Искусство петровской эпохи

Мастерство Растрелли-портретиста  проявилось также в бюсте А. Д. Меншикова, исполненном в 1716-1717 годах, в статуе Анны Иоанновны с арапчонком (1741). Чувство монументальности и прекрасное знание бронзы как материала отличают творчество этого скульптора. В портрете Анны Иоанновны, медленно шествующей в тяжелом расшитом драгоценными камнями платье, Растрелли создал выразительный образ "престрашного взора царицы", как ее называли современники.

 

Самое значительное произведение Растрелли - конный памятник Петру I. В нем отразились впечатления скульптора от монументов античности, Возрождения и XVII века. Петр изображен триумфатором, торжественно восседающим на коне в облачении римского императора.

Примечательна судьба этого памятника. Отлитый в 1745-1746 годах уже после  смерти скульптора под руководством его сына, архитектора Ф.-Б. Растрелли, он более полувека пролежал в сарае  всеми забытый. Только в 1800 году по приказу  Павла I он был установлен перед Инженерным замком в Петербурге, органично войдя  в архитектурный ансамбль.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Живопись

Живопись первой половины XVIII столетия представлена новыми для русского искусства  жанрами. Получают свое развитие историческая композиция, баталия, портрет, зарождаются  натюрморт, миниатюра. Широкое распространение  получает монументально-декоративная живопись. Она используется в оформлении интерьеров, росписи триумфальных ворот  и т. д.

В станковой живописи основными  материалами становятся холст и  масляные краски.

В ранних произведениях, создававшихся  на рубеже столетий, еще сохраняются  элементы средневековой портретной живописи - парсуны, с характерной  для нее передачей социального  положения модели, статичностью поз, плоскостностью трактовки форм, интересом  к орнаменту, или, как тогда говорили, "узорочью". Постепенно портрет  начинал все глубже воссоздавать внутреннее содержание человека. Примером может служить портрет Я. Ф. Тургенева (1694, ил. 34). В первой четверти XVIII века появились портреты, в которых  правдиво запечатлены образы многих выдающихся современников.

Самыми крупными художниками первой половины XVIII века были И. Н. Никитин  и А. М. Матвеев. Они быстрее других преодолели иконописные влияния  и создали подлинно художественные произведения искусства нового времени.

И. Н. Никитин (ок. 1685 - не ранее 1742) принадлежал к числу первых петровских пенсионеров. Уже ранние портреты Ивана Никитича Никитина отличались большим мастерством исполнения. Петр I очень гордился Никитиным. Когда художник уезжал за границу, Петр писал своей жене Екатерине в Данциг, чтобы она предложила особам прусского двора позировать ему, "дабы знали, что есть и из нашего народа добрые мастеры".

Никитин неоднократно писал портреты самого Петра I. Ярко проявилось мастерство Никитина в портрете Петра на смертном одре. Это неоконченное произведение несет следы быстрого, смелого  письма, оно выполнено в эскизной манере уверенной рукой опытного художника. О таланте и мастерстве Никитина говорят также и другие его портреты, например, Г. И. Головкина (1720-е гг., ил. 35) и Г. С. Строганова (1726).

 

 

Наиболее значителен не только в творчестве самого Никитина, но и  вообще в русской портретной живописи первой половины XVIII века так называемый "Портрет напольного гетмана" (1720-е гг., ил. 36). Художником изображен  пожилой, как бы уставший от долгих трудов человек. Пристальный взгляд из-под нахмуренных бровей, обветренное  лицо, спутанные волосы и распахнутая  одежда придают ему черты естественности и покоряющей зрителя простоты, которые  нечасто встречаются в искусстве XVIII века. Это один из немногих портретов, в которых человек не позирует, не представлен перед зрителем в "наиприятнейшем свете", а полон  глубокой внутренней жизни. Великолепно  удалось художнику и колористическое  решение полотна.

После смерти Петра I Никитин переехал в Москву, где продолжал работать. За хранение пасквиля на Феофана Прокоповича  он был посажен в Петропавловскую  крепость, а затем бит плетьми  и отправлен в Сибирь. В 1741 году Ивану Никитину разрешили вернуться, но, по-видимому, на обратном пути из Тобольска  он умер.

Портретное искусство Никитина - вершина в истории развития русской  живописи первой половины XVIII века. Никому из его современников-художников не удалось достичь такого глубокого  проникновения в существо человеческой психологии, такого артистизма и профессионального  мастерства.

