, Эрмитаж) и «Св. Инеса» (1641, Дрезденская галерея) — одна из самых привлекательных и мастерских по выполнению работ художника.Большой интерес представляет и ряд картин Риберы, изображающих античных ученых или философов — Архимеда, Диогена и т. д., в которых художник фактически дает очень характерные и выразительные, индивидуально трактованные образы испанских или итальянских простолюдинов. Для демократического характера искусства Риберы крайне показательна и его знаменитая поздняя картина «Хромоножка» (1642, Лувр), где он со строгим реализмом, чуждым всякой сентиментальности, создает жизненно правдивый образ нищего-калеки.Рибера был не только замечательным живописцем, но и крупнейшим испанским графиком 17 века. Его офорты разнообразны по тематике и отличаются большим композиционным мастерством, тонкостью и богатством фактуры, разнообразием технических приемов. Всем им присущи характерная для искусства мастера в целом строгая правдивость и жизненная убедительность. К числу наиболее значительных графических работ Риберы принадлежат «Мучение св. Варфоломея» и «Силен».Искусство Риберы, его реалистические достижения и мощный живописный темперамент оказали сильное влияние на творчество многих итальянских и испанских художников 17 века.