Учение Аристотеля о трагедии

 

 

 

Учение Аристотеля о  трагедии

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

20.10.2012

 

 

 

 

 

 

 

Аттический театр

     Аттика, область  в Средней Греции, и её столица,  Афины, — родина античной драмы  (поэтому её и принято называть  аттической).

     Представьте  себе Афины V века до н. э. во время одного из двух Дионисовых празднеств в году, зимой или весной. На склоне Акрополя уступами расположился театр Диониса, больше напоминающий современный стадион, трибуны с местами для зрителей. Почти все полноправные граждане Аттики присутствуют здесь. В течение четырёх дней им предстоит посмотреть пятнадцать драм, а судьям — выбрать лучшего из трёх трагиков и лучшего из трёх комиков (авторов трагедий и комедий). Зрителям не придётся платить за вход; напротив, им выплатят их дневной заработок. Ведь не только хористы, вступающие на круглую открытую площадку театра (орхестру), не только актёры, которые скоро выйдут из дверей деревянной палатки позади (скенэ), но и зрители, наблюдающие за действом, участвуют в священном ритуале. Они собрались в театре Диониса, чтобы совместно, всем городом, почтить бога.

     Вот что писал  об аттическом театре В. Гюго: “Театр древних, подобно их  драме, грандиозен, торжествен, эпичен. Он может вместить тридцать  тысяч зрителей; здесь играют  под открытым небом, при ярком  солнце; представление длится целый  день. Актёры усиливают свой голос,  закрывают масками лица, увеличивают  свой рост; они становятся гигантскими,  как их роли. Сцена имеет колоссальные  размеры. Она может одновременно  изображать внутренний и внешний  вид храма, дворца, лагеря, города. На ней развёртываются огромные  зрелища… Архитектура и поэзия  — всё носит монументальный  характер. Античность не знает  ничего более торжественного, ничего  более величественного. Её культ  и её история соединяются в  её театре. Её первые актёры  — жрецы; её сценические игры  — это религиозные церемонии,  народные празднества”.

     Основным жанром аттического театра была трагедия.

     ТРАГЕДИЯ (буквально  – козлиная песнь (греч.)), один  из основных жанров театрального  искусства. Трагедия – драматургическое  или сценическое произведение, в  котором изображается непримиримый  конфликт личности с противостоящими  ей силами, неизбежно ведущий  к гибели героя.

     Трагедия, как  видно уже из самого термина,  возникла из языческого ритуала,  сопровождавшегося т. н. дифирамбом (хоровым песнопением) в честь  древнегреческого бога Диониса.  Дифирамб включал в себя зачатки  диалога между хором и запевалой,  и именно диалог позже стал  главной формой организации всех  жанров драматургического и сценического  искусства.

     Первое фундаментальное  теоретическое исследование трагедии  предпринял древнегреческий философ  Аристотель в своей Поэтике  в 4 в. до н. э. Он определил основные признаки трагедии, на которые теоретики театра ссылаются и сегодня.

     Обязательный  составляющий элемент трагедии  – масштабность событий. В  ней всегда идет речь о высоких  материях: о справедливости, любви,  принципах, нравственном долге  и т. п. Вот почему героями  трагедии часто становятся персонажи,  занимающие высокое положение  – монархи, полководцы и т.  п.: их поступки и судьбы оказывают  решающее влияние на историческое  развитие общества. Герои трагедии  решают кардинальные вопросы  бытия. При этом неизбежная  гибель героя в финале отнюдь  не означает пессимистического  характера трагедии. Напротив, стремление  противостоять складывающимся обстоятельствам  дает обостренное ощущение торжества нравственного императива, обнажает героическое начало человеческой сущности, вызывает осознание непрерывности и вечного обновления жизни. Именно это позволяет зрителю достичь т. н. катарсиса (очищения), и показывает глубокое родство трагедии с темой циклического умирания и обновления природы.

     Много внимания  Аристотель уделил анализу композиции  трагедии, разработав т. н. принцип  единства действия, когда «…части  событий должны быть так составлены, что при перемене или отнятии  какой-нибудь части изменялось  и приходило в движение целое,  ибо то, присутствие или отсутствие  чего незаметно, не есть органическая  часть целого» (Поэтика, гл. 8). Таким образом, канон единства  действия подразумевает отображение  только тех событий, которые  оказывают значимое воздействие  на судьбу главного персонажа.

     Особый интерес  представляют размышления Аристотеля  о герое трагедии. Философ справедливо  утверждал, что героем трагедии  не может быть ни идеальный  человек, ни «вполне негодный»,  но лишь тот, «…кто не отличается  особенной добродетелью и справедливостью  и впадает в несчастье не  по своей негодности и порочности, но по какой-нибудь ошибке…» (Поэтика,  гл. 13). Только судьба такого героя  может возбудить в зрителе  жалость, сострадание и страх.  Двойственность восприятия обусловливаются  тем, что не только слабости  героя, но и его достоинства,  благие намерения в трагедии  также приводят к роковым, губительным  последствиям. Это рождает у зрителя  напряженное сопереживание герою,  оказавшемуся заложником обстоятельств.

     Историческое  развитие трагедии происходило  весьма драматично, жанр переживал  самые разнообразные трансформации,  при этом сохраняя свои основополагающие  черты.