А. М. Матвеев (1701-1739) приобрел профессиональные знания в Голландии и Фландрии. После возвращения в Россию Андрей Матвеев возглавил "Живописную команду", сыгравшую большую роль в развитии русского искусства и особенно в подготовке художников. Эта "Живописная команда Канцелярии от строений", возникшая в Петербурге в начале XVIII века, занималась созданием художественного убранства многочисленных построек столицы и других городов. Кроме того, опытные художники (в том числе и Матвеев) обучали здесь молодежь, впоследствии творчески ярко проявившую себя. Матвеев много работал в области монументально-декоративной живописи. Он исполнил композиции для Петропавловского собора, Зимнего дворца, триумфальных ворот, многих церквей и дворцов Петербурга. Большинство этих росписей не сохранилось, так как сооружения, где они находились, были разрушены или перестроены. Однако немногие сохранившиеся станковые произведения художника, например ученические работы "Аллегория живописи", "Венера и Амур", а также относящиеся к периоду творческой зрелости полотна портретного жанра свидетельствуют о его высоком профессионализме, мастерском владении кистью. "Автопортрет с женой" (1729 (?), ил. 37) отличается остротой характеристик, точностью изящного рисунка, мягкостью живописной лепки, что делает его убедительным примером успехов русской портретной живописи того времени.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Гравюра

В эпоху петровских реформ гравюре  придавалось большое значение, ибо  она наиболее полно отражала успехи политического и культурного  строительства русского государства. Она существовала в форме книжной  иллюстрации, а также самостоятельных  станковых произведений, исполненных  в жанре баталии, городского пейзажа, портрета и т. д. Гравированные листы  рассылались по стране. Их давали также  русским дипломатам в зарубежных государствах для демонстрации успехов  в России.

А. Ф. Зубов (1682 - после 1750). Крупнейшим мастером русской гравюры начала XVIII века был Алексей Федорович Зубов. Вместе с братом Иваном, впоследствии известным московским гравером, он сначала учился в Оружейной палате, а затем у А. Шхонебека. В историю русского искусства Зубов вошел как первый создатель видов Петербурга. Ему принадлежат огромная "Панорама Петербурга" (1716, ил. 48) на восьми листах, изображения морских сражений ("Баталия при Гренгаме", 1721), празднеств по случаю побед ("Торжественное вступление русских войск в Москву после победы под Полтавой", 1711) и других важнейших событий того времени. Парадную часть подобных изображений Зубов дополнял точно переданными жизненными деталями. Он создавал гравюры, пользуясь чертежами и проектами зодчих, например, М. Г. Земцова. Документальность композиций совмещалась с декоративностью гравированного листа и изображением предполагаемых построек. Виды города изображались художником "с птичьего полета", что способствовало ощущению масштабов грандиозных сцен - панорам берегов Невы.

М. И. Махаев (1718-1770). В середине XVIII века обширную серию видов Петербурга создал Михаил Иванович Махаев. При помощи камеры-обскуры он фиксировал контуры изображений, а затем сочинял свои композиции - панорамы Невы с кораблями, виды отдельных зданий вдоль этой реки и каналов. Они были награвированы работавшими при Академии наук "под смотрением" И. А. Соколова мастерами Е. Г. Виноградовым, Г. А. Качаловым и другими. Листы Махаева, получившие широкую известность не только в России, но и за ее пределами, отличает от зубовских панорам их более "картинный" характер. Изображения отчетливо передают облик столицы, ее архитектуру. Они исполнены с большим пониманием перспективы, с тонким умением передать глубину пространства. Рисунки Махаева (и гравюры по ним) служили живописцам XVIII века образцами для картин.

Вместе с совершенствованием "ученой" гравюры в русском искусстве XVIII столетия получает развитие народная картинка - лубок, резавшийся вначале  на дереве, позднее - на меди. Лубочная гравюра распространялась в широких кругах народа. Именно в ней, сохранявшей традиционные сюжеты и в то же время затрагивавшей злободневные вопросы, отчетливее всего проявилась сатирическая тенденция в изобразительном искусстве всего XVIII века.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Прикладное искусство

Преобразования Петра I подвергают ломке старый патриархальный быт, утверждают светский образ жизни. В новых  дворцах и домах интерьеры  отделываются "на европейский манер", вводится костюм общеевропейского образца, более удобный, чем тяжелая, длиннополая, старорусская одежда. Вырастает потребность  в художественно оформленных  предметах мебели, посуды, тканях, костюмах нового типа. Строятся фабрики, заводы, мануфактуры, вырабатывающие художественные изделия: стекло, шпалеры, шелковые ткани. Эти изделия мы называем произведениями прикладного искусства.

