Кинематограф США

        Создателям самых ранних кинолент приходилось снимать одно определенное действие, пока хватало пленки в камере. Когда фильмы стали длиннее, начали снимать отдельные эпизоды и последовательно соединять их друг с другом. На афишах и в рекламных объявлениях указывали точное количество «картин». Новизна Портера состояло в том, что сцены из одной «картины» он перемежал сценами из другой. Зритель получал возможность видеть то одно, то другое действие. Этот прием был назван параллельным или перекрестным монтажом.

        Гриффит воспитал множество прекрасных, талантливых киноактеров, например таких, как Дороти и Лилиан Гиш, Мэй Марш, Роберта Харрона, Мэри Пикфорд, Ричарда Бартелмеса. А некоторые из учеников Гриффита стали впоследствии известными кинорежиссерами: Эрих фон Штрогейм (полная фамилия Штрогейм фон Норденвальд), Мак Сеннетт, Тод Браунинг, Рауль Уолш и др. Гриффит требовал от актеров более реалистичной игры. Он понимал, что излишки театральной мимики и жестикуляции на экранах неуместны. В 1915 года совместно с режиссерами Томасом Инсом (1882 – 1924) и Маком Сеннетом возглавил фирму «Трайэнгл». Под его руководством было поставлено около сорока картин. В 1919 году Гриффит начал выпуск фильмов в качестве независимого продюсера для фирмы «Юнайтед артистс», которую организовал совместно с Чарли Чаплином, Дугласом Фэрбенксом и Мэри Пикфорд.

          По праву некоторые картины можно назвать вершиной его творчества, например «Рождение нации». Гриффит поставил на карту все, что у него было: деньги, свои связи. И не зря, успех оправдался. Даже президент Вильсон был в восторге от этой картины и заметил: « Вот, что значит написать историю светом!»

       «Нетерпимость» безусловно превосходит картину «Рождение нации» В этом заслуга сложности  композиционного построения и монтажа. Критика назвала фильм «шедевром на все времена», «венчающим и оправдывающим всю школу американской кинематографии».

       Теперь можно точно заявить, что именно с Дейвида Гриффита началась эра немого кино в Голливуде. Он является великим режиссером того времени. Он внес значимый вклад в зарождение и развитие кинематографа.

1.5. Чарли Чаплин

– как яркий представитель немого кино.

«Младенцы и собаки - лучшие актеры в кино».  
Чарли Чаплин

 

        Чарли стал олицетворением немого кино, его символом, его легендой, его лицом. Он - живая легенда. Его фильмы, снятые почти в начале века, мы смотрим, по сей день. Первая картина с участием Чаплина "Зарабатывая на жизнь" вышла на экраны в 1914 году. Но не этот фильм принес Чаплину его популярность, а новый, появившийся чуть позже, для которого актер придумал свой облик-маску - шляпу-котелок, черные усики, тросточку, большущие башмаки, нелепую походку. У этого персонажа будет уже и свое постоянное имя - Чарли.

        Наверняка, многие задавались вопросом, в чем же все-таки секрет бесконечной популярности героя Чарли на экране? 
Возможно, в том, что его создатель был восхитительным художником. Он был актером, сценаристом, режиссером, и даже сочинял музыку к своим поздним фильмам. В актерское искусство Чаплина тесно вплетались клоунада, пантомима, цирк. Он умел смешить зрителя как никто другой, но при этом обладал еще необыкновенной особенностью - он вызывал не только смех, но и слезы, люди плакали на его картинах. Чаплин создал свой, особый мир на экране и своего, особого героя, которому никогда не везло, который терял даже то немногое, что имел. У его фильмов никогда не было конца - его Чарли просто удалялся от нас по пустынной дороге, уходя в темноту кадра. И в каждом следующем фильме мы вновь встречались с ним и смотрели продолжение смешной и одновременно грустной истории маленького, забавного человека по имени Чарли.

        Под руководством режиссера Мака Сеннета, создателя "Кистоун", Чарли в 1913 году попал в Голливуд. За год Чарли снялся уже в 34 фильмах, половина из этих картин была поставлена по его собственным сценариям. Чаплин быстро набрал популярность. В 1920-м Чаплин вместе со своими друзьями, актерами - супругами Дугласом Фербенксом и Мэри Пикфорд и режиссером Дэвидом Гриффитом, основал кинокомпанию "Юнайтед Артистс".  Собственная компания расширяла возможности Чаплина ставить и играть все, что он только хотел. И он ставил и играл, и добивался феерического успеха! В 1928 году Чаплин получил свой первый «Оскар»  как актер и режиссер за фильм "Цирк", а позднее, в 40-м, стал "оскаровским" номинантом за картину "Великий диктатор". Часто сам Чаплин становился героем скандалов, подогревая интерес к себе желтой прессы, поэтому зачастую он был нелюбим Голливудом. Его множественные интрижки, романы и, даже, браки с молоденькими актрисами, а затем шумные бракоразводные процессы - это ли не было сладеньким кусочком для журналистов? Но, несмотря, на  увлечение юными красотками, Чаплин, никогда не забывал о кино.