     Основы трагедии  были заложены в древнегреческом  театре. Главной темой древнегреческих  трагедий были мифы (хотя встречались  и трагедии, написанные на современные  сюжеты – например, Персы Эсхила).

     Эволюция и  становление жанра ясно просматривается  в творчестве трех великих  древнегреческих драматургов, считающихся  основоположниками трагедии: Эсхила, Софокла и Еврипида. Эсхил первым ввел в трагедию второго актера (до него на сценической площадке действовали один актер и хор), укрупнив роли индивидуальных персонажей (Прометей, Клитемнестра и др.). Софокл значительно увеличил диалогические части и ввел третьего актера, что позволило обострить действие: герою противопоставлялся второстепенный персонаж, стремящийся отклонить его от выполнения долга (Царь Эдип, Антигона, Электра и др.). Кроме того, Софокл ввел в древнегреческий театр декорации. Еврипид повернул трагедию к реальной действительности, по свидетельству Аристотеля, изображая людей «такими, каковы они есть» (Поэтика, гл. 25), раскрывая сложный мир психологических переживаний, характеров и страстей (Медея, Электра, Ифигения в Авлиде и др.).

     Римская трагедия, сохраняя формы древнегреческой,  последовательно усиливала внешние  эффекты, сосредоточиваясь на  показе кровавых злодеяний. Ярчайшим  представителем древнеримской трагедии  был Сенека, воспитатель императора  Нерона, создававший свои произведения  по мотивам и на материале  древнегреческих трагедий (Эдип, Агамемнон,  Геракл безумный, Медея, Федра  и др.). Многие римские трагедии  были предназначены не для  постановки на сцене, а для  чтения.

 

    С падением Римской  Империи (см. также ДРЕВНИЙ РИМ), в эпоху становления христианства, театр переживал многовековый период гонений. Его возрождение началось только в 16 в. Именно тогда возродилась и трагедия, когда в Италии, под влиянием Сенеки в 16 в. сформировался жанр т. н. «трагедии ужасов». Произведения этого жанра изобиловали кровавыми сценами убийств, игрой преступных страстей и зверской жестокостью.

     «Золотым веком»  трагедии считается эпоха Ренессанса. Наиболее яркие образцы трагедии  этого времени дал английский  театр, и, конечно, в первую  очередь – У. Шекспир. Основу  сюжетов английской трагедии  составляли не мифы, а исторические  события (либо легенды, приобретавшие  статус реальности – например, Ричард III Шекспира). В отличие от античной, ренессансная трагедия имела свободную сложную композицию, обладала неизмеримо большей динамикой, выводила на сцену многочисленных персонажей. Отказ от строгих композиционных канонов, – при сохранении главных типических черт жанра, – сделал ренессансную трагедию вечной, актуальной во все времена. Это справедливо не только для английской, но и испанской трагедии Возрождения (в современном театре широко ставятся трагедии Лопе де Вега, Кальдерона). Для трагедии Ренессанса характерен отказ от полной чистоты жанра, истинно трагические сцены перемежались комическими интермедиями.

     Возврат к  строгому соблюдению жанрового  канона трагедии произошел в  эпоху классицизма, в 17 в. Этому способствовал перевод на европейские языки Поэтики Аристотеля и теоретические разработки французских и итальянских исследователей театра. Выдающийся французский теоретик Н. Буало творчески развил учение Аристотеля о единстве действия, дополнив его требованиями единства места и времени (См. также ЕДИНСТВА ТРИ). Французская классицистская трагедия возродила форму античной, отказавшись только лишь от хора. Свое законченное и совершенное выражение классицистская трагедия приобрела в драматургии П. Корнеля и особенно – Ж. Расина.

     Новый этап  развития трагедии связан с  т. н. веймарским классицизмом И. В. Гете и Ф. Шиллера, ставшим в определенном смысле переходным периодом между классицизмом и романтизмом. В 18 в. трагедия уходила от рационального канона к эмоциональному накалу, переводя главный конфликт в противопоставление личности и общества, яростно отстаивая индивидуальность и бунтарство. Таковы романтические трагедии В. Гюго, Дж. Байрона, А. Мюссе, Г. Гейне и др.

     В начале 19 в., с развитием реализма, трагедия осваивает и это литературное течение (во Франции – П. Мериме, в Германии – Г. Бюхнер, в России – А. С. Пушкин). К середине 19 в. намечается новая тенденция: выявление трагизма повседневной жизни обычных людей (Г. Ибсен, Г. Гаутман, в России – А. Н. Островский). Трагедия приобретает несвойственные ей ранее черты – скрупулезное исследование быта, углубленное внимание к деталям. Фактически трагедия трансформируется в драму, даже в том случае, если она заканчивается гибелью главного героя. Казалось бы, трагедия окончательно лишилась своего поэтического ореола, уходя в бытовой макрокосмос повседневной жизни. Однако в конце 19 – начале 20 вв. происходит яркий всплеск именно поэтической трагедии – в рамках художественного течения символизма. М. Метерлинк, Г. Д'Аннунцио, Э. Верхарн, О. Уайльд, в России – Л. Андреев, А. Блок, В. Брюсов, И. Анненский в своих пьесах выводят героев, одержимых роковыми страстями, становящихся игрушкой в руках высших сил.