"Золотой век" испанской живописи

Глава I. «Золотой век» испанской живописи.

1. Стиль барокко.

На рубеже XVI и XVII веков испанская живопись становится явлением мирового порядка. Барокко (итал. Barocco, буквально — причудливый, вычурный), стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества. Словом "барокко" называют ряд историко-региональных художественных стилей европейского искусства, последние, критические стадии развития других стилей, тенденцию беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах. Возникновение стиля связано с общим кризисом гуманизма и наступлением феодально-церковной реакции, выступавшей против рационалистических, светских тенденций в искусстве, против научных открытий, подрывающих идеологические устои католицизма. Взволнованность и впечатляющую силу барокко стремилась использовать в своих интересах римско-католическая церковь для укрепления веры в народе. Этот стиль поддерживали и правители, для того, чтобы показать своё могущество и власть. Поэтому барокко получило особый размах там, где господствовала католическая вера или о его распространении заботились правители. В конце концов, барокко покорило почти всю Европу и, благодаря испанцам, достигло Америки, где его до сих пор называют «испанским стилем». (6)

Эпоха стиля барокко расширила круг предметов, изображаемых в живописи, и обогатила этот вид искусства новыми жанрами. Наряду с религиозными и мифологическими темами уделялось большое внимание окружающему миру. В типичных барочных картинах изображены напряженные и драматические сцены. В них много преходящего, мгновенного: неустойчивые позы, резкие движения – словно в порыве. От яркого выражения человеческих переживаний и страстей недалеко до их искусственного преувеличения. Эффектные жесты, возведенные к небу и полные слез глаза святых, мучительно изогнутые тела мифологических героев в сценах борьбы, похищений, всё это делалось для впечатления. (10)

Дух некоторой серьезности, царил в испанской живописи эпохи барокко. Там писали по преимуществу картины для церквей и портреты. Испанские художники предпочитали темные коричневатые тона и «подвальное освещение», которые придавало необходимое напряжение. Для испанского искусства было характерно существование традиций средневековых, готических. Роль мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании несомненна для всего испанского искусства, сумевшего необычайно интересно переработать мавританские черты, сплавив их с исконно национальными. У испанских художников было два основных заказчика: первый - это двор, аристократия, и второй - церковь. Роль католической церкви в сложении испанской школы живописи была очень велика. Под ее влиянием формировались вкусы заказчиков. Но суровость судьбы испанского народа, своеобразие его жизненных путей выработали специфическое мировоззрение испанцев. Религиозные идеи, которыми, было освящено все искусство Испании, воспринимаются очень конкретно в образах реальной действительности, чувственный мир удивительно уживается с религиозным идеализмом, а в мистический сюжет врывается народная, национальная стихия. В испанском искусстве идеал национального героя выражен, в образе святых. (2)

В Испании гуманистические учения подвергались яростному преследованию, здесь не была выработана цельная система ренессансного мировоззрения.  В центре внимания испанских художников, в отличие от итальянских, не стоял идеал совершенной, гармонично развитой личности, ориентация на классическое наследие не играла ведущей роли. Основой, на которой развивалось искусство Испании 16-17 веков, было непосредственное наблюдение окружающего. Это определило особую свежесть художественных приёмов испанских мастеров, силу воплощения ими индивидуальных характеров, ярко выраженную национальную окраску произведений. Слабое развитие гуманистических учений отразилось и на сюжетной стороне изобразительного искусства. Художники Испании мало обращались к мифологии. Круг их тем ограничивался в основном легендами из Евангелия и жизнеописаний святых. В конце 16 начале 17 века появились бытовые сюжеты, но они не заняли ведущего места, поскольку главным заказчиком по-прежнему оставалась церковь. Однако религиозные произведения приобрели реалистический характер. Испанские художники в своём представлении сблизили персонажей священной истории с обычными людьми и наделили их самыми высокими моральными качествами. В искусстве 17 века в образах святых нашёл отражение идеал национального героя. Мастера первой половины 17 века вдохновлялись героическими идеями. Они создавали образы значительные и величественные. Монументальность является одной из характернейших особенностей изобразительного искусства той поры. Во второй половине столетия, когда упадок Испании стал очевиден  и надежды на возрождение могущества страны были окончательно утрачены, героические идеалы вытесняются в искусстве интимными переживаниями. Большее внимание уделяется декоративному эффекту картин. Но на протяжении второй половины столетия испанская живопись ещё сохраняет своеобразие и самостоятельность, развивая достижения предшествующих лет. Эпоха с конца 16 до конца 17 столетия вошла в историю испанской живописи под названием «золотого века». (11)