Картины, выйдя которые признавались шедеврами киноискусства:

"Бродяга" (1915), "На  плечо!" (1918), "Малыш" (1921), "Пилигрим"(1923), "Золотая лихорадка" (1925), "Цирк" (1928).

        Его не стало 25 декабря 1977 года. Он умер в Швейцарии в окружении близких людей. Тогда ему уже было 89 лет. Спустя  три месяца после похорон, случилось вопиющие -  гроб с телом Чаплина был похищен из могилы. Через полгода преступники были пойманы, а гроб с останками возвращен на место. Многие говорят, что, даже уйдя из жизни, Чарли продолжал дарить сюжеты для фильмов.

       Киноискусство развивалось стремительно. Каждый режиссер старался придумать что-нибудь новое, чтобы выразить свои идеи, удивить публику и внести в клад создания «нового искусства» - кинематографа. 

       Жанры фильмов – этому словосочетанию нет четкого определения, скорее всего это понятие можно условно ограничить, так как в одном фильме может переплетаться от двух и более жанров, плавно переходящих из одного в другой. Само понятие жанра сложилось исторически, а в кинематограф перешло из других видов искусств, например, живописи. Разделение отснятых фильмов на жанры, подвиды и другие разновидности началось уже в процессе становления киностудии Голливуд, в то время кино уже перестало быть редким искусством, фильмов выпускалось много, поэтому для дальнейшего продвижения на рынке каждый фильм было необходимо классифицировать.

 

1.6. Возникновение жанров

 

        «Киномоголы» (так в 1920-х — начале 1960-х годов называли продюсеров, возглавлявших пять крупнейших голливудских киностудий) не желая рисковать, выпускали картины, коммерческий успех которых был сомнителен. Чтобы свести этот риск на «нет», они стали концентрировать свои усилия на фильмах определенных жанров. В таких картинах постоянно обыгрывались наиболее популярные сюжеты, герои, актуальные темы, что обеспечивало кассовые сборы.

        Самыми популярными жанрами в то время считались детективы, фильмы ужасов, комедии, мелодрамы, приключенческие фильмы, вестерны. Успех самых прибыльных картин обеспечивался умелыми рекламными компаниями, в центре которых находились кинозвезды.

       В число самых высокооплачиваемых актеров мира, так же являвшиеся ярчайшими звездами немого кино входили – Мэри Пикфорд и Дуглас Фернбенкс.  После их бракосочетания в 1920 году они были причислены к «голливудской аристократии». Мэри Пикфорд на то время являлась любимицей Америки. Как правило, она играла молодых невинных девушек в фильмах типа «Ребекка с фермы Саннибрук» (1917). Однако стоило ей взяться за разноплановые роли, как ее популярность тут же упала. Публика не желала признавать, что их любимица просто на просто повзрослела. Дугласу Фернбенксу популярность пришла после главных ролей в нескольких социальных комедиях, но стоит заметить, что его мужественность и атлетическая фигура больше всего подходили для разительных приключений, таких, как в картине «Черный пират»(1926).

     Кинотресты: 1912 – «Парамаунт», 1919 – «Юнайтед артистс», 1924 – «Метро – Голдуин – Майер», 1925 – «Уорнер бразерс».

     Первый фильм, с которого началась история Голливуда был вестерном Сесила Б. Де Милля «Муж индианки».

1.7. Кино эпохи джаза

 

       После первой мировой войны Америка претерпела глобальные перемены. Молодое поколение американцев рассматривало 1920-е годы как шанс начать все с нового листа. Молодежь  решительно избавлялось от многих приевшихся культурных традиций, существовавших до войны. В фундаменте этой социальной революции лежал более свободный взгляд на вопросы интима и морали, чем Голливуд не замедлил пользоваться.

        Теперь актрисы рекламировались как богини любви, личная жизнь которых была не менее бурной, чем страсти, бушующие в их фильмах. Благодаря, сумбурному стилю жизни звезд, Голливуд прозвали, как «город мишуры». В 1920-х годов всех шокировала серия скандалов, в которую были вовлечены некоторые знаменитости. Власть стала требовать выяснения, как же все-таки ведутся дела в кинобизнесе. Киностудии попытались найти компромисс, чтобы можно было избежать расследований со стороны властей, они ввели собственные, даже очень суровые моральные требования к моральному внешнему виду своих сотрудников, к цензуре выпускаемой кинопродукции. Тогда был создан специальный орган «Хейз офис», специализирующийся на контроле нравственно кодекса и восстановлении как прежде располагающего имени Голливуда.

       Немного погодя, производители кинофильмов научились виртуозно  обходить нравственный кодекс. Сесил Б. Де Милль, который сделал себе имя на вестернах и мелодрамах, взялся за постановку картин типа библейской эпопеи «Десять заповедей» (1924).  Не смотря, на множество сцен эротического характера, эти фильмы технично избегали цензуры, ведь порок в них неизменно наказывался, а добродетель вознаграждалась.

