Основные направления в искусстве 1960-1970-х годов

         Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности — геометрической абстракции.  Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в. Всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления — Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

        Оптическое искусство — искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя. Обратимся, например, к картине Бриджит Райли «Поток» (1964). Всю ее поверхность покрывают тонкие волнообразные линии. К середине изгибы становятся более крутыми, и здесь возникает видимость отделяющегося от плоскости зыбкого течения.  В её работе «Катаракта-III», 1967 создаётся эффект движения волн. В другой черно-белой композиции Райли — «Прямая кривизна» (1963) — сдвинутые по центру и пересеченные ломаными линиями круги создают эффект объемной извивающейся спирали. В «Фрагменте № 6/9» (1965) той же художницы разбросанные по плоскости черные диски порождают скачку последовательных образов, мгновенно исчезающих и возникающих вновь. Так, в картине Виктора Вазарели «Тау-дзета» (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию. В другой работе Вазарели — «Сверхновые» (1959—1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

        «Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) писала в своем манифесте «Довольно мистификаций» (1961): «Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой». 

           Оп-арт постепенно приобретает интернациональный характер, в разных странах образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц), Швейцарии (Тальман Герстнер), СССР (Вячеслав Колейчук). Отметим, что в Соединенных Штатах кризис абстракции порождает хард-эдж и минимализм, которые были вызваны теми же эстетическими потребностями.   

        Возможности  оп-арта  нашли некоторое  применение  в промышленной графике,  плакате, оформительском искусстве.

                                             Популярное искусство (поп-арт).

       Поп-а́рт (популярное искусство ) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Поп-а́рт основой своей эстетики взял образы заимствованные в массовой культуре и помещённые  в иной контекст. Язык этого направления был парадоксален и неясен. Скрытая насмешка, лёгкая ирония над всем тем, что люди привыкли считать красотой, художественным творчеством, духовностью - это поп-а́рт. Своими целями представители поп-арта провозгласили "возвращение к реальности", раскрытие эстетической ценности образцов массовой продукции. Они буквально воспроизводят типичные предметы современного урбанизированного быта (вещи домашнего обихода, упаковка товаров, детали машин и т. д.), широко пользуются привычным языком средств информации (штампованные приёмы рекламы, прессы, телевидения, кино, документальной фотографии, комиксов и т. д.). Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, в Великобритании П. Блейк, Р. Хамилтон, во Франции А. Фернандес; Н. де Сен-Фаль, в  Германии П. Вундерлих.

       В 1963 году в Нью-Йорке прошла выставка известного поп-арт художника Роберта Раушенберга. Первое что видели зрители при входе в зал, это совершенно белое полотно - “Белая картина”. Рядом находилась  “Шарлин” - картина из помятых обрывков газет, осколков зеркал, обрывков рубашки, кусочков дерева и ткани, почтовой открытки, постоянно мигающей электролампы и расплющенного зонта. Так же здесь было выставлено известное произведение Раушенберга “Кровать”, представляющее собой одеяло, натянутое на подрамник и забрызганное краской. 

       В работах поп-арт художников того времени сквозит гордость за американские товары -  доступные и дешевые. Он говорил о том, что поп-арт поменял местами внутреннее и внешнее. Представители это направления создавали образы узнаваемые всеми: шторы для ванной, бутылки колы, мужские штаны, столы для пикника, комиксы - всё то, что абстрактные экспрессионисты "не видели".

        Клас Олденбург, тоже художник из Америки, создавал из разных материалов батоны, сосиски, помидоры, гамбургеры. Есть даже созданный им монумент в виде огромной разрезанной котлеты. Мир упаковок и муляжей, штампованных образов и манекенов. В поп-арте становится равным красивое и тривиальное, живое и синтетическое, высокое и низкое.  

      Минимализм.

Минимализм - направление в живописи и скульптуре,  распространившееся в 1960-1970-е годы  преимущественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности  или  экспрессивного  жеста.  Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки,  для создания геометрических форм,  часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем.  Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. Наиболее известны такие минималисты,  как  Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман, Серра, Стелла, Флавин.

Дэн Флавин — американский художник-минималист, известен скульптурными объектами и инсталляциями, созданными из флуоресцентных ламп. Впервые Флавин придумал использовать электрический свет как художественную форму в 1961. Его первая персональная выставка также прошла в 1961 в Галерее Джадсон в Нью-Йорке. Первыми работами с включением электрического света была серия «иконы»: восемь цветных квадратных форм, флуоресцентные лампы с лампами накаливания, закрепленные по сторонам. Одна из этих «икон» была посвящена брату-близнецу Флавина, Давиду, умершему от полиомиелита в 1962. Большинство работ Флавина были без названия, часто при этом посвящены друзьям, художникам, критикам: наиболее известные произведения включают «Монументы В. Татлину», над которыми он работал в период между 1964 и 1990.  Последней работой Флавина было site-specific произведение в церкви S. Maria Annunciata in Chiesa Rossa в Милане, Италия.

Карл Андре — американский художник, представитель минимализма. Характерные черты скульптуры Андре — использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства. Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал «Элементы». Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см). Важность «Элементов» даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ. В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как «37 Pieces of Work», впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли получить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами её границ.  В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как  "Блоки и Камни" в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, а также работы для публичных пространств, как "Поле каменных скульптур" в 1977 в Хартфорде.