2. Известные живописцы этого времени, их особенности.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Крупнейшими испанскими живописцами барокко были:

1. Доменико Теотекапуле (Эль Греко)
2. Франческо Сурбаран
3. Хусепе Рибера
4. Диего Веласкес

и многие другие. Хотелось бы рассказать о каждом из них по чуть-чуть.

 Эль Греко - художник рубежа XVI-XVIIвв. Его подлинное имя - Доменико Теотекапуле. Оказавшись в Испании, которая стала для него второй родиной, художник стал называть себя иначе - Эль Греко. Уже в это время он проявил себя замечательным колористом. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на масляничной горе». Но, судя по картинам, его представления о боге отличались своеобразием. Картины Эль Греко нередко похожи на видения и сны. Фигуры словно теряют материальность и вес. Они вытягиваются, причудливо колеблясь, как языки пламени. Его композиции порой напоминают отражения в волнующейся водной поверхности. В них все пребывает в состоянии движения и изменения.

Эль Греко был великолепным портретистом. Его фигуры были слегка деформированы (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения, капризные изломанные линии, в отрицании строгости рисунка. Герои Эль Греко всегда были - с тонкими лицами, большими и выразительными глазами. В своих работах Эль Греко сумел передать ощущение трепета жизни, сообщив образом своих героев необычайную эмоциональность.

«Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,

«Портрет кардинала Тавера»,

«Портрет художника Хорхе Мануэля».

Эль Греко ярко и многогранно показал некоторые стороны жизни Испании, верно передал облик своих современников, с которыми он непосредственно встречался. Это даёт возможность зрителю получить верное представление о людях Испании 16 века. (1)

Фрасиско де Сурбаран — мастер монументальной композиции — отразил характерные черты ведущей для Испании 17 века темы «монастырской жизни». Сурбаран почти всю жизнь работал для монастырей Севильи и её окрестностей. Творчество мастера сложилось под влиянием средневекового искусства, произведений нидерландских и итальянских мастеров, имевшихся в церквах. В его картинах сильные отголоски деревянной пластики, столь распространённой в Испании. В целом Сурбаран художник очень самобытный, с яркой выраженной индивидуальной манерой. Его произведения отличаются оригинальностью трактовкой сюжетов, размеренным ритмом композиции, разнообразием и звучностью цвета. Произведения художника кажутся для своего времени архаичными, упрощенными, фигуры застывшими, мало связанными друг с другом, изображение пространства нередко условно. Простая и уравновешенная композиция строится на сопоставлении геометрически четких плоскостей и крупных, достигающих почти стереоскопического эффекта плоскостных объемов. Вместе с тем каждое событие обладает повышенной, хотя и сдержанной духовностью. Видно, что художник со всей правдивостью стремился передать облик изображаемого им человека. Сурбарана привлекало изображение монументальных, стоящих во весь рост одиночных фигур святых, монахов, легендарных и реальных деятелей церкви. Эти образы составляют славу мастера. Массивные, словно отрешенные от мира фигуры в тяжелых рясах суровы, лица замкнуты. В поздних работах мастера нарастает созерцательность, появляется настроение одиночества, тоски. Об эмоциональной силе и мощной пластике образов Сурбарана позволяет судить «Св. Лаврентий».