Широко привлекаются иностранные  мастера, причем их обязывают обучать  русских учеников. Молодых людей  посылают за границу учиться мебельному, керамическому, ткацкому и другим ремеслам. Мастера и ремесленники быстро осваивают  европейские образцы, внося в  них свое понимание формы, колорита, свойственное народным традициям. Например, в мебели русские мастера, ознакомившись  с новыми типами английских и голландских  стульев, столов, бюро, делая предметы из отечественных пород древесины, смягчают волнистые контуры предметов, придают им большую массивность, обобщенность. Русская мебель этой эпохи сдержанно декоративна. Ее отличают резьба невысокого рельефа, точеные  детали, полировка под воск, окраска  в голубовато-зеленый цвет, роспись. Цветовыми акцентами служит обивка кожей, трипом (шерстяной бархат), шелком, набойкой. Пример самобытного решения  раннего барокко в мебели - крупномасштабное адмиралтейское кресло Петра I в Летнем дворце (Ленинград). Оно как бы символизирует  мощь и энергию эпохи.

В резных украшениях дворцовых помещений, в шпалерах, в орнаментации металлической  и стеклянной посуды часто прославлялись  победы и преобразования Петра I. Для  этой цели нередко использовались условные изображения из книги "Символы  и эмблематы", неоднократно переиздававшейся в России.

Прикладное искусство Петровской эпохи отличалось ясностью форм, симметрией, чистыми интенсивными тонами. В его  истоках народная культура и творческое освоение достижений западноевропейской культуры и искусства.

Стиль русского барокко проявляется  в интерьерах дворцов, построенных  Ф.-Б. Растрелли. Анфиладная планировка залов создает иллюзию бесконечного пространства. Основное украшение залов - золоченая резьба . Она восходит к традициям резьбы XVII века. Теперь ее содержание глубоко светское. Это - побеги, цветы, раковины, скульптуры женщин, амуров, свободно и асимметрично скомпонованные. Живописные плафоны как бы раскрывают потолки. Залы наполняются светом, льющимся из окон-дверей, сиянием позолоты резьбы и мебели, блеском зеркал и хрустальных люстр. С барочными интерьерами органично сочетались костюмы знати ярких, насыщенных тонов, парчовые, шелковые, бархатные, преувеличенно пышных форм, украшенные золотым шитьем, кружевами, блистающие драгоценностями. Для барокко характерно слияние отдельных искусств в единый синтетический образ, ярко декоративный, пронизанный движением.

Орнамент, называемый рокайлем, строится асимметрично, в динамичном ритме, из стилизованных завитков, раковин, пальметт, цветов, плодов.  

Для дворцов середины XVIII века мебель частью проектирует Растрелли. Иногда ее выписывают из Франции и Англии. Выполняют ее и русские мастера. В середине XVIII века распространяются новые по назначению формы - туалетные столы, комоды, декоративные пристенные столы мягких криволинейных очертаний. Их основное украшение - рельефная резьба. Ее золотят или подцвечивают. Применяют и роспись цветами и сплошное окрашивание мебели, преимущественно в светлые цвета - слоновой кости, белый, зеленый. Для обивки используют узорные шелка, бархат, шпалеры, вышивки.

В быту городских масс, а также  в небогатых дворянских усадьбах еще долго живут старинные  народные формы мебели (перекидные скамьи, ярко расписанные сундуки  и коробы, шкафы) и посуды (братины, ковши, чаши), ручное ткачество.

В XVIII веке занимают почетное место  в убранстве дворцов шпалеры - безворсовые ковры, своего рода декоративные картины, вытканные трудоемким ручным способом. Основные материалы - шерсть и шелк - придают шпалере гибкость и пластичность. Ее колорит приглушен матовостью шерсти. Шелк же, введенный в детали, вносит блестящие блики.

Производство шпалер впервые в  России налаживается в 1717-1719 годах в  Петербурге. Вначале на шпалерной  мануфактуре главенствуют французские  ткачи. Они преднамеренно затягивают обучение русских мастеров. Но все  же в 1720-х годах русские ткачи, ученики главным образом француза Филиппа Бегагля, начинают работать самостоятельно. Из первых произведений выделяется шпалера (парадный портрет-баталия) Филиппа Бегагля и его ученика Ивана Кобылякова "Персона государева на коне" (1723). Выпускаются шпалерная серия так называемых индийских ковров с пейзажами далеких стран, заморскими животными, орнаментальные панно, портреты. Картоны, образцы для ткачества, создают Л. Каравакк, художник мануфактуры Д. Соловьев.

Отечественные ткачи достигают  высокого мастерства в 1730-х годах  в серии шпалер, называемой "Русские  ученики", с отличными декоративными  композициями из пышных цветов, ваз, скульптур, птиц, животных, насыщенными цветом и движением.

В последующие десятилетия замечательное  искусство едва не погибает из-за косности придворного ведомства. В 1760-х годах  мануфактура восстанавливается. К  концу XVIII века на мануфактуре выполняются  портреты, копии станковых картин. Шпалера постепенно теряет присущий ей своеобразный декоративный характер, превращается в тканую картину.

Для XVIII века характерны два типа стекла, изготовляемые выдувным способом.