Развитие роккоко

Рококо

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами - розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: "барокко" и "рокайль" (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).

Для живописи, скульптуры и графики  характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные (пастораль) сюжеты. Первым значительным мастером живописи в стиле Рококо стал Ватто, а дальнейшее развитие он получил в творчестве таких художников, как Буше и Фрагонар. Самым ярким представителем этого  стиля во французской скульптуре является, пожалуй, Фальконе, хотя в  его творчестве преобладали рельефы  и статуи, предназначенные для  украшения интерьеров, бюсты, в том  числе из терракоты. Кстати, сам Фальконе был управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры. (Замечательными фарфоровыми изделиями славились  также заводы в Челси и Мейсене).

В архитектуре этот стиль нашёл  наиболее яркое выражение в декоративном украшении интерьеров. Сложнейшие асимметричные  резные и лепные узоры, затейливые завитки  внутреннего убранства контрастировали  с относительно строгим внешним  видом зданий, например Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг.). Родившийся во Франции, стиль Рококо быстро распространялся  в других странах благодаря французским  художникам, работавшим за границей, а  также публикациям проектов французских  архитекторов. За пределами Франции  Рококо наибольшего расцвета достиг в Германии и Австрии, где впитал в себя традиционные элементы барокко. В архитектуре церквей, таких, как  церковь в Фирценхайлигене (1743-1772 гг.) (архитектор Нёйман), пространственные конструкции, торжественность барокко превосходно сочетаются со свойственным Рококо изысканным скульптурным и живописным внутренним убранством, создавая впечатление лёгкости и сказочного изобилия.

Сторонник Рококо в Италии - архитектор Тьеполо - способствовал его распространению  в Испании. Что касается Англии, то здесь Рококо оказал влияние в  основном на прикладные искусства, например на инкрустацию мебели и производство серебряных изделий, и частично на творчество таких мастеров, как Хогарт или  Гейнсборо, у которых утончённость образов и артистическая манера письма полностью соответствует духу Рококо. Стиль Рококо был весьма популярен в Центральной Европе вплоть до конца 18 века, тогда как во Франции и других западных странах интерес к нему ослабел уже в 1860-х гг. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом.

Художники Рококо: Ватто, Буше, Фрагонар

Ватто Жан Антуан (1684—1721), французский художник.  Родился в городе Валансьенн (на севере Франции) в семье кровельщика. Точная дата рождения неизвестна. Крещён 10 октября1684г. Около 1702 г. Ватто приехал в Париж и начал работать как копиист. В Люксембургском дворце он имел возможность изучить картины П. П. Рубенса. В 1717 г. Ватто получил звание академика за большую картину «Паломничество на остров Киферу». В 1719—1720 гг. художник посетил Англию. Расцвет творчества Ватто был непродолжителен. На протяжении менее чем десятилетия он написал полотна «Венецианский праздник», «Праздник любви», «Общество в парке», «Радости жизни», «Жиль», «Мецетен», «Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена». Ватто не датировал свои картины, но, скорее всего, его живопись становилась с годами более светлой. Художник сделал много рисунков. Его постоянные любимые персонажи напоминают актёров, которые разыгрывают на полотнах Ватто длинную пьесу. В зрелую пору художник всё более театрализует композиции, в которых природа (деревья, холмы) становится похожей на декорацию. Театральные сцены и «галантные празднества» — основная тема его поздних сюжетов. Ватто, особенно его орнаментальные панно, оказал решающее влияние на развитие стиля рококо.

Умер 18 июля 1721 г. в местечке Ножан-сюр-Марн близ Парижа.

"Итальянские комедианты" 1720 г

.

Итальянская комедия дель арте, 1716

Буше Франсуа (1703—1770), французский живописец и декоратор.

Родился 29 сентября 1703 г. в Париже в  семье орнаментщика и торговца эстампами.

Буше — наиболее яркий представитель  рококо (стилевое направление в европейском  искусстве первой половины XVIII в.). Он сделал блестящую карьеру, постоянно получал королевские заказы и был дружен с многими любителями искусства. В 1723 г. Буше получил Гран-при Французской академии за картину «Освобождение Иоакима, пленника Навуходоносора».

Любимой моделью художника в  это время была Мари Жанн Бюзо, которая вскоре стала его женой. Он продолжил публиковать гравюры («Мольер», 1734—1737 гг.; «Крики Парижа», 1737 г.) и начал получать дорогие заказы. В 1734 г. Буше избрали в академию; это открывает для него долгую официальную карьеру профессора (1737 г.), директора академии и «первого художника короля» (1765 г.).

Художник работает на мануфактуре  шпалер в Бовэ и на Королевской мануфактуре гобеленов в Париже, делает декорации для театральных и оперных постановок, разрывается между заказами короля Людовика XV и маркизы де Помпадур, а также своих друзей.

В 1736 г. Буше нарисовал серию «Пасторалей» из 14 частей, а в 1739 г. — «Историю Психеи». Для Королевской мануфактуры  гобеленов он создал две серии  — «Любовь богов» и «Аминте» (1755—1756 гг.). Гобелен «Китайские дивертисменты» (подарен в 1764 г. Людовиком XV китайскому императору), орнаментальные рисунки для фарфоровых изделий Севрской мануфактуры (1757— 1767 гг.) и многочисленные работы для театра и оперы обеспечили Буше славу самого крупного декоратора своего времени.

После смерти маркизы де Помпадур в 1764 г. художник продолжает выставляться в Салоне, хотя публику начинают больше привлекать Ж. Б. Грёз и О. Фрагонар. Буше стареет, зрение его слабеет, но он продолжает работать. Он совершает путешествие во Фландрию (1766 г.), пишет картины на религиозные сюжеты («Поклонение пастухов», 1764 г., и др.), украшает дворец Марсийи (1769 г.), создаёт многочисленные декорации к оперным спектаклям («Кастор и Поллукс», 1764 г.; «Тесей», 1765 г.; «Сильвия», 1766 г.).

За несколько месяцев до смерти, Буше избрали почётным членом Академии художеств в Петербурге.

Его можно считать основателем  целой художественной школы. Художник создал новый канон женской красоты, великолепно подходящий к парижскому обществу того времени («Смуглая одалиска», 1745 г.; «Геркулес и Омфала», 1731— 1734 гг.).

Пейзажи Буше полны очарования и фантазии («Пейзаж в окрестностях Бовэ», 1742 г., и др.). Художник проявил себя как декоратор («Отдых на пути в Египет», 1757 г.) и орнаменталист, которому столь часто подражали в XIX столетии.

Мастер виртуозных рисунков, Буше сделал их более 10 тысяч.

Умер 30 мая 1770 г. в Париже.

"Опирающаяся девушка" 1752 г.

"Восхождение Солнца" 1753 г.

ФРАГОНАР  Жан Оноре (1732-1806), французский живописец и график. Родился в Грасе (Прованс) в 1732. Учился живописи в Париже у Шардена и Буше, а в 1755 отправился в Рим изучать монументально-декоративную живопись. В 1759 Фрагонар познакомился с Юбером Робером, вместе с которым зарисовывал живописные виды в окрестностях Рима и в самом городе, а в 1761 побывал в Неаполе, Болонье и Венеции. Фрагонар вернулся в Париж в 1761; в 1765 представил на конкурс на право вступления в Королевскую академию картину Корес и Каллироя (Лувр). Она была сразу же приобретена для королевской мануфактуры гобеленов, и комиссия потребовала, чтобы Фрагонар написал еще одну. В дальнейшем художник получал множество заказов от частных лиц и писал картины на фривольные сюжеты. Среди декоративных картин Фрагонара следует назвать серию из пяти больших панно вертикального формата, которую иногда называют Стадии любви. Серия была заказана в 1770 мадам Дюбарри и находится сейчас в коллекции Фрик в Нью-Йорке. В этих панно особенно хорошо видны черты зрелого стиля мастера: вместо четких контуров, как у Буше, - широкие скользящие мазки и свободно положенные пятна цвета. Фрагонар одновременно использует и светлые жемчужные оттенки палитры Буше, и резкие пламенные красные тона. Это позволяет ему достигать удивительных световых эффектов: свет оживляет поверхности и практически растворяет формы. В его картинах гораздо более смелый декоративный ритм, чем у Буше. Динамичные изящные линии, очерчивающие фигуры персонажей, повторяются в вихрящихся контурах деревьев или облаков. Этот непрекращающийся бег линий вместе с ритмическим чередованием ярко освещенных и погруженных в тень поверхностей придает полотнам Фрагонара декоративное единство. В панно Встреча художник искусно противопоставляет почти игрушечные фигурки влюбленных и роскошную растительность вокруг них, а в выразительной "реакции" Венеры и Амура - статуй из скульптурной группы, поставленной в саду среди деревьев, - чувствуется легкая насмешка. Подобные картины принадлежат к числу наиболее популярных произведений Фрагонара; однако его творчество гораздо более разнообразно, чем это может показаться на первый взгляд. Склонность к декоративности, тонкое чувство света и цвета, умелая передача движения, а также высочайшее мастерство исполнения всегда остаются характерными чертами его произведений, в каком бы жанре он ни работал. Иногда юмор Фрагонара сродни сатире Вольтера. Возможно, не без влияния последнего художник выполнил цикл больших декоративных панно Четыре мировые религии. В рисунках Фрагонара к роману Сервантеса Дон Кихот и Басням Лафонтена, созданных во время Великой французской революции или незадолго до нее, присутствует тот же критический дух. Последние годы жизни художник провел в безвестности и нищете. Умер Фрагонар в Париже в 1806.

"Засов" 1778 г.