Идея основания в России
своей школы разных художеств
появилась еще при Петре I, который
дал указание о разработке
проекта такой Академии, хотя
прошло еще не мало времени, прежде
чем удалось реализовать эту идею. Поначалу
подготовка мастеров велась в различных
местах и городах. Это была и Петербургская
типография, и Оружейная палата в Москве,
однако необходимость дальнейшего развития
художественной школы стала особенно
очевидной в середине XVIII века. И в 1757 г.,
в Петербурге состоялось открытие Академии
трех знатных художеств. Уже в 1758 г. стараниями
М.В. Ломоносова и И.И. Шувалова (президент
Академии 1757 г. –1763 г.) сюда прибыла группа
московских и петербургских юношей, склонных
к художествам. Преподавание в Академии
вели и иностранные учителя: скульптор
Н. Жилле, живописцы С. Торелли, Ф. Фонтебассо
и др., которым многим обязана русская
культура. В 1764 г. Академия трех знатных
художеств была преобразована в Российскую
императорскую Академию художеств. В это
время Академия становится и законодателем
художественных идей, и учебным заведением.
В ее среде выросло новое поколение художников,
прославивших впоследствии Россию на
весь мир, это были и архитекторы И. Старов,
В. Баженов, скульпторы Ф. Шубин, Ф. Гордеев,
художники А. Лосенко, Д. Левицкий и др.
С основанием Академии художеств эпизодические
поездки русских учеников за границу превращаются
в постоянную практику учебы и работы
за границей, которой удостаивались лучшие
выпускники.
Во второй половине XVII столетия
вместе с другими видами искусства
в России, живопись переживает
серьезные изменения. В определенной
мере они подготавливают те
коренные реформы, которые происходят
в ней в начале XVIII века. Вступая
на позиции искусства нового времени со
значительным запозданием по сравнению
с другими передовыми в художественном
отношении европейскими странами, русская
живопись по-своему отражает общие закономерности
этой стадии развития. На первый план выдвигается
светское искусство. Первоначально светская
живопись утверждается в Петербурге и
Москве, но уже со второй половины XVIII века
получает значительное распространение
в других городах и усадьбах. Традиционное
ответвление живописи – иконопись по-прежнему
широко бытует во всех слоях общества.
Русская живопись развивалась
на протяжении всего XVIII века в
тесном контакте с искусством
западноевропейских школ, приобщаясь
к всеобщему достоянию – произведениям
искусства эпохи Ренессанса и
барокко, а также широко используя
опыт соседних государств. Вместе
с тем. Как уже давно установили
исследователи, искусство в целом
и живопись в частности, на
протяжении всего XVIII века связаны
единой направленностью и имеют
ярко выраженный национальный
характер. В этот период в России
творили величайшие мастера своего
дела – представители отечественной
художественной школы и иностранные
живописцы. Наиболее интересным
явлением в искусстве петровской
эпохи стал портрет. У истоков портретной
живописи нового времени стоит И. Н. Никитин
(ок. 1680 – 1742
Живопись последних десятилетий
XVIII века отличается значительным
разнообразием и полнотой. В первую
очередь это обусловлено основанием
Академии художеств. Русская школа
овладевает теперь теми жанрами
живописи, которые прежде были
представлены лишь работами старых
и современных западноевропейских
мастеров. Наиболее крупные достижения
русской живописи последних десятилетий
XVIII века связаны с искусством
портрета. Творчество Ф. С. Рокотова
(1735-1808) составляет одну из самых обаятельных
и труднообъяснимых страниц нашей культуры.
Уже в довольно зрелом возрасте он был
принят в Академию художеств. Его ранние
произведения – портреты Г. Г. Орлова (1762-1763
гг.), Е. Б. Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют
о его причастности к культуре рококо.
Признаки этого стиля есть и в коронационном
портрете Екатерины II (1763 г.), ставшей образцом
для изображения весьма взыскательной
императрицы. Еще много портретов вышло
из-под кисти художника – поэт В. И. Майков
(1769-1770 гг.), почти все семейство Воронцова
– он сам (конец 1760-х), его жена М. А. Воронцова
и дети (1770-е). В период восьмидесятых годов
восемнадцатого века в портретах Ф. С.
Рокотова преобладает оттенок горделивого
сознания собственной значимости, к этому
периоду относят: портрет молодой генеральши
В. Е. Новосильцевой (1780 г.), знатной дамы
Е. Н. Орловой. Современником Рокотова
был Д. Г. Левицкий (1735-1822 гг.). Сын священника
Левицкий родился на Украине. Его отличает
умение передавать внешнее сходство модели
в сочетании с её психологическим образом.
Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный
класс Академии художеств и не только
участвовал в воспитании целой школы русских
портретистов, но задавал тон и уровень
высокой репутации портретного искусства
в России. Сфера его живописи шире, чем
рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались
и камерные портреты и парадное изображение
в рост. Неудивительно, что круг его заказчиков
весьма обширен. Это и богач Демидов, чью
картину он нарисовал в 1773 г., и светская
красавица Урсула Мнишек (1782 г.), и итальянская
актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.). Важное
место в творчестве Левицкого занимает
работа над портретом Екатерины II, получившим
отражение в «Видении Мурзы» Г. Р. Державина.