      На фоне де Милля резко контрастировала изящная манера съемки немецкого режиссера Эрнста Любича, которого пригласила в Голливуд Мери Пикфорд. Столь же изысканный стиль отличал и Эриха фон Штрогейма, австрийца по происхождению.

      Фон Штрогейм настаивал на том, чтобы в кинофильмах все было как можно естественней, но продюсеры находили его стиль чересчур, вызывающим. Некоторые из его фильмов были подвернуты цензурным сокращениям. Больше всех пострадал главный шедевр режиссера – фильм «Алчность»(1923). Из 42 частей картины публика увидела всего лишь 10, но, несмотря на это, фильм благодаря режиссерскому мастерству фон Штрогейма стал одним из величайших достижений мировой кинематографии.

 

 

 

 

 

2. Развитие американского кинематографа: появление новых жанров, новых звезд, новых фильмов

 

2.1. Рождение звукового кино

 

     Фильмом А. Кросленда «Певец джаза» в 1927 году начался период звукового кино, и, конечно же, интерес к немым фильмам стал быстро угасать. Уже в конце 20-ых годов абсолютно все американское кинопроизводство перебралось в Лос-Анджелес.

     Первыми на появление звука откликнулись компании «Уорнер Бразерс», «XX век Фокс» и «Парамаунт».

    Студии переоборудовали кинотеатры под звук. По подсчетам, это обошлось Голливуду в полмиллиарда долларов.

      Создание игровых фильмов в 1920-е годы давалось весьма трудно, и те, кто этим занимался, должны были уметь не только играть на  публику, но и находить контакт с ней. К тому времени система киностудий давало ничтожно мало возможностей для самовыражения художника,  тем не менее, она породила множество талантливых режиссеров. Некоторые из них, такие, как Джон Форд или Кинг Видор, заняли видное место в звуковом кино, другие, как Джеймс Круз, Рекс Ингрем, Льюис Вебер и Фред Нибло, канули в небытие.

      Около трех лет развивался интерес к звуковому кино. Но разразившийся экономический кризис и последовавшая за ним Великая депрессия (1929 – 1933 годов) словно обошли киноиндустрию стороной. Люди готовы были отдавать последние сбережения, чтобы посмотреть звуковой фильм.

    За три года в кинематографе появились некоторые жанры, такие как как гангстерский фильм, фильм ужасов, вестерн, в которых речь персонажей чередовалась с выстрелами, визгом автомобильных тормозов и гортанными выкриками нападающих индейцев.

   Золотым веком Голливуда называют 30-е года, именно в эти года американское кинопроизводство было на подъеме. Главные студии поставляли в среднем счете по пятьсот картин в год.

 

 

2.2. Американское кино на пороге перемен

 

         1946 год – год расцвета Голливудских фильмов. Число кинозрителей достигало девяноста миллионов человек в неделю – рекордная цифра за всю историю существования американской «фабрики грез». Однако спустя несколько месяцев время расцвета сменилось кризисом.

2.3. Годы кризиса

 

        Телевидение – стало одним из главных конкурентов кинопроизводству. В 40-х зрители стали все реже посещать кинотеатры. Людей все больше привлекало телевидение, теплые вечера с родными перед телевизорами, количество которых с 1948 по 1952 года возросло в США в 60 раз. Теперь, когда бытовая техника была доступна везде, американцы не спешили тратиться на билеты в кино, гораздо выгоднее было внести очередной взнос за приобретенную технику в рассрочку. Стоимость производства картин стала резко возрастать. Неожиданным ударом был вынесенный вердикт судом США ( в 1949 г. ), по которому студии не имели права владеть собственными кинотеатрами, из-за чего они теряли обеспеченный прокат. Производство кинофильмов считалось, и считается по сегодняшний день, дорогостоящим занятием. В таких условиях кинофильмы перестали окупаться. В 50-х годах производство фильмов резко сократилось вдвое, многие деятели кино остались без работы. Кинематографисты покидали киностудии и становились независимыми продюсерами и режиссерами.

          В середине 30-х годов в Голливуде было восемь крупных кинофирм: «Метро-Голдвин-Майер», «Уорнер Бразерс», « XX век Фокс», «Парамаунт», РКО, «Коламбия пикчерс», «Юниверсл» и «Юнайтед артистс». Производственные объединения, не входившие в эти гиганты, считались независимыми. Независимые продюсеры 30-х годов, как Уолт Дисней и Дэвид Селзник, сами финансировали и ставили свои картины, а для их проката обращались к ведущим кинофирмам. Так действовали многие независимые продюсеры, появившиеся в 40 – 50-х годах.

 

 

 

 

 

 

3. Современный период

 

«Раньше кино снимали совсем не такое, как сейчас. Оно было более наивное, но одновременно и более глубокое. И более человечное, что ли. В старом кино смерть — это всегда трагедия, даже если умирает какой-то второстепенный, совсем незаметный персонаж. А в каждом втором современном фильме чуть ли не горы трупов — и никому их не жалко. Ни зрителям, ни героям…»