Сурбарану принадлежат четыре известные картины: «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским» (погибла в Берлине во время Второй мировой войны), «Бонавентура, председательствующий на соборе в Лионе» (Париж, Лувр), «Молитва св. Бонавентуры перед избранием римского папы» (Дрезден, Картинная галерея) и Погребение св. Бонавентуры» (Париж, Лувр). (12)

Хусепе Рибера начиная со второй половины 1620-х годах всё более обращается к живописи. Одной из наиболее ранних датированных и подписанных картин Рибера является картина «Св. Иероним слышит звук небесной трубы» (Государственный Эрмитаж). На картине надпись: «Хосеф Рибера, валенсиец и академик римский. Исполнил в 1626 году». Сцена изображена в темном пространстве, вероятно, в пещере, куда падает слева яркий луч света. Он вырывает из мрака фигуры Иеронима и ангела. Смысловые акценты композиции выделяются концентрированным светом. Такие второстепенные детали, как голова льва, стол, череп, погружены в глубокую тень. Рибера стремился усилить впечатление движения. До осязательности правдоподобна эта картина. Во всех деталях выписана старческая сухая, морщинистая кожа Иеронима. Но несмотря на эту детализацию обобщённая передача объёмов большими массами света и тени определяет общее впечатление монументальной трактовки формы. Видимо полное зрительное правдоподобие. Для него главным в картине является человек. Все эти задачи он решает сначала в графике, а затем в живописи. Графика настолько опережает живопись, что в ней он переходит к изображению рассеянного ровного освещения и даже к попыткам передать солнечный свет среди открытого пространства, словом, к тому, к чему в живописи (если не считать ранних подражательных работ) он обратился только через много лет. Основные сюжеты его картин - мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них - истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Инесса», «Апостол Яков – старший». (4)

Подводя небольшой итог, хотелось бы сказать, что испанская живопись казалось никогда не выйдет из своей тени. Но это сделал Диего Веласкес (1599-1660) - великолепный мастер. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес - великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» (Колья), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартолелло Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой». Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен. (8)

1.3 Испанская живопись  в Эрмитаже.

Коллекция Испанской живописи в Эрмитаже не очень велика – она насчитывает около 150 картин. Испанскую живопись открыли и по-настоящему оценили в Европе в начале 19 века после наполеоновских войн. Именно в это время картины начали вывозиться из страны. История эрмитажного собрания отражает зарождение  и постепенное нарастание интереса к Испанской живописи. Первые полотна для музея были приобретены конце 18 начала 19 века: среди них «Отдых на пути в Египет» Мурильо, купленное в 1768 году у бывшего секретаря Людовика 15 Геньи; «Мальчик с собакой», поступившее в 1772 году с распродажи собрания министра иностранных дел Франции герцога Шуазеля; «Лестница Иакова Исааком» - картины, приобретённые во Франции в 1810-1811 годах, благодаря посредничеству директора Лувра Вивана Денона.

Испанская коллекция очень обогатилась в 1814-1815 годах, когда в неё влились произведения  Моралеса, Пантохи де ла Круса, Баутисты дель Майно, Рибальты, Пуги Переды  и многих других мастеров из собрания английского банкира Кузвельта приобрели и такие шедевры как  «Портрет Оливареса» Веласкеса и «Отрочество богоматери» Сурбарана.

Спустя 15 лет, в 1829 году, в Эрмитаже поступила картина Риберы «Св. Себастьян и св. Ирина»; она принадлежала первой жене Наполеона. В 1834 году собрание пополнилось благодаря покупки картин у Гесслера – русского консула в Кадисе, и у Паэсы де ла Каденьи – испанского посла в Санкт-Петербурге. Это были как правило работы второстепенных художников.  Наконец последние крупные приобретения относятся к 1852 году, когда на аукционе  Париже было куплено одно из лучших полотен испанской школы -  «Св. Лаврентий» Сурбарана.  Во второй половине 19 века и в последующий период поступления носили случайный характер.

История коллекции объясняет своеобразие её состава. Она создавалась в тот период, когда высоко ценились картины живописцев 17 века, но не получил ещё всемирной известности Гойя и находился в забвении Эль Греко. Характерно, что картина Эль Греко «Апостолы Пётр и Павел» поступила только в 1911 году. А произведения Гойи вообще не попали в музей. В настоящее время часть картин храниться в фондах Эрмитажа, а лучшие произведения, выставленные в залах № 34, 35, дают возможность ознакомиться с историей испанской живописи 16-17 веков.

В заключение хочется сказать, что «Золотой век» испанской живописи, стиль барокко преподнес миру немало чудесных произведений искусств, которыми мы восхищаемся и по настоящие дни.(5) 

Глава II. Диего Веласкес.