Возвышенная, мифологизированная интерпретация
не могла не нравиться императрице, которая
более чем внимательно относилась к своим
изображениям.
В. Л. Боровиковский (1757-1825 гг.) как
бы замыкает плеяду крупнейших русских
портретистов XVIII века. Боровиковский,
как и Левицкий, родом с Украины. Родился
в семье казака. Начинал он церковным иконописцем.
Уже в первые петербургские годы он сблизился
с кружком, возглавляемый Н. А. Львовым,
и неоднократно портретировал близких
к этому обществу лиц. Довольно быстро
при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося
успехом при дворе австрийского живописца
И. Б. Лампи, Боровиковский становится
популярным среди широкого круга петербургского
дворянства. Художник портретирует целые
семейные «кланы» - Лопухиных, Толстых,
Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших
его известность по родственным каналам.
К этому периоду его жизни относятся портреты
Екатерины II, ее многочисленных внуков,
министра финансов А. И. Васильева и его
жены. На него обратила внимание Екатерина:
он в 1783 г. украшал в Кременчуге дворец,
предназначавшийся для коронованной путешественницы.
Преобладающее место в творчестве Боровиковского
занимают камерные портреты. Полотна художника
очень нарядны благодаря грациозной постановке
моделей, изящным жестам и умелому обращению
к костюму. Герои Боровиковского обычно
бездеятельны, большинство моделей пребывает
в упоении собственной чувствительностью.
Это выражают и портрет М. И. Лопухиной
(1797 г.), и портрет Скобеевой (середина 1790-х
г.), и изображение дочери Екатерины II и
А. Г. Потемкина – Е. Г. Темкиной (1798 г.).
Большое внимание художник уделяет малоформатным
и прекрасно удавшимся ему миниатюрным
портретам. Так же Боровиковский – автор
ряда двойных и семейных групповых портретов,
которые появляются уже после 1800-х гг.
Из всего вышеперечисленного можно сделать
вывод, что на протяжении всего XVIII века
русское искусство живописи прошло большой
путь становления по законам нового времени.
Потребности эпохи получили отражение
в преимущественном развитии светской
живописи – портрета, пейзажа, исторического
и бытового жанров.
В XVIII веке в России происходил
небывалый размах развития ваяния
появления новой, западноевропейского
типа скульптуры, какой еще не
знала Россия. Заметную стилевую
перемену в развитии русской
пластики принесла новая эстетика
классицизма эпохи Просвещения.
Важную роль в освоении классической
скульптуры в России сыграл
приглашенный на русскую службу
французский скульптор Н. Жилле,
долгое время возглавлявший скульптурный
класс Академии. Школу Н. Жилле, заложившую
основы классического ваяния в России,
прошли все ведущие русские скульпторы
второй половины XVIII-века, окончившие Петербургскую
Академию художеств: Ф. Гордеев, М. Козловский,
И. Прокофьев, Ф. Щедрин, Ф. Шубин, И. Марос
и другие. Рассмотрим наиболее известные
работы и стилевые тенденции этих и некоторых
других выдающихся скульпторов того времени.
Наиболее полно овладевает принципами
зрелого классицизма Иван Мартос (1752-1835
гг.). Он создает вполне классические произведения,
заметно отличающиеся чистотой и ясностью
своей формы от работ других мастеров.
После окончания Академии художеств Мартос
для совершенствования мастерства едет
в Рим. Где непосредственно соприкасается
с античной скульптурой. Мартос – мастер
широкого диапазона, обращавшийся к разнообразной
тематике. Особенно заметный след он оставил
в разработке темы классического надгробия
и городского монумента. Он был известен
и как великолепный мастер декоративно-лепных
работ, пробовал заниматься портретом.
Его дарование как монументалиста в полной
мере раскрылось в памятнике Минину и
Пожарскому в Москве, ставшем эталонным
произведением – он нашел новые пути соединения
монументальной пластики не только с классическими
зданиями, но и с пространственным городским
ансамблем, превзойдя всех своих предшественников.
Последователен в своей эволюции к классицизму
был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению
с другими мастерами у Прокофьева сильнее
чувствуется сентименталистская струя,
придавшая особую мягкость и лиризм его
образам. Самое лучшее в его наследии –
это рельефы, созданные для петербургской
Академии художеств, в которых он достигает
исключительного совершенства формы в
выражении величавой тишины, гармонирующих
с классическим строем интерьера. В этом
же контексте развивалось и искусство
скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.). Благодаря
своему упорству и способностям он оказывается
в Петербургской Академии художеств, где
начинается блестящий расцвет его таланта.
Ф. Шубин становится непревзойденным мастером
скульптурного портрета. Он выполнил множество
заказных портретов, бюстов. Это были бюсты
А. М. Голицына, З. П. Чернышева и других
известных деятелей екатерининской эпохи.
К концу XVIII-века намечались и новые формы
образного выражения в виде сентименталистских,
а затем и романтических настроений. Характерны
в этом отношении бюсты П. В.