Дональд Джадд — американский скульптор и искусствовед, один из выдающихся представителей минимализма. Как художник он поначалу (в конце 1940-50-х) работал как живописец. В начале 1960-х Джадд начал добавлять трехмерные элементы на поверхность своих работ, сначала создавая рельефы, а затем перейдя к полностью автономным структурам, которые он называл «конкретными объектами». В 1963 он сформулировал основной «словарь» форм — «стопки», «коробки» и «прогрессии», с которыми работал последующие тридцать лет. Первоначально Джадд работал в дереве, промышленно изготовленные металлические ящики появились в конце 1960-х. В начале 1970-х его работы приняли форму инсталляций, Джадд начал выставлять работы на открытом пространстве. Используя промышленные материалы для создания абстрактных произведений, которые подчеркивают чистоту цвета, формы, пространства и материалы, Джадд описывал собственную работу как «простое выражение сложной мысли».

Ричард Серра начинает свою творческую карьеру как скульптор-минималист. В конце 1960-х годов он начинает работать с металлом. В это время он знакомится с такими мастерами минимализма, как Роберт Смитсон, Дональд Джадд, Карл Андре. К этому творческому периоду относятся его серия работ с резиной и неоновыми лампами. В 1966 году состоялась первая персональная выставка Серры в Риме, в 1968 году — выставка в Кёльне. В 1977 году он участвует в выставке современного искусства документа 6 в Касселе.

                           Нонконформизм.

Нонконформи́зм (от лат. non — «не» и поздне лат. conformis — «подобный», «сообразный») — стремление индивида придерживаться и отстаивать установки, мнения, результаты восприятия, поведение и так далее, прямо противоречащие тем, которые господствуют в данном обществе или группе.

Нонконформизм в искусстве — особенное свойство художественного творчества, выраженное в новаторстве творческого мышления в художественных образах. Нонконформизм предполагает отвлечение от условий обыденной, материальной действительности. Напротив, социалистическому реализму, академизму, натурализму, различным формам салонного и массового искусства свойственен конформизм — приспособление под сложившиеся вкусы, общественные мнения и сложившиеся установления, выполнение "социального заказа". Нонконформисты ведут себя неадекватно общественным правилам, поскольку отвергают не только собственное благополучие, но и нарушают покой и конформизм других людей. Нонконформизм вызывают неприятие, раздражение обывателей, властителей, заказчиков. В отличие от официального, нонконформистское искусство оказывает предпочтение не содержанию, а в большей степени художественной форме, в создании которой художники были совершенно самостоятельны и свободны .

Искусство нонконформизма – экзистенциалистское по своей сути, так как утверждает абсолютную уникальность отдельного индивидума. Идеалистическая эстетика нонконформистов основывается на представлении о внутреннем "Я" художника как источнике прекрасного. В таком представлении содержался бунтарский протест нонконформистов против объективизированного мира, преодоление пропасти между объективностью и субъективностью, что привело в творчестве к выражению проблемы бытия в тревожных и необычных формах.

Нонконформизм, как искусство экзистенциалистское, основан на разговоре художника со своей душой, и картина может возникать не только из сильных однозначных чувств, но и из совокупности впечатлений, упоминаний, внутренней необходимости увековечить бессловесную красоту.

Известные художники-нонконформисты:  Дмитрий Плавинский («Ракушка»,  1978),; Оскар Рабин («Натюрморт с рыбой и газетой «Правда»»,1968); Лев Кропивницкий («Женщина и жуки», 1966); Дмитрий Краснопевцев («Трубы», 1963); Владимир Немухин («Незаконченный пасьянс», 1966); Анатолий Зверев( «Женский портрет», 1966); Лидия Мастеркова («Композиция», 1967); Владимир Яковлев («Кошка с птицей, 1981); Эрнст Неизвестный («Сердце Христа»,  1973-1975); Эдуард Штейнберг («Композиция с рыбой», 1967); Михаил Рогинский («Красная дверь»,  1965);  Олег Целков («Голгофа», 1977); Юло Соостер («Красное яйцо», 1964).

                                                       Выводы.

        Рассмотрев  искусство 1960-1970 –х годов,  можно  смело сказать,  что в это  время было многое внесено  в мировую культуру. Ничего не  появляется «ниоткуда»,   многое  предшествовало появлению  таких  направлений,  как кинетическое  и концептуальное искусство, оптическое  и популярное искусство. К примеру, кинетическое искусство зародилось еще в 20-30-х гг. ХХ в., его представители хотели преодолеть традиционную статичность скульптуры, вписать её в окружающую среду. Опыты создания динамической пластики встречаются в футуризме, дадаизме, Баухаузе и русском конструктивизме  («Башня Татлина»), однако  окончательно течение оформилось в 60-е гг. Поп-арт, явившись своеобразной реакцией на абстрактное искусство и вместе с тем обнаружив связь с дадаизмом (особенно с творчеством М. Дюшана) и сюрреализмом, получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США.   Французский художник Марсель Дюшан подготовил «почву» и для концептуалистов своими реди-мейдами. Наиболее известным из дюшановских реди-мейдов был «Фонтан» (1917), писсуар, подписанный художником псевдонимом «R.Mutt».  Оптическое искусство продолжает рационалистическую линию техницизма (разновидности модернизма). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму, представителем которого был Виктор Вазарели (с 1930 по 1997 г.работал во Франции), основоположник оп-арта. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности — геